El Palacio de Festivales vuelve este otoño con 34 espectáculos que recuperan la práctica totalidad de la programación de primavera, suspendida por la crisis sanitaria, y suma 20 novedades, entre ellas, dos estrenos.

El vicepresidente del Gobierno de Cantabria, Pablo Zuloaga, ha asegurado que el Ejecutivo ha optado por mantener los compromisos que ya estaban cerrados con todos los creadores y ha reiterado el objetivo de atraer público de diferentes edades, con nombres como Rozalén, que abre este nuevo periodo cultural del Palacio –el próximo 18 de septiembre- y Sidecars (el 18 de diciembre), que estrenará gira en Santander con su nuevo trabajo ‘Ruido de Fondo’, que se publicará en el mes de septiembre.

Hasta el 6 de febrero, con ‘Señora de Rojo sobre Fondo Gris’, el Palacio ofrecerá, en 38 sesiones, una programación, en palabras de su coordinador, Carlos Troyano, “marcada por la diversidad y el equilibrio de formatos y lenguajes” y que servirá como “preludio del 30 aniversario del Palacio, un referente nacional e internacional”, según ha señalado la directora general de Acción Cultural, Gema Agudo.

Sobre la adaptación a las condiciones de seguridad, Zuloaga ha asegurado que “la cultura es un espacio seguro” y se limitará el aforo al 50% para garantizar que “cada paso que se da, es un paso adelante”. Además, ha agradecido el “esfuerzo” de los empleados de la Sociedad Regional de Cultura por haber conseguido “arrancar la cultura” tras el confinamiento, organizando los primeros conciertos de España.

Teatro, danza, recitales, música clásica, humor y circo componen esta oferta cultural que incluye un espectáculo para el público infantil cada primer sábado de mes.

Grandes nombres para una trayectoria de éxito

El vicepresidente ha destacado los “grandes nombres” que incluyen la programación de otoño del Palacio y contribuyen a su “trayectoria de éxito” que alcanzará el próximo año su trigésimo aniversario.

La programación de otoño del Palacio parte el 18 de septiembre con el recital de Rozalén, al que seguirá el de Zahara, el 23 de octubre, y contará con otro gran nombre, ‘Sidecars’, el 18 de diciembre. Además, incluye nombres de artistas cántabros, como el IX Festival Santander de Boleros (24 de octubre) y Malandro Club (27 de noviembre).

El teatro vuelve a ser una de las apuestas claras del Palacio y comenzará su ciclo el 25 de septiembre con Concha Velasco en ‘La Habitación de María’, de Manuel Martínez Velasco, dirigida por José Carlos Plaza. ‘El Anfitrión’ de Molière con Pepón Nieto, Toni Acosta y Fele Martínez, entre otros, llegará al Palacio el 9 de octubre, bajo la dirección de Juan Carlos Rubio.

La obra de Federico García Lorca ‘Sonetos de Amor Oscuro’ ha inspirado otro de los grandes títulos que traerá el Palacio en su oferta teatral con ‘Amor Oscuro’, escrita y dirigida por Jesús Arbués (11 de noviembre).

‘La Vida es Sueño’ dirigida por Carlos Martín (2 de diciembre); ‘Fresa y Chocolate’ de Senel Paz, dirigida por Alberto Alfaro (11 de diciembre), y ‘Tito Andrónico’ de Shakespeare, dirigida por Antonio C. Guijosa (9 de enero) componen el ciclo de teatro que incluye, el 29 de enero, ‘Esperando a Godot’ de Beckett, dirigida por Antonio Simón e interpretada, entre otros, por Pepe Viyuela y Alberto Jiménez.

El teatro en el Palacio cierra su programa de otoño, sumándose al centenario este año del nacimiento de Delibes, con ‘Señora de Rojo sobre Fondo Gris’, adaptada por José Sámano, José Sacristán e Inés Camiña.

Los creadores cántabros también tienen un lugar destacado en la programación con Hilo Producciones ‘Tal Vez Soñar’ de Sandro Cordero (21 de noviembre) y el estreno de ‘Blanco Roto’ dirigida por Pati Domenech (23 de enero).

El Ballet de la Scala de Milan, ‘Una noche italiana’ (7 de noviembre); ‘Juana’ de Chevi Muraday (14 de noviembre); la compañía de Yolanda G. Sobrado con la performance flamenca ‘Bailame amor’ (19 de diciembre), y la compañía de Arnau Pérez ‘Young Blood: matter of time’ (8 de enero) componen la oferta de danza del Palacio, que incluye el gran nombre de Antonio Najarro con ‘Alento’ el 22 de enero.

La música clásica estará representada por el cuarteto de cuerda Carducci (23 de octubre), la orquesta sinfónica de Castilla y León (28 de noviembre), el cuarteto Paul Klee, con el clarinete Davide Teodoro y el piano de Jean-Pierre Armengaud (4 de diciembre), la Orquesta Ciudad de Granada (15 de enero) y la Dresdner Philharmonie (28 de enero). También se incluye en la programación a la Orquesta sinfónica juvenil UIMP-Ataulfo Argenta, el 12 de diciembre.

Dentro de la oferta musical de navidades, un año más, se ha programado la actuación de góspel, con Stars Gospel Choir.

El circo vuelve a estar presente este otoño en el Palacio con ‘Deja Vú’ de la compañía Manolo Alcántara (27 de noviembre), y el humor con Goyo Jiménez (20 de noviembre).

Dentro de El Palacio con los Niños se incluyen las representaciones de Pata Teatro ‘Debajo del Tejado’ (3 de octubre) Ruido Interno ‘Amarillo Caído del Cielo. La Aventura del Pájaro Amarillo’ (7 de noviembre) y Escena Miriñaque ‘Del otro Lado’ (6 de febrero).

Además, al público infantil van dirigidas las actuaciones de la Billy Boom Band (5 de diciembre) y de La Maquiné ‘Acróbata y Arlequín’ (9 de enero).

SEPTIEMBRE

Viernes 18 de septiembre. Sala Argenta. 20:30 h

Recital

Rozalén

A 45,00 €   B 45,00 €   C 45,00 €   D1 40,00 €  D2 35,00 €  PMR B y C 45,00 €

Viernes 25 y sábado 26 de septiembre. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“La habitación de María”, de Manuel Martínez Velasco | Dirección, José Carlos Plaza

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR B 25,00 €  PMR D 15,00 €

OCTUBRE

Sábado 3 de octubre. Sala Pereda. 17:00 h

El Palacio con los Niños

Pata Teatro | “Debajo del tejado”

A 7,00 €   D 5,00 €   PRM 5,00 €

Viernes 9 y sábado 10 de octubre. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Anfitrión”, de Molière | Dirección, Juan Carlos Rubio

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR B 25,00 €  PMR D 15,00 €

Viernes 16 de octubre. Sala Argenta. 20:30 h

Recital

Zahara | “Acustiquísimo”

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D1 22,00 €  D2 20,00 €  PMR B y C 25,00 €

Viernes 23 de octubre. Sala Pereda. 20:30 h

Música Clásica

Cuarteto de cuerda Carducci

Julian Bliss, clarinete

Programa: Mozart | Bruce

A 25,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR 15,00 €

Sábado 24 de octubre. Sala Argenta. 20:30 h

Recital

IX Festival Santander de Boleros

+ Amigos

A 20,00 €   B 20,00 €   C 20,00 €   D1 18,00 €  D2 15,00 €  PMR B y C 20,00 €

NOVIEMBRE

Sábado 7 de noviembre. Sala Pereda. 17:00 h

El Palacio con los niños

Ruido Interno | “Amarillo Caido del cielo”

A 7,00 €   D 5,00 €   PRM 5,00 €

Sábado 7 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Danza               

Estrellas y Solistas del Ballet de La Scala de Milán

Programa: Una noche italiana

A 25,00 €   B 30,00 €   C 27,00 €   D1 22,00 €   D2 20,00 € y 10,00 €  PMR B 30,00 € PMR C 27,00 €

Miércoles 11 de noviembre. Escenario Argenta. 20:30 h

Teatro

“Amor oscuro”, espectáculo escrito y dirigido por Jesús Arbués sobre los “Sonetos del Amor Oscuro” de Federico García Lorca.

A 18,00 €   PMR 18,00

Sábado 14 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Danza

“Juana” de Chevi Muraday

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D 20,00 y 10,00 €   PMR B 25,00 €  PMR D 20,00 €

Viernes 20 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Humor

Goyo Jiménez | Aiguantulivinamerica2                               

A 22,00 €   B 22,00 €   C 22,00 €   D1 20,00 €  D2 18,00 €  PMR B 22,00 €  PMR C 22,00 €

Sábado 21 de noviembre. Sala Pereda. 20:30 h

Teatro

Hilo Producciones | “Tal vez soñar”, de Sandro Cordero

A 18,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PRM 15,00 €

Miércoles 25 de noviembre. Escenario Argenta. 20:30 h

Recital

Malandro Club

A 18,00 €   PMR 18,00 €

Viernes 27 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Circo

Cía. Manolo Alcántara | “Dejá Vú”

A 18,00 €   B 18,00 €   C 18,00 €   D 16,00 € y 10,00 €  PMR B 18,00 €  PMR D 16,00 €

Sábado 28 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Pablo Amorós, piano| Santiago Serrasate, director

Programa: Mendelsson | Wagner |  Beethoven

A 25,00 €   B 30,00 €   C 27,00 €   D1 22,00 €   D2 20,00 € y 10,00 €  PMR B 30,00 € PMR C 27,00 €

DICIEMBRE

Miércoles 2 de diciembre. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

Teatro del Temple | “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca | Dirección, Carlos Martín

A 18,00 €   B 18,00 €   C 18,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR B 18,00 €  PMR D 15,00 €

Viernes 4 de diciembre. Sala Pereda. 20:30 h

Música Clásica

Cuarteto Paul Klee | Davide Teodoro, clarinete | Jean-Pierre Armengaud, piano

Programa: “75 años del Fin de la II Guerra Mundial en Europa” – Messiaen |  Shostakovich

A 18,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR 15,00 €

Sábado 5 de diciembre. Sala Argenta. 17:00 h

El Palacio con los niños        

Billy Boom Band                          

A 9,00 €   B 9,00 €   C 9,00 €   D1 7,00 €  D2 7,00 € PMR B y C 9,00 €

Viernes 11 de diciembre. Sala Pereda. 20:30 h

Teatro

“Fresa y chocolate”, de Senel Paz | Dirección, Alberto Alfaro

A 18,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PRM 15,00 €

Sábado 12 de diciembre. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica                            

Orquesta Sinfónica Juvenil UIMP – Ataúlfo Argenta

Coro Lírico de Cantabria | Camerata Coral Uniersidad de Cantabria | Vicente Pelechano, director

Programa: Beethoven

A 18,00 €   B 18,00 €   C 18,00 €   D1 16,00 €   D2 12,00 €   PMR B y C 18,00 €

Viernes 18 de diciembre. Sala Argenta. 20:30 h

Recital       

Sidecars | “Ruido de fondo Tour”      

A 30,00 €   B 30,00 €   C 30,00 €   D1 28,00 €  D2 25,00 €   PMR B y C 30,00 €

Sábado 19 de diciembre. Sala Pereda. 20:30 h

Danza                         

Cía. Yolanda G. Sobrado | “Báilame Amor» Performance Flamenca para un alma viva

A 18,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PRM 15,00 €

Domingo 20 de diciembre. Sala Argenta. 19:00 h

Gospel       

Stars of Gospel Choir

Bridget Bazile, solista | Vincent Balse, Director Musical y pianista

A 30,00 €   B 30,00 €   C 30,00 €   D1 25,00 €    D2 20,00 y 12,00 €   PMR B y C 30,00 €

ENERO

Viernes 8 de enero. Sala Pereda. 20.30 h

Danza

Cía. Arnau Pérez | “Young Blood: matter of time”

A 18,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PRM 15,00 €

Sábado 9 de enero. Sala Pereda. 17.00 h

El Palacio con los Niños

La Maquiné | “Acróbata y arlequín”

A 7,00 €   D 5,00 €   PMR 5,00 €

Sábado 9 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Tito Andrónico”, de William Shakespeare | Versión, Nando López | Dirección, Antonio C. Guijosa

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR B 25,00 €  PMR D 15,00 €

Viernes 15 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Orquesta Ciudad de Granada       

Orfilia Saiz Vega, violonchelo | Diego Martín Etxebarría, director

Programa: Haydn | Saint-Saëns | Mendelssohn

A 25,00 €   B 30,00 €   C 27,00 €   D1 22,00 €   D2 20,00 € y 10,00 €  PMR B 30,00 € PMR C 27,00 €

Viernes 22 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Danza               

Compañía Antonio Najarro | Antonio Najarro, director | “Alento”

Concepto del espectáculo, idea original, puesta en escena y coreografía: Antonio Najarro | Música y dirección musical: Fernando Egozcue

A 25,00 €   B 30,00 €   C 27,00 €   D1 22,00 €   D2 20,00 € y 10,00 €  PMR B 30,00 € PMR C 27,00 €

Sábado 23  de enero. Escenario Argenta. 20:30 h

Teatro | Estreno

“Blanco roto”, de Pablo Escobedo | Dirección, Pati Domenech

A 18,00 €   PRM 18,00 €

Jueves 28 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Dresdner Philharmonie

Arabella Steinbacher, violín | Pablo González, director

Programa: Korngold | Strauss

A 30,00 €   B 30,00 €   C 30,00 €   D1 27,00 €   D2 25,00 € y 10,00 €  PMR B 30,00 € PMR C 30,00 €

Viernes 29 y sábado 30 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Esperando a Godot”, de Samuel Beckett | Dirección, Antonio Simón

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR B 25,00 €  PMR D 15,00 €

FEBRERO

Viernes 5 y sábado 6 de febrero. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Señora de rojo sobre fondo gris”, de Miguel Delibes | Dirección, José Sámano | Adaptación: José Sámano, José Sacristán e Inés Camiña

A 25,00 €   B 25,00 €   C 25,00 €   D 15,00 y 10,00 €   PMR B 25,00 €  PMR D 15,00 €

Sábado 6 de febrero. Sala Pereda. 17.00 h

El Palacio con los Niños | Estreno

Escena Miriñaque | “Del otro lado”

A 7,00 €   D 5,00 €   PMR 5,00 €

ACTUACIONES APLAZADAS DEL ABONO GENERAL PROGRAMACIÓN FEB-JUN2020

Estrellas y Solistas del Ballet de La Scala de Milán (S, 7 Nov) | Tito Andrónico (S, 9 Ene) | Esperando a Godot (V, 29 Ene) | Orquesta Ciudad de Granada (V, 15 Ene) | Señora de rojo sobre gris (V, 5 Feb)

ACTUACIONES APLAZADAS DEL ABONO MUSICA CLÁSICA PROGRAMACIÓN FEB-JUN2020

Orquesta Ciudad de Granada (V, 15 Ene)

ACTUACIONES APLAZADAS DEL ABONO TEATRO PROGRAMACIÓN FEB-JUN2020

Tito Andrónico (S, 9 Ene | Esperando a Godot  (S, 30 Ene) | Señora de rojo sobre gris (S, 6 Feb)

ACTUACIONES APLAZADAS DEL ABONO DANZA PROGRAMACIÓN FEB-JUN2020

Estrellas y Solistas del Ballet de La Scala de Milán (S, 7 Nov)

OPCIONALES ABONO GENERAL Y CICLO (MISMO DESCUENTO)

En función disponibilidad, resto de espectáculos de la programación de la temporada. En los espectáculos con más de una sesión las localidades para los abonos generales serán para el primer pase y las del segundo pase para los abonos de ciclo.

NO DESCUENTOS

Rozalén (V, 18 Sep) | Zahara (V, 16 Oct) | IX Festival Santander de Boleros (S, 24 Oct) | Amor Oscuro  (X, 11 Nov) | Goyo Jiménez (V, 20 Nov) | Malandro Club (X, 25 Nov) | Sidecars (V, 18 Dic) | Blanco Roto (S, 23 Ene) | Espectáculos El Palacio con los niños

CALENDARIO VENTA DE ABONOS Y LOCALIDADES

Abonos generales                       martes 18, miércoles 19, jueves 20, viernes 21 y sábado 22 de agosto 2020

Abonos Ciclo                                 martes 25, miércoles 26, jueves 27, viernes 28 y sábado 29 de agosto 2020

Usuarios silla ruedas                  martes 1 de septiembre 2020

Amigos del Palacio                      miércoles 2,  jueves 3, viernes 4 y sábado 5 de septiembre 2020

Público general                            A partir del martes 8 de septiembre 2020
TEATRO

Viernes 25 y sábado 26 de septiembre. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“La habitación de María”, de Manuel Martínez Velasco

Dirección, José Carlos Plaza

Con Concha Velasco

Diseño de escenografía e iluminación: Paco Leal

Video escena: Bruno Praena

Fotografía: Sergio Parra

Diseño gráfico: David Sueiro

Productor: Jesús Cimarro

Una producción de Pentación Espectáculos

Duración: 70 min. Sin descanso

La célebre escritora Isabel Chacón cumple hoy 80 años. La flamante ganadora del Premio Planeta, que no pudo recoger en persona por la agorafobia que sufre, celebra hoy su aniversario sin ningún tipo de acto público, ni familiar, como viene siendo habitual en los últimos años.

Son 43 años en concreto los que Chacón lleva recluída en su domicilio por su condición, la planta 47 de un rascacielos madrileño que ha convertido en su fortaleza y donde todo lo que necesita (comida, ropa, medicamentos…) le es llevado a casa. Esa noche se produce un incendio y todos los inquilinos son obligados a evacuar el inmueble.

Pero para Isabel esto es imposible, sencillamente «no puede» salir de casa. A medida que las llamas van llegando a la azotea, exactamente durante 75 minutos, Isabel tendrá que tomar la decisión más importante de su vida afrontando con un inteligente sentido del humor sus miedos, sus fantasmas, y todos los traumas de su vida que le han llevado a esta encrucijada, antes de que sea demasiado tarde…

Viernes 2 de octubre. Sala Pereda. 20:30 h

Teatro

Kulunka Teatro

“Quitamiedos”, de Iñaki Rikarte

Dirección, Iñaki RiKarte

Con Jesús  Barranco y  Luis Moreno

Diseño de vestuario y escenografía: Ikerne Giménez

Ayudante de vestuario y escenografía: Martín Barandiarán

Coreografía: Marta Gómez

Fotografía: Aitor Matauco

Foto cartel: Aitor Dekintana

Composición musical y espacio sonoro: Luis Miguel Cobo

Diseño de iluminación: Javier Ruiz de  Alegría

Ayudante de dirección: Garbiñe Insausti y José Dault

En colaboración con la Consejería de Unversidades, Igualdad, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria.

Duración: 80 min. Sin descanso

Quitamiedos plantea que desde que una persona muere hasta que su cuerpo se enfría y se funde con la temperatura ambiente, se está produciendo un encuentro: el del fallecido con su ángel de la guarda.

La función tiene la duración de ese encuentro, donde el tiempo se mide en grados centígrados.                                                                                                  

Una curva de una carretera comarcal, con un quitamiedos roto después de un accidente de tráfico, es el contexto para descubrir una visión singular de la muerte, poética y desacralizada, y los datos de una biografía (la del accidentado) cuyas piezas no acaban de encajar en la versión oficial del accidente.

Todo esto para confrontar en clave de tragicomedia a dos amantes -uno ideal y otro humano- y reflexionar acerca del amor y sus contradicciones.

Viernes 9 y sábado 10 de octubre. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Anfitrión”, de Molière

Dirección, Juan Carlos Rubio

Con Pepón Nieto, Toni Acosta, Fele Martínez, Paco Tous, Daniel Muriel y María Ordóñez

Movimiento escénico: Chevi Muraday

Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

Música original: Julio Awad

Diseño de vestuario: Paola Torres

Diseño de escenografía: Allen Wilmer (aapee), Leticia Gañán y Emilio Valenzuela

Versión y dirección: Juan Carlos Rubio

Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Mixtolobo y Pentación

Duración: 90 min. Sin descanso

Un robo, señoras y señores. Eso fue lo que cometió Molière con Anfitrión, el divertido texto original del autor latino Plauto. Y dueño ya de ese suculento botín lo transformó a su antojo gracias al enorme talento que poseía.

 Ahora mi querido Pepón Nieto me ha ofrecido ser cómplice en un nuevo hurto y darle forma a la dramaturgia y dirección de este renovado Anfitrión, tomando como base el texto del dramaturgo francés. Y, amparándome en la célebre frase de “quien roba a un ladrón tiene cien años de perdón”, no me han dolido prendas en hacer lo que intuyo que Molière hubiera hecho de haber vivido en nuestros días. Por un lado, adaptarse a la realidad y reescribir el papel de las mujeres, convirtiéndolas no en simples peones en el varonil tablero de juego sino en verdaderos motores codo con codo con los personajes masculinos. Por otro, profundizar en el juego de la duplicidad y la imagen.

 ¿Qué son las redes sociales, tan en boga, más que un desesperado intento por observarnos desde fuera, darle forma a nuestro propio ser y mostrarnos (con filtros) al mundo y, por extensión, a nosotros mismos? ¿Necesitamos vernos para creernos? ¿Somos víctimas de nuestra propia imagen y semejanza? Anfitrión es una historia de seres clonados que viven la asombrosa paradoja de verse de piel hacia fuera, una mezcla de lo divino y lo humano, las pasiones y los odios, las infidelidades y los deseos, las risas y algún que otro sentimiento con el sano propósito de entretener. Para poder construir el universo que permite a un texto pasar del papel a las tablas, hemos contado con un equipo de lujo que ha ido aportando, paso a paso, idea a idea, incluso pelea a pelea, todo lo necesario para poder levantar el telón esta noche. Y ahora, pasen y vean, el mayor espectáculo del mundo está a punto de comenzar. Claro que, quizá, en la pista, se encuentren a sí mismos, ¿están preparados? Y, por cierto, si ven a Molière sentado por ahí, díganle que no se olvide de apagar el teléfono móvil.            

Miércoles 11 de noviembre. Escenario Argenta. 20:30 h

Teatro

“Amor oscuro”

Un espectáculo escrito y dirigido por Jesús Arbués sobre los “Sonetos del Amor Oscuro” de Federico García Lorca.

Con Javier García Ortega

Escenografía e iluminación: Josema Hernández de la Torre (concepto de Jesús Arbués)

Diseño mapping: Óscar Lasaosa

Animación video: Manuel Avellanas

Música: Pitrón Giménez interpreta “Ay voz secreta del Amor Oscuro”, Nano Giménez piano; Laura de la Fuente interpreta “Soneto gongorino” con música de Amancio Prada

Estudio de grabación: Nacho Moya

Técnico en gira: Josema Hernández de la Torre

Foto cartel: Beatriz López

Diseño cartel: Iglöo

Una producción de Viridiana Centro de Producción Teatral

Distribución: Pilar Royo

Producción: Mónica Macías

Administración: Lumi Jiménez

Duración: 55 min. Sin descanso

En diciembre de 1983, casi 50 años después de su escritura, se publicaron, por primera vez, los “sonetos de amor oscuro” en una edición clandestina. ¿Cómo había podido ocurrir? ¿Cómo había sido posible que durante medio siglo estos versos, probablemente los mejores de Lorca, hubieran estado ocultos? Esta es la historia de una ocultación, de una sustracción, de una vergüenza. Esta es la historia de los versos desaparecidos de un poeta desaparecido. Esta es una historia de miedo y de silencio.

 Una historia a través de once personajes, un encuentro a través de once protagonistas, once sonetos y una historia. Once poemas y una vida. Los mejores poemas de Federico, los últimos que escribió, los que más dicen sobre él. El amor oculto, el amor extremo, el amor desbordado. Once momentos del amor torturado y oculto del poeta.

Puede hacerse en un teatro aunque también en otros espacios: un aula, una sala, un edificio singular… Amor oscuro no es pues una obra de teatro al uso, no es tan poco un recital poético, es un lugar para escuchar los mejores versos de Federico, para conocer algo más. No solo son esos sonetos es también por qué y cómo se escribieron. Por qué y cómo se ocultaron. Realidades escondidas en un espectáculo, sutil, delicado. Que deja entrever, interiores, habitaciones a medio iluminar, sentimientos a medio decir… ocultos, oscuros. Cada soneto sugiere un estado al actor, cada soneto nos desvela un paso de una historia rocambolesca, de la vida y la muerte de Federico pero también de lo que aconteció después.

Los herederos de Lorca conservan los once sonetos amorosos, escritos por el poeta en papel de cartas con membrete del Hotel Victoria, de Valencia, donde al parecer el poeta inició la serie en 1935.  El poeta esperaba impaciente la llegada desde Madrid de su «íntimo amigo» Rafael Rodríguez Rapún; Ian Gibson señala que en esa época Lorca sufría en su relación con Rapún, debido a la «actividad heterosexual» de su joven y atractivo amante, y que el hecho de que éste no se presentase en Valencia «se le aparecería como expresión de abandono». La angustia sentimental que vivía Lorca y la «nueva moral» que reivindicaba encontraron expresión en los Sonetos del amor oscuro.

Sábado 21 de noviembre. Sala Pereda. 20:30 h

Teatro

Hilo Producciones

“Tal vez soñar”, de Sandro Cordero

Dirección, Sandro Cordero

Con Rita Cofiño, Sandro Cordero y Laura Orduña

 Ayudante de dirección: Mariu Ruíz

Espacio sonoro: Mr. Wonder

Vestuario: Azucena Rico

Iluminación: Pancho Villar

Escenografía: La Maldita Espiral

Construcción de escenografía Utileria-Atrezzo

Fotografía: Áureo Gómez

Producción: Begoña García

Duración: 75 min. Sin descanso

«El teatro es, quizá, el arte que más refleja la sociedad en la que vive, una sociedad que es históricamente machista.

 Como lo era la sociedad en la época del teatro isabelino, y como lo es el teatro del mayor dramaturgo de todos los tiempos: William Shakespeare. Basten un par de ejemplos: “Hamlet”, la mejor obra dramática jamás escrita, tiene veintiocho personajes, de los cuales tan solo dos son mujeres. Y ciertamente no salen bien paradas en sus roles: Gertrudis, de puro inocente e ignorante, es casi tonta; y Ofelia, cuando la deja su novio (el príncipe Hamlet) no tiene otro recurso que suicidarse. En “Macbeth”, Lady Macbeth es un personaje femenino con fuerza y poder, a la que nadie duda en tildarla de malvada, mientras que su marido es, simplemente, ambicioso. 

¿Y cuál es el castigo para Lady Macbeth? No muere asesinada, lo cual, al menos, le otorgaría cierto reconocimiento por parte de sus damnificados, sino aislada del mundo y loca, un castigo peor aún que la muerte y más acorde a tanta perversidad.

Ser actriz hoy en día y querer decir en escena los bellísimos y profundos textos del bardo inmortal significa estar condenada a perpetuar un rol femenino bastante alejado de la necesaria revolución por la igualdad que estamos viviendo. Por eso, las actrices de hilo producciones se han rebelado. Han tomado escenas de las mejores y más representativas obras de Shakespeare y las han puesto sobre el fuego, las han retorcido, revisitado, convulsionado. El resultado es Tal vez soñar: William Shakespeare como nunca antes lo habíamos visto ni oído.

Tal vez soñar no pretende ni enmendar ni corregir a Shakespeare. Ni le hace falta ni somos quienes para hacerlo. Lo que hacemos es, como artistas del siglo XXI enamorados de los textos clásicos, rescatar la belleza y utilizar un nuevo y moderno vehículo para mostrarla. No sabemos si Shakespeare estaría de acuerdo con el resultado. Tampoco nos importa: como siempre, desde hilo nos acercamos al autor inglés con toda la admiración y sin ningún respeto. Al fin y al cabo, somos gente de teatro.»

Miércoles 2 de diciembre. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

Teatro del Temple

“La vida es sueño”, de Calderón de la Barca

Dirección, Carlos Martín

Con José Luis Esteban, Yesus Bazaan, Félix Martín, Minerva Arbués, Francisco Fraguas, Encarni Corrales y Alfonso Palomares

Dramaturgia: Alfonso Plou

Producción: María López Insausti

Música: Gonzalo Alonso

Escenografía: Tomás Ruata

Iluminación: Tatoño Perales

Vestuario: Ana Sanagustín

Caracterización: Langas estilistas

Fotografía Marcos Cebrián

Diseño Gráfico: Línea Diseño

Equipo de producción: Pilar Mayor y Alba Moliner

Técnicos en Gira: Tatoño Perales y Antonio Fdez. Garza

Duración: 100 min. Sin descanso

La vida es sueño disecciona, con una estructura compleja, muy bien elaborada y de profunda carga simbólica, la capacidad del ser humano para ejercer su libertad frente al destino. Obra filosófica bien sustentada en una trama escénica donde los juegos de poder se cruzan con el deseo carnal y donde la realidad está siempre contagiada por lo onírico.

La vida es sueño es verso, es ritmo, es expresión existencial, denuncia frente al poder cruel, reflexión vital. Todo ello podemos encontrarlo aquí y ahora en lenguajes estéticos y musicales de cultura urbana. La Polonia que aparece en la obra es un mundo opresivo, cerrado, claustrofóbico al que vemos un paralelismo en determinados ámbitos contemporáneos urbanos, con sus propias leyes internas, donde la violencia se expresa en reglas de poder estrictas. Los siete actores, que están permanentemente en escena, van a crear ese mundo casi penitenciario, donde la pertenencia o no al grupo marca la posibilidad misma de la existencia.

Contamos para ello con un músico en escena que crea un sugerente ambiente sonoro lleno de ritmos y sonidos evocadores y con una estética en la escenografía, el vestuario y la luz que busca los claroscuros, las capuchas que cubren o descubren, los objetos multifuncionales que junto con los actores construyen cárceles o palacios, masas en movimiento o angustiosos espacios vacíos.

 Viernes 11 de diciembre. Sala Pereda. 20:30 h

Teatro

“Fresa y chocolate”, de Senel Paz

Dirección, Alberto Alfaro

 Con Alejandro Valenciano, Jose F. Ramos y Manuel Menarguez

Asesor dramaturgia: Fulgencio M. Lax

Iluminación: José Pablo Fajardo

Vestuario: Lulo Desing

Música: Jesús Miguel Pérez Castro

Escenografía: JR Servicios

Diseño gráfico: Lulo Pérez

Duración: 90 min. Sin descanso

David es un ingenuo estudiante de sociología en la Universidad de La Habana. Joven, comunista convencido y lleno de prejuicios. Diego, es un artista culto, homosexual, individualista y escéptico, que conoce por casualidad a David y se siente atraído por el estudiante. Con el propósito de mantener relaciones sexuales, lleva a su casa a David. Este al percatarse de las intenciones del artista, le rechaza y se marcha del edificio. No obstante, pasados unos días, el recelo es vencido por la fascinación que empieza a sentir por la vida que lleva el artista, su entorno y sus ideas.

Fresa y chocolate es un largometraje cubano, basado en el cuento de Senel Paz El lobo, el bosque y el hombre nuevo, el escritor fue quien realizó la adaptación del guión, codirigido por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío.

Es la primera película en representación de Cuba que obtuvo una nominación, en la categoría de Mejor Película Extranjera en los Oscar, premiada en numerosos festivales de cine internacionales, como los de Berlín, Chicago, Sudance, La Habana, Argentina; la cinta también obtuvo el Premio Goya al mejor largometraje extranjero de habla hispana en la edición celebrada el 21 de enero de 1995.

Ambientada en La Habana de finales de los años 70 Fresa y Chocolate narra la historia de amistad entre dos jóvenes muy distintos: David y Diego.

David es un ingenuo estudiante de sociología en la Universidad de La Habana. Joven, comunista convencido y lleno de prejuicios, se aloja en una residencia de estudiantes, supervisada por Miguel miembro del Partido Comunista.

Sábado 9 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Tito Andrónico”, de William Shakespeare

Versión, Nando López

Dirección, Antonio C. Guijosa

 Con José Vicente Moirón, Gabriel Moreno, Guillermo Serrano, Quino Díez, Carmen Mayordomo, Alberto Barahona, Lucía Fuengallego, Sergio Adillo, José F. Ramos y Alberto Lucero

 Composición musical: Antoni M. March

Diseño de vestuario: Rafael Garrigós

Diseño de iluminación: Carlos Cremades

Caracterización y maquillaje: Pepa Casado

Diseño de escenografía: Juan Sebastián Domínguez

Realización de vestuario: Luisi Penco y Laly Moreno

Realización de escenografía: PROES

Técnico de iluminación: Márcia Conceição/Carlos Cremades

Técnico de sonido y maquinista: José Manuel Paz Corbelle

Creación Teaser Promocional: Manuel De

Fotografía: Diego J. Casillas/ Vicente Sánchez

Entrenamiento físico: Diana Caro

Ayudante de maquillaje: Nina Moirón

Ayudantes de producción: Álvaro Fernández, Inma Montesinos

Ayudante de dirección: Pedro Luis López Bellot

Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Teatro del Noctámbulo

Duración: 150 min. Sin descanso

Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin a Roma, victorioso y con la reina goda Tamora y sus tres vástagos como prisioneros. Después de sacrificar, tal y como ordenan los ritos sagrados, al mayor de ellos, Tito solo aspira a buscar tranquilidad y reposo, pues bajo su duro gesto de general triunfante, vive también un hombre con el alma fatigada por la dureza de la contienda y la temprana muerte de la mayoría de sus hijos. Solo cinco quedan a su lado y, entre todos ellos, no puede disimular su devoción por Lavinia, en quien ve la esperanza de un futuro que quizá pueda escapar a la violencia que lo ha acompañado a lo largo de su vida.

 

Poco durará, sin embargo, la calma: enseguida se verá obligado a interceder en las intrigas políticas entre Basiano y Saturnino, dos hermanos enfrentados por su derecho a la corona del Imperio. El voto de Tito a favor de Saturnino precipitará una cadena fatal de hechos que convergerán, siempre, en un instinto tan universal como peligroso: la venganza.

Sábado 27 de enero. Escenario Argenta. 20:30 h

 

Teatro | Estreno

Ábrego Producciones

“Blanco Roto”, de Pablo Escobedo

Dramaturgia y Dirección, Pati Domenech

                                                   

Con  Pablo Escobedo y Antonio Fernández

Diseño luces: Pati Domenech

Vestuario: Paula Roca

Espacio escénico: Laura Barón

Duración: 60 min. Sin descanso

 

Un encuentro dramático y documental con la memoria histórica

Blanco Roto es un ejercicio sobre la memoria, el silencio, la ausencia. Porque el olvido es precisamente eso, la ausencia de todo. Dos intérpretes serán los encargados de poner en marcha este viaje, este recorrido por diversos personajes y escenarios; diversos, pero con un denominador común: la memoria y/o la ausencia de ella.

 

Un montaje sobrio, poético, realizado por dos intérpretes, sin limitaciones de edad o género. Porque la memoria y el olvido no entiende de distinciones, ni de bandos. Tan solo de personas, de ausencias y de palabras sin cerrar. Una propuesta que intenta bucear sobre el pasado, el futuro; lo que queda y lo que quedará sepultado por el olvido.

Pablo Escobedo

‘La lista de Larrinoa’, como se ha dado a conocer, saltó a la opinión pública el pasado mes de diciembre de 2017, cuando un jubilado vasco apellidado Larrinoa, que buscaba a su tío desaparecido durante la Guerra Civil, encontró con la colaboración del actual párroco de la localidad cántabra de Limpias unos documentos en los que se identificaban los restos de 74 soldados enterrados tras fallecer en el frente.

Un viejo ejemplar de defunciones de la época, escondido entre los volúmenes de bautizos y matrimonios, recogía los nombres, apellidos y motivo de la muerte de estos miembros del Ejército republicano, que perdieron la vida en distintas circunstancias en los valles del Asón y Agüera entre 1936 y 1937, principalmente en el hospital de campaña instalado en el Palacio Eguilior, donde ahora se encuentra ubicado el Parador de Limpias.

El enterramiento ha permanecido desconocido y en el olvido durante todos estos años y solo gracias al empeño de este jubilado vasco es ahora posible recuperar la memoria de los fallecidos.

El cura Gregorio Ungo firmó este documento el 11 de septiembre de 1938. Ungo tuvo la deferencia de guardar los nombres. El historiador local Fernando Obregón, experto en los estragos que supuso la contienda en la zona, asegura que la ‘lista de Larrinoa’ ha salvado a muchas personas del olvido.

Las dificultades para llevar a cabo búsquedas de los restos de los fallecidos durante la Guerra Civil y la represión franquista y las escasas o nulas ayudas económicas prestadas desde las administraciones públicas son una denuncia constante por parte de las familias y de las asociaciones memorialistas.

Viernes 29 y sábado 30 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Esperando a Godot”, de Samuel Beckett

Dirección, Antonio Simón

 Con Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi

Diseño de escenografía: Paco Azorín

Diseño e iluminación: Pedro Yagüe

Vestuario: Ana Llena

Espacio sonoro: Lucas Ariel

Ayudante de dirección: Gerard Iravedra

Productor: Jesús Cimarro

Duración: 110 min. Sin descanso

Godot es hoy en día más que una obra de teatro, un clásico del siglo XX. Forma parte de la imaginación colectiva. La fuerza, el humor, la poesía, la ternura, el dolor, la risa que nos transmite esta obra, metáfora de la vulnerabilidad y el coraje del ser humano, siguen vigentes. El público merece ver representada esta maravilla. Una obra que Beckett definió cómo horriblemente cómica.

 Dos amigos, casi hermanos, una extraña pareja que mientras están esperando, hablan, discuten, juegan, se desafían, se reconcilian, se aman, se repelen. Llega otra extraña pareja, aún más extraña, el juego se diversifica. Godot no llega, pero llega su emisario.

 Raudales de humanidad en personajes desamparados, errantes, desacoplados, que nos recuerdan que el ser humano, aun en situaciones muy difíciles, es capaz de levantarse o por lo menos como hace Estragón en el final de la obra, de volverse a poner los pantalones, que, a falta de cinturón, se ata con una humilde cuerda.

 

Un espectáculo fundamentado en la humanidad y comicidad de sus sensacionales actores, en la palabra y el espacio, en la poesía y el humor.

 Viernes 5 y sábado 6 de febrero. Sala Argenta. 20:30 h

Teatro

“Señora de rojo sobre fondo gris”, de Miguel Delibes

Dirección, José Sámano | Adaptación: José Sámano, José Sacristán e Inés Camiña

 Con José Sacristán

Director Técnico: Manuel Fuster

Técnico de iluminación/sonido: Manuel Fuster y Jesús Díaz Cortés

Gerente Compañía / Sastra: Nerea Berdonces

Maquinista / Regidor: Pepe González

Voz de Ana: Mercedes Sampietro

Ayudante de dirección: Inés Camiña

Sonido: Mariano García

Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huerta

Diseño de escenografía: Arturo Martín Burgos

Diseño de Iluminación: Manuel Fuster

Producido y dirigido por: José Sámano

Una producción de: Sabre Producciones, Pentación Espectáculos, TalyCual y AGM

Duración: 85 min. Sin descanso

Un pintor, con muchos años en el oficio, lleva mucho tiempo sumido en una crisis creativa. Desde que falleció de forma imprevista su mujer, que era todo para él, prácticamente no ha podido volver a pintar.

 Estamos en el verano y otoño de 1975. La hija mayor de ambos está en la cárcel por sus actividades políticas, y es en esas fechas cuando surgen los primeros síntomas de la enfermedad de su madre que la hija vivirá desde dentro de la prisión. Es otro recuerdo permanente en la vida de su padre, que también ahora revive.

 Esta obra teatral es el relato de una historia de amor en camino desenfrenado hacia la muerte, que nos sitúa en aquella España con rasgos inequívocos, que nos habla de la felicidad y de su pérdida, y que llega a la intimidad de cada ser humano, y a su emoción, por el camino recto y simple de la verdad.

JOSÉ SACRISTÁN Y MIGUEL DELIBES

En septiembre de 1989 estrenamos “Las guerras de nuestros antepasados”.

Hoy volvemos a Miguel Delibes.

Después de aquella prodigiosa criatura a la que el maestro llamó Pacífico Pérez he interpretado personajes de A. Miller, A. Strindberg, G.B. Shaw, D.Desola, S. Benchetrit, M. Vargas Llosa, P. Schaffer, J.R. Fernández, J. Hatcher, D. Wasserman, A. Machado, D. Mamet…

He rodado películas y series de TV.

Siento que volver a Miguel Delibes, ahora con su sobrecogido Nicolás, supone entregarme a una tarea que bien pudiera ser o significar la culminación de una aventura de trabajo y de vida que viene durando ya más de sesenta años.

Sea como sea…

Pacífico decía de su tío Paco que fue “el hombre que le enseño a mirar”.

Volver a Miguel Delibes es no dejar de aprender a mirar.

Pasen. Y miren.

José Sacristán.

DANZA

Sábado 7 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Danza

Estrellas y Solistas del Ballet de La Scala de Milán

Coordinación artística: Alessio Carbone

Principales: Antonella Albano, Sabrina Brazzo, Claudio Coviello y Mick Zeni

Solistas: Beatrice Carbone, Vittoria Valerio y Federico Fresi

Cuerpo de baile: Linda Giubelli y Mattia Semperboni

 Dirección técnica y diseño de luces: James Angot

Regiduría: Francesco Vantaggio

*Programa: “Una noche italiana”

Parte I

El Corsario (La Gruta)

Coreografía: Anna-Marie Holmes | Música: Ludwig Minkus

Cantata

Coreografía: Mauro Bigonzetti | Música: Grupo “ASSURD”

Giselle, Paso a dos

Coreografía: Y. Chauvirée | Música: Boris Asafyev

El Desierto

Coreografía: Mick Zeni | Música: Lhasa de Sela

Steel

Coreografía: G. Schiavoni | Música: Cool

Parte II

Black

Coreografía: Francesco Ventriglia | Música: René Aubry

Festival de las flores de Genzano, Paso a dos

Coreografía: August Bournonville | Música: Eduard Helsted y Holguer Simon Paulli

Carmen, Solo

Coreografía: G. Carbone | Música: G. Bizet

Flammes de Paris, Paso a dos

Coreografía: Boris Asafev | Música: Vasilij Vajnonen

*Programa sujeto a cambios y modificaciones

Duración: Parte I (40 min) | Parte II (40 min).

El Palacio de Festivales de Cantabria acoge por primera vez el sábado 28 de marzo a las estrellas y solistas del Ballet de la Scala de Milán, que bajo el título “Una noche italiana” presentarán un programa en el que recorrerán diversas etapas del ballet clásico y la danza.

 Más de 100 años de existencia avalan la reputación internacional del Ballet de La Scala de Milán, uno de los más prestigiosos del mundo. Este ballet de corte clásico, fundado en 1878, es el de mayor tradición en Europa y en la actualidad mantiene una línea de repertorio clásico, neoclásico y de nuevas creaciones. Con un repertorio de más de setenta títulos realiza una media de 120 representaciones por temporada, y sus principales bailarines y solistas en esta velada nos harán partícipes de ello.

Sábado 14 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Danza

“Juana”

Dirección Artística y Coreografía, Chevi Muraday

Con Aitana Sánchez-Gijón, Chevi Muraday, EgoitzSánchez, Javier Monzón y Víctor Ramos

 Dramaturgia: Juan Carlos Rubio | Textos: Juan Carlos Rubio, Marina Seresesky y Clarice Lispector

Asistente de dirección: Manuela Barrero

Coaching danza: Paloma Sáinz-Aja

Repetidora: Noelia Venza

Diseño de escenografía: Curt Allen Wilmer y Estudio DeDos (AAPEE)

Construcción: Mambo Decorados y Sfumato

Diseño de vestuario: Sonia Capilla y Chevi Muraday

Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel (AAI)

Musica: Mariano Marín

Fotografía: Lighuen Desanto y Damian Comendador

Video: Javier Cardenete y El tornillo de Klaus

Una coproducción del Teatro Español y Losdedae Compañía de Danza

Duración: 80 min. Sin descanso

«Hay un tiempo humano y un tiempo salvaje». Atravesando los bosques de la memoria encontramos a una mujer, a muchas mujeres, unidas por un mismo nombre, que se preguntan incesantemente si hay un destino femenino en la Tierra. Como eco de su propio eco, en un viaje no cronológico pero sí vivido, la Papisa Juana viste ropajes masculinos y da a luz en medio de una multitud enloquecida que alberga sueños de lapidación; Juana de Arco triunfa en el campo de batalla y sufre el interrogatorio del inquisidor que planea quemarla en la hoguera; Juana la Loca hunde sus manos en el inerte corazón de Felipe el Hermoso; Sor Juana Inés de la Cruz desea en clave poética a la virreina y Juana Doña visita el paredón en el que su marido es fusilado mientras pronuncia sus últimas palabras de amor. Los vestigios de un legado que retumba una y otra vez en los, a menudo, sordos oídos del presente. La última creación de Losdedae explora los ciclos del mundo, la naturaleza salvaje y profunda de la mujer, el camino de vuelta a casa. «Porque Juana merece sentir en sus manos indagadoras el nervio vivo y trémulo del hoy».

La última creación de Losdedae explora los ciclos del mundo, la naturaleza salvaje y profunda de la mujer, el camino de vuelta a casa. «Porque Juana merece sentir en sus manos indagadoras el nervio vivo y trémulo del hoy».

Sábado 19 de diciembre. Sala Pereda. 20:30 h

Danza

Cía. Yolanda G. Sobrado

“Báilame amor”. Performance Flamenca para un Alma Viva

Idea, coreografía y dirección, Yolanda G. Sobrado | Dirección artística, Jep Melendez

Con Yolanda G. Sobrado

Violinista: Dorina Gavrilita

Técnico: Ruchy Gardez

Zapatos: Gallardo

Vestuario: devota@Lomba, Mila Sevilla y Doce & Gabbana

Fotografía: Jesús Sánchez, Jack Hartin y Julia Ignatova

Diseño Gráfico y contratación: Andreina Duque

Bailáme Amor está inspirada en Leonard Cohen «Dance to the end of love»

Antonio Nabú texto poético y Richard Rudd «Las Claves Genéticas»

Duración: 60 min. Sin descanso

“Báilame amor” es un viaje hacia la ligereza, un canto al amor y a la libertad creativa.

A despojarse de reinos y banderas; a ese “menos” que siempre es un “más” y así bailarle a la vida.                                                                                                                   

Antonio Nabú

Usando el lenguaje flamenco como herramienta, la voz, la danza y bajo una atmósfera minimalista en escena, el artista nos lleva por un camino en el cual cualquiera de los presentes podría sentirse identificado.

 «La Artista busca su auténtico lugar dentro de la simplicida, la esencia Flamenca en cada paso que trata de manifestarse a corazón abierto».

Yolanda G. Sobrado, nacida en Santander, estudió danza desde muy temprana edad en El Centro Académico Armengou y obtiene la licenciatura en danza española por el Real Conservatorio de música y Danza “Luis Del Río” de Córdoba.

Becada por la escuela del Ballet Nacional de España y bajo la dirección de Don Antonio Ruiz Soler inicia su carrera profesional en Madrid y su formación con maestros en danza clàsica: Juana Taft y Aurora Pons. Folklore: Pedro Azorin y Flamenco con María Magdalena y Carmen Cortès entre otros.

Debuta como bailarina en el Ballet Español de Lucia Del Real y Camborio para seguidamente ser seleccionada por Cristina Hoyos (1986) en los estudios de danza “Amor De Dios” e iniciar una trayectoria teatral de casi una década formando parte del elenco del Ballet de Antonio Gades.

Bailará todo el repertorio coreografico de este genial artista: “Bodas de Sangre”, “Suite Flamenca”, “Carmen”, “El Amor Brujo” y “Fuenteovejuna” y recorrerà de su mano los grandes teatros del mundo en distintas giras internacionales. Él, Antonio, serà su referente artístico y el maestro que marcará toda su vida profesional a partir de ese momento hasta el día de hoy.

Viernes 8 de enero. Sala Pereda. 20:30 h

 Danza     

Arnau Pérez

“Young Blood: matter of time”

Concepto y coreografía: Arnau Pérez de la Fuente

Interpretación: Maddi Ruiz de Loizaga, Adrián Manzano y Arnau Pérez

Música original y espacio sonoro: Diego Neuman

Dirección técnica: Álvaro Estrada

Voz: EDE (Elena Villa)

Vestuario: Adolfo Domínguez

Fotografía: Diego Pérez

Vídeo: Albert Hernández

Mejor Coreografía 24Masdanza.

Premio público, jurado joven, bailarín sobresaliente 32 Certamen Coreográfico deMadrid

En colaboración con la Consejería de Universidades, Igualdad, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria

Duración: 50 min. Sin descanso

Es cuestión de tiempo que todo esté en su sitio.

 En un mundo gobernado por masas, dónde el artificio es nuestro día a día, y la identidad tiene un precio, ¿qué lugar les pertenece a las nuevas generaciones?

 Somos sangre joven en el presente, pero a la velocidad que vamos ¿podemos seguir siendo Young Blood para siempre?

Proyecto escénico interpretado por tres bailarines y creado por Arnau Pérez. El proyecto se desarrolla a través del lenguaje de la danza contemporánea con influencias de danza urbana. Young Blood: Matter of Time pone en valor a las nuevas generaciones en un espacio escénico.

Dentro de esta cuestión nos centramos en la relación del tiempo y nos preguntamos por la velocidad de cambio de esta sociedad y dónde quedan las nuevas generaciones en esta transformación. Y, sobre todo, cómo dentro de este proceso seguir siendo, en esencia, esa sangre joven.

Viernes 22 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Danza

Compañía Antonio Najarro | Antonio Najarro, director

“Alento”

 Programa:

  1. Origen
  2. Luz
  3. Animas
  4. Carne Cruda (Número Musical)
  5. Acecho
  6. Ser
  7. Instinto
  8. Libre
  9. Viejos Aires (Número Musical)
  10. Alento

Concepto del espectáculo, idea original y puesta en escena: Antonio Najarro

Coreografía: Antonio Najarro

Música y dirección musical: Fernando Egozcue

Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel

Diseño de vestuario: Oteyza, Víctor Muro, Antonio Najarro

Fernando Egozcue, guitarra

Thomas Potirón, violín

Laura Pedreira, piano

Miguel Rodrigáñez, contrabajo

Martín Bruhn, percusión

Duración: 75 min. Sin descanso

Tras su paso como director del BALLET NACIONAL DE ESPAÑA durante los últimos ocho años, el maestro Najarro estrena su trabajo más significativo, ALENTO, con su propia compañía.

 ALENTO es un vivo reflejo del estilo de Najarro como creador, así como de su versión personal de la danza clásico española. Inspirado en la partitura original del compositor y guitarrista Fernando Egozcue, que será interpretada en directo por el propio Egozcue más otros cuatro músicos, y bajo la exquisita iluminación de Nicolas Fischtel.

 El trabajo incluye 8 coreografías, 6 de ellas estrenadas por el Ballet Nacional de España en junio de 2015 y dos de ellas estrenadas de manera absoluta por la compañía Antonio Najarro el 25 de abril de 2020.

 MÚSICA CLÁSICA

Viernes 23 de octubre. Sala Pereda. 20:30 h

 Música clásica

Cuarteto de cuerda Carducci

Julian Bliss, clarinetista solista

Programa:

W.A. Mozart   Quintetos para cuerda y clarinete  K.581 en la mayor

(1756-1791)

  1. Bruce Gumboots

(1970)

Duración: 70 min. Sin descanso

Cuarteto de cuerda Carducci

Matthew Denton violín / Michelle Fleming violín / Eoin Schmidt-Martin viola / Emma Denton violoncelo

Con sede en Reino Unido, el Cuarteto Carducci está reconocido hoy día como uno de los cuartetos de cuerda de más éxito, ofreciendo unos noventa conciertos al año a lo largo de todo el mundo.

Además, organizan su propio festival anual en Highnam, Gloucester; cuentan con su propio sello discográfico “Carducci Classics”, y tienen residencia en la Universidad de Cardiff y la Dean Close School en Cheltenham. Ganadores de competiciones internacionales,  incluyendo la Competición Internacional del Gremio de Artistas de Concierto de 2007 y el Primer Premio en el Festival Finlandés Kuhmo de Música de Cámara, este cuarteto angloirlandés ha tenido presencia en gran cantidad de prestigiosas salas a lo largo del mundo; el Carnegie Hall de Nueva York,  la Librería del Congreso de Washington, Wigmore Hall en Londres,  National Concert Hall en Dublín y el Tivoli Concert Hall, en Copenhague. Así como apariciones en festivales como el West Cork Chamber Music Festival; el ya mencionado festival de Kuhmo, en Finlandia; y el Wratislavia Cantans Festival.

Entre las temporadas más destacadas se incluye el debut del Cuarteto en el centro John F. Kennedy, en Washington, y una residencia en el festival de música de Cheltenham. Célebres por sus interpretaciones y repertorio contemporáneo, el Cuarteto Carducci es invitado con frecuencia a estrenar nuevos trabajos, entre los más significativos se encuentran el reciente Cuarteto de Cuerda de John McCabe y los Quintetos de Oboe de Michael Berkeley y Sven-Ingo Koch con Nicholas Daniel.

En las próximas temporadas, el Cuarteto trabajará con el Palazzetto Bru Zane, de Venecia, presentando obras de compositores franceses menos conocidos como Ermend Bonnal.

El Cuarteto ha recibido un amplio reconocimiento por sus grabaciones bajo su propio sello discográfico; “Carducci Classics”. Su catálogo presenta dos grabaciones que supusieron el estreno exclusivo de los trabajos C 20th, de G. Whettam (calificada como la “grabación del mes” de la mano de MusicWeb International) y J. Horovitz (“obras bellamente elaboradas y excelentes interpretaciones” según la revista de música de la BBC). El Cuarteto también ha grabado a Vivaldi y Piazzolla con el Dúo de Guitarra de los Hermanos Katona, para Channel Classics, así como Philip  Glass para Naxos.  Diciembre de 2013 supuso  su primer lanzamiento para Signum Classics, una selección de obras contemporáneas interpretadas por el Cuarteto.

En 2011, el Cuarteto fue nominado al premio otorgado por la Filarmónica de Londres, por su concierto familiar Getting the Quartet Bug!, demostrando que el trabajo educativo sigue siendo importante para esta agrupación, creadores del Carducci Music Trust, para apoyar su trabajo en las escuelas. El Cuarteto también imparte cursos de música de cámara para jóvenes músicos en Reino Unido, Francia e Irlanda, y enseña regularmente en el National Youth String Quartet Weekend. El Cuarteto estudió con miembros del Amadeus, Alban Berg, Chilingirian, Takacs y los cuartetos Vanbrugh, y como parte del programa de formación profesional Pro Quartet en Francia, con Gyorgy Kurtag, Walter Levin y Paul Katz. Su proeza, al interpretar en un solo día la integral de los cuartetos de cuerda escritos por Dmitri Shostakóvich en el Shakespeare’s Globe Theatre de Londres, fue destacada por toda la prensa inglesa, y se convirtió en noticia mundial.

En 2015, tras la gira europea y su paso por diferentes festivales, viajaron a Latinoamérica para realizar el primer ciclo de Shostakóvich en una extensa agenda de conciertos en Colombia, debutaron en Australia, y finalizaron el año entre Nueva York, Washington y Montreal. Y es que el cuarteto Carducci no es solo una de las formaciones más sólidas del Reino Unido, sino uno de los jóvenes cuartetos de cuerda más prestigiosos de la escena internacional, con una media al año de casi un centenar de conciertos por todo el mundo.

En 2016 visito España junto a Gordon Jones donde ofreció un programa con obras de Arvo Part, Philipp Glass y Alexander Raskatov del que interpretaron Monk’s Music, la monumental obra que este compositor ruso escribió in Memorian de Alfred Schnittke.

Julian Bliss es uno de los mejores clarinetistas del mundo, destaca como concertista solista, músico de cámara, artista de jazz, líder de clase magistral e incansable explorador musical. Ha inspirado a una generación de  jóvenes músicos con la  creación de su propia gama de clarinetes Conn-Selmer, y ha presentado una nueva audiencia sustancial a su instrumento.

Julian comenzó a tocar el clarinete a los 4 años, luego estudió en la Universidad de Indiana y en Alemania con Sabine Meyer.

En recitales y música de cámara, ha tocado en la mayoría de los principales festivales y lugares del mundo, incluidos Wigmore Hall y Lincoln Center. Ha actuado  como solista con orquestas internacionales como; la Sinfónica de São Paulo, la Orquesta de Cámara de París, la Filarmónica de Auckland, la Filarmónica de la BBC, la Orquesta Filarmónica de Londres y la Filarmónica Real.

En 2012 formó el Septeto de Julian Bliss, inspirado por Benny Goodman, y lanzó su primer álbum de Septeto en 2012. Han tocado en salas llenas en; Ronnie Scott (Londres), Concertgebouw (Amsterdam) y en todo Estados Unidos, incluido Jazz en el  Lincoln Centre, y he experimentado la música de Gershwin y sus contemporáneos de Tin Pan Alley.

Sus lanzamientos discográficos incluyen la grabación de los conciertos de Mozart y Nielsen con la Royal Northern Sinfonia. Y sus últimos discos de cámara incluyen Gumboots de David Bruce para clarinete y cuarteto de cuerda, además de los quintetos Mozart y Weber, con el Cuarteto Carducci.

Cabe destacar sus recientes actuaciones como solista con la Orquesta de Cámara del Norte, la Orquesta Filarmónica de la BBC y la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, y una extensa gira por los Estados Unidos con su septeto y conciertos con el Cuarteto Carducci.

Sábado 28 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Pablo Amorós, piano

Santiago Serrate, director

Programa:

  1. Mendelssohn Obertura, Las Hébridas, op. 26

(1809-1847)

  1. Wagner El idilio de Sigfrido

(1813-1883)

L.v. Beethoveen                Concierto piano Nº 5 en mi bemol mayor, op. 73 («Emperador»)

(1770-1827)

Duración: 80 min. Sin descanso

La Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) fue creada en 1991 por la Junta de Castilla y León, y tiene su sede estable desde 2007 en el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid. Sus titulares han sido Max Bragado-Darman, Alejandro Posada y Lionel Bringuier. Desde 2016 la orquesta cuenta con el director británico Andrew Gourlay como titular y colabora con el maestro israelí Eliahu Inbal como principal director invitado. Además, en la Temporada 2018-2019 incluyó a Roberto González-Monjas como principal artista invitado, que amplía su participación en la Temporada 2019-2020.

A lo largo de más de dos décadas y media, la OSCyL ha ofrecido centenares de conciertos junto a una larga lista de artistas, entre los que han destacado los maestros Jesús López Cobos (director emérito), Semyon Bychkov, Gianandrea Noseda, Vladimir Fedoseyev, Yan Pascal Tortelier, Vasily Petrenko, Jukka-Pekka Saraste, David Afkham o Leopold Hager; los cantantes Ian Bostridge, Leo Nucci, Renée Fleming, Juan Diego Flórez y Angela Gheorghiu; e instrumentistas como Vilde Frang, Maria João Pires, Pablo Ferrández, Viktoria Mullova, Mischa Maisky, Ivo Pogorelich, Emmanuel Pahud, Fazil Say y Vadim Repin, entre otros.

Después de que la OSCyL haya llevado a cabo importantes estrenos y realizado diversas grabaciones para Deutsche Grammophon, Bis, Naxos, Tritó o Verso, en la Temporada 2018-2019 retomó su actividad discográfica desde un sello propio y un monográfico de Rajmáninov. Nuevos proyectos discográficos se encuentran en marcha.

Algunos de los compromisos para la presente Temporada 2019-2020 incluyen actuaciones con los maestros Pinchas Steinberg, Leonard Slatkin, Alexander Liebreich, Josep Pons o Juanjo Mena; y solistas como Vadim Gluzman, Paquito D’Rivera, Michel Camilo, Pinchas Zukerman, Andreas Ottensamer, Li-Wei Qin o Nikolaj Znaider.

La Temporada 2019-2020 también destaca por sus tres conciertos extraordinarios: Michel Camilo y Andrés Salado (en homenaje a Jesús López Cobos); Orquesta del Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gegiev; y una gran fiesta de la integración desde el Área Socioeducativa de la OSCyL. Igualmente, son acentuables la visita de la Sinfónica de Bilbao y su titular, Erik Nielsen, junto al pianista Joaquín Achúcarro; varios ballets completos, dos de los cuales serán representados por las escuelas profesionales de danza de Castilla y León, y uno será complementado con narración y dramaturgia por egresados de la ESADCyL; las tres actuaciones de Roberto González-Monjas (dos como director y una como violinista); y un gran final la Sinfonía n.º 2 de Mendelssohn y los Coros de Castilla y León.

Son igualmente reseñables el estreno mundial de una obra de Anders Hillborg, comisionada por la OSCyL junto a grandes orquestas europeas y norteamericanas; el encargo del Concierto para tuba y orquesta op. 65 a Nuno Côrte-Real; y otro encargo: la obra común Paisajes de Castilla y León, debida a Román González Escalera, Nuño Fernández Ezquerra e Israel López Estelche. Asimismo, vuelve la orquesta BandArt, que se unirá a la OSCyL en un concierto dirigido por Gordan Nikolic.

Es importante reseñar la alta implicación de la orquesta en las numerosas iniciativas sociales y educativas que el Centro Cultural Miguel Delibes está llevando a cabo, como el proyecto In Crescendo. La actividad de la OSCyL se ha ampliado en la Temporada 2018-2019 a todas las provincias de Castilla y León, e implica a más de 1200 familias, lo que está siendo posible gracias al compromiso y coordinación de una red de 83 profesores vinculados a la musicoterapia y a la OSCyL. Por último, cabe destacar la versatilidad de la formación, que se pone de manifiesto en la participación de ensembles y agrupaciones de cámara en los ciclos de programación propia.

Considerado por la crítica como un pianista de temperamento, personalidad arrolladora, elegancia y carisma, el cordobés Pablo Amorós ha actuado  en algunas de las salas y ciclos más importantes de España ( Auditorio Nacional en Madrid,  Gran Teatro del Liceo en Barcelona, Palau de la Música de Valencia,  Palacio Euskalduna de Bilbao, Auditorio Manuel de Falla en Granada, Teatro Maestranza en Sevilla, Teatro Jovellanos en Gijón, Fundación Juan March en Madrid,  Gran Teatro de Córdoba, Festival Internacional de Piano Rafael Orozco, Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, Festival Musika-Música de Bilbao, Festival d´estiu de Menorca.

En los últimos años ha desarrollado, con gran éxito, una intensa actividad concertística en el extranjero que le ha llevado a tocar en los mejores auditorios de China, como el Shanghai Oriental Art Center, Guangzhou Xinghai Concert Hall, Tianjin Grand Theater, Chengdu Telunsu Concert Halls, Chongqing Guotai Arts Center Concert Hall, Ningbo Grand Theater, además de en importantes salas y temporadas de USA, Sudamérica, Italia, Francia, Inglaterra y Emiratos Árabes.

Estudió con la legendaria Alicia de Larrocha, además de con la gran artista Cristina Bruno y la extraordinaria maestra italiana Noretta Conci.

Ha tocado con la Orquesta Mihail Jora de Bacau, Orquesta de Córdoba, Orquesta Filarmónica de Málaga, Madrid Soloists Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Partiture Philarmonic Orchestra, Orquesta Joven de Córdoba, Nueva Lima Clásica Chamber Orchestra con los directores Ovidiu Balan, Vsevolod Polonski, Alejandro Posada, Juan Paulo Gómez, José Santofimia, Mario Ortuño, Marnix Willem Steffen.

Ha realizado diversas grabaciones entre las que se encuentran la obra completa para piano de Leonardo Balada, que le dedicó una obra incluida en el disco, para el sello NAXOS. Granados vs Falla en el aniversario de la muerte de ambos compositores ( con el que hizo una gira junto al actor Emilio Gutiérrez Caba interpretando obras del disco) y Spanish Cello Sonatas para el sello IBS, con el que fue portada de la revista Scherzo, y que ha tenido una gran repercusión tanto en televisión ( apareciendo en el telediario de la 1 de TVE, Atención Obras.. ), como en prensa ( con entrevistas  y críticas en  El País, El Mundo, ABC, El Correo, Diario de Sevilla, Opera Actual, Ritmo, Scherzo, etc.) y radio ( Cadena Ser, Radio Nacional).

Entre sus próximos compromisos se encuentran conciertos en España, Europa, Estados Unidos, Japón. Corea del Sur y China.

Santiago Serrate, director

Nacido el 1975 en Sabadell, cursa sus estudios musicales entre Barcelona y Madrid. Amplía su formación en la Cátedra de Contrabajo de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Ludwig Streicher, donde en 1998 S.M. La Reina le entrega el di-ploma al alumno mas destacado. Estudia dirección de orquesta con Antoni Ros Marbà y en cursos con Arturo Tamayo, George Pehlivanian, Salvador Mas, George Hurst y Otto-Werner Mueller.

Debuta como director a los 16 años con la Escolanía-Coral de San Agustín, de la que formó parte y fue pianista acompañante. En 1994 gana el Primer Premio de Con-trabajo del concurso Germans Claret, tocando como solista los conciertos de D. Dragonetti y G. Bottesini con la ONCA. Ha formado parte de la Joven Orquesta Na-cional de España, la Joven Orquesta Nacional de Cataluña, la RIAS-Jugendorchester de Berlín y de la Orquesta Sinfónica de la RTVE. En 2001 gana por concurso y para dos temporadas, la plaza de director asistente  de la Joven Orquesta de la Comu-nidad de Madrid.

Dirige habitualmente las principales orquestas españolas así como en Portugal, Ita-lia, Alemania, Grecia China y México. Su compromiso con la música actual se ma-nifiesta a través de 61 estrenos mundiales y 20 nacionales, conciertos y grabacio-nes discográficas con el Grupo Modus Novus y el Sax Ensemble.

Como director lírico ha obtenido gran éxito de crítica y público en el Auditorio de Galicia, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, en el Teatre Principal de Mallor-ca, en el Teatro Real y el de la Zarzuela de Madrid, en el ciclo Ópera en Cataluña, en el Palau de Les Arts de Valencia, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla y en el Theater Chemnitz. Ha dirigido los estrenos en España de L’Ape Musicale de Lorenzo da Ponte, Sarka de Janacek y Il Prigioniero de Dallapiccola, o la recuperación del Cristoforo Colombo de Ramón Carnicer.

Ha estrenado mundialmente y grabado, gracias a una Beca Leonardo de la Fundación BBVA, la ópera de cámara TENORIO de Tomás Marco en el Festival de El Escorial. Recientemente ha estrenado mun-dialmente la ópera Fuenteovejuna de Jorge Muñiz para la Ópera de Oviedo en el Teatro Campoamor con un rotundo éxito.

En su amplio repertorio operístico se encuentran 70 títulos. Ha trabajado al lado de artistas como P. Domingo, J. Kaufmann, B. Terfel, J. Pons, A. Arteta, R. Alag-na, D. Zajic, L. Nucci, M. Guleghina, R. Pape,D. Dessí, F. Armiliato, A. Harteros, M. Volle, E. Herlitzius, C. Álvarez, F. Cedolins, P. Yende, M. Orán, S. Radvanovsky, C. Chausson, G. Kunde y S. Yoncheva entre muchos otros.

Es Mecenas de instrumento de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, profesor en el Curso Internacional de dirección de orquesta «Antoni Ros Marbà» y director musical y patrono de la Fundación Sax Ensemble.

Viernes 4 de diciembre. Sala Pereda. 20:30 h

Música Clásica

Cuarteto Paul Klee

Davide Teodoro, clarinete    

Jean-Pierre Armengaud, piano

 Programa: 75 años del Fin de la II Guerra Mundial en Europa

  1. Messiaen Cuarteto para el final de los tiempos

(1908-1992)                                 (en homenaje al ángel de la Apocalypsis, quien levanta su mano hacia el cielo diciendo: «No habrá más tiempo»)

I     Liturgie de cristal

II    Vocalise, pour l’Ange qui annonce la fin du Temps

III   Abîme des oiseaux

IV   Intermède

V    Louange à l’Éternité de Jésus

VI   Danse de le fureur, pour les sept trompettes

VII  Fouillis d’arcs-en-ciel, pour l’Ange qui annonce la fin du Temps

VIII Louange à l’Immortalité de Jesus

  1. Shostakovich Cuarteto nº 8 en do menor

(1906-1975)                                 (dedicado a las víctimas del fascismo y de la guerra)

Duración: 75 min. Sin descanso

Constituido en 1996 en Venecia, el Cuarteto de Cuerda Paul Klee dirigió su interés artístico inmediatamente a todo ese repertorio que va desde el Novecento hasta nuestros días, mostrando un gran interés en la investigación y la experimentación (también en el repertorio con la electrónica), celebrando numerosas primeras ejecuciones en esta área. Destacan sus actuaciones en el Festival Internacional de Santander (España), en el Festival de Arte de Galway (Irlanda), en el Teatro La Fenice, en el Festival Internacional de Alicante (España), en el Teatro Regio di Parma, en el Astillero de Montepulciano Art, en la temporada New Musical Spaces en Roma, en el Festival Romaeuropa, en el National Concert Hall de Dublín, en el Peggy Guggenheim de Venecia, en el Auditorio Nacional de Madrid, en la «Música otoñal» en Varsovia, en «Firenze Suona Contemporanea», en el TriestePrima Festival, en Bergamo Jazz, así como en Estambul, Lisboa, Oporto, Hamburgo, Salzburgo, Ljubljana y Nueva York en el Festival «En construcción». En 2004, el Cuarteto fue «Cuarteto Residente» en el Centre Culturelle Abbaye Royale de Fontevraud en Francia. En 2005 recibió el patrocinio de la Fundación Isabella Scelsi de Roma para la difusión del repertorio para cuarteto por Giacinto Scelsi y luego se benefició de una residencia en la Universidad de Evry en París. En 2015 fue invitado en La Biennale di Venezia. Han realizado importantes colaboraciones con artistas como Jean-Pierre Armengaud, Michel Portal, Tan Dun, Liu Fang, Marco Tamburini, Claudio Ambrosini, Carlo De Pirro… De su producción discográfica destaca la grabación integral de los cuartetos de Philip Glass, un monografíco dedicado al compositor veneciano Ugo Amendola en colaboración con el pianista francés JP Armengaud, «La Creación del Mundo» de Darius Milhaud y «Quatuor pour la Fin du Temps» de Olivier Messiaen. Su última grabación ha diso la versión italiana de Juliet Letters (obra firmada por Brodsky Quartet y Elvis Costello) en colaboración con el cantante Vittorio Matteucci. Sus miembros han realizado seminarios y clases magistrales en Italia, España, Francia y China y, a partir de 2014, un mater en repertorio contemporáneo para cuarteto de cuerda en el Conservatorio B. Marcello de Venecia.

Davide Teodoro completó sus estudios en Venecia con Giovanni Bacchi y se perfeccionó en música de cámara con el Trio di Trieste. Premiado en los Concursos Internacionales de Música de Cámara de Trapani, Caltanissetta, Stresa es actualmente profesor de clarinete en el Conservatorio de Udine. Imparte clases magistrales en Italia y en el extranjero (Conservatorio Central de China de Beijing). Ha colaborado con prestigiosos directores como Diego Masson y Ed Spanjaard. Ha grabado numerosas obras para las principales emisoras de radio europeas (Lachenmann: Dal niente, Radio Belga RBFT; Bettinelli: Concert Studio, Radiotre RAI; Donatoni Spice BBC, etc.), y realizó la primera grabación mundial de Solo Dramatique y la Suite para clarinete y piano de Busoni (CD dinámico). También ha grabado importantes composiciones del instrumental italiano del siglo XIX, como la Fantasía para clarinete y piano de Rossini (CD Arts) y el Estudio para clarinete solo de Donizetti (CD Giulia) y finalmente para el sello inglés «black box» Sequence IX y Lied for clarinet solo de Luciano Berio. Ha grabado otras producciones importantes para Ricordi, Stradivarius, Albany Records, Brilliant Classics, ASV Records, Edipan, ASdisc, Velut Luna. Es uno de los fundadores del Ex Novo Ensemble, un conjunto de cámara con el que, desde 1979, lleva a cabo una intensa actividad de conciertos en los principales festivales europeos. Entre estos mencionamos: Festival de música contemporánea, Huddersfield-Gran Bretaña; Tiempo de la música, Viitasaari-Finlandia; Festival de Estrasburgo; Eco y Narciso, Bolonia; Conciertos Ville de Genève; Tage für neue Musik, Zürich; Bienal de Venecia; RomaEuropa, Villa Medici; Otoño de Varsovia; Akademie der Künste, Berlín; Fundación Gaudeamus, Amsterdam; La música de nuestro tiempo, Milán; Festival d’Avignon; Ars Musica, Bruselas; Auditorio Nacional, Madrid; IGNM, Basilea; El presente musical, Orleans; Festival Pontino; Di Nuovo Musica, Reggio Emilia; Festival de las Naciones, Città di Castello; Festival de música sagrada Anima Mundi, Pisa; Academia Filarmónica Romana; Settembre Musica, Turín; Aujourd’hui Musique, Perpignan; Festival «Gustav Mahler», Dobbiaco; y las temporadas del Münchener Philarmoniker, el Mozarteum Salzburg, los Conciertos en el Quirinale di Radio3, la Sociedad Veneciana de Conciertos, el Teatro San Carlo en Nápoles, el Teatro Politeama en Palermo, el Teatro Verdi en Trieste, la Sociedad Filarmonica di Valencia, la RAI de Roma y Milán, del Kaufmann Concert Hall en Nueva York y del Chicago Center of Arts.

En 2019 ganó el premio Abbiati con el CD Tromper l’oreille.

Jean-Pierre Armengaud completó sus estudios musicales en París con Marcel Jacquinot, Pierre Sancan y luego con Jacques Fevrier y Reine Gianoli, obteniendo su titulación en 1965 en l’Ecole Normale de Musique perfeccionandose más tarde en Siena, Salzburgo y Moscú. Ha actuado con frecuencia con las Orquestas de Radio Francia y el Teatro de los Campos Elíseos. Ha realizado numerosas grabaciones con obras de Szymanowski, Denissov, Boulez, Satie, Janacek, y en particular las obras completas para piano de Debussy, Satie y Roussel. Activamente interesado en la difusión de la música contemporánea, en 1970 fundó Le Fetes Musicales de la Sainte Bourne, donde fueron interpretadas por primera vez obras de Ghana, Stockhausen, Denissov, Schnittke. Es autor de la «Historia de la música de Beethoven en nuestro tiempo» publicada en la Petite Encyclopedie Larousse y de artículos escritos para numerosos periódicos musicales. Desde 1975 ha ocupado importantes cargos administrativos, primero para el Ministerio de Cultura como delegado para actividades musicales en la región de Provenza-Costa Azul y más tarde para el Ministerio de Asuntos Exteriores como Consejero Cultural en Estocolmo y Atenas y Director del Instituto Francés de Cultura en Hamburgo.

Sábado 12 de diciembre. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Orquesta Sinfónica Juvenil UIMP – Ataúlfo Argenta

Coro Lírico de Cantabria | Elena Ramos, directora CLC

Camerata Coral Universidad de Cantabria | Raúl Suárez, director CCUC

Noemí López Vázquez, soprano | Jesús Cantolla Bedia, tenor | Iván Salas Echezarreta, bajo | Contraalto

Vicent Pelechano, director

Programa:

  1. v. Beethoveen Sinfonía Nº 2 en re mayor, op. 36

(1770-1827)                             Misa en do mayor, op. 86

Duración: 85 min. Sin descanso

La Orquesta Sinfónica Juvenil UIMP – Ataúlfo Argenta comenzó su andadura en el año 2010 gracias al impulso de un grupo de jóvenes estudiantes, convencidos de la necesidad de una joven orquesta sinfónica en Cantabria. Poco a poco, creció gracias al esfuerzo y al trabajo diario, convirtiéndose en una referencia en el panorama juvenil orquestal por su carácter permanente (se ensaya y se interpreta a lo largo de todo el año) e integral (a la enseñanza musical se une una rica educación en valores).

La Orquesta se forma no solo en lo musical, sino que trabaja apartados tan importantes para las personas como son la competencia social, formación en valores, etc. Esta metodología se puede llevar a cabo ya que la Orquesta trabaja de forma continuada durante todo el año, permitiendo una planificación de ensayos y programación del repertorio a interpretar más eficaz y fructífera. Esto la permite crear unos vínculos y complicidad entre los integrantes de la misma únicos. El fruto de este trabajo se traduce en un sonido intenso, sensible y natural fácilmente perceptible desde el primer acorde. De esta forma se ha conseguido crear una gran familia, capaz de interpretar un amplio repertorio de obras de diferentes estilos musicales.

La Orquesta ha realizado colaboraciones con diversos Coros tanto de Cantabria como del resto de España. Del mismo modo han actuado como solistas reputados músicos nacionales como internacionales de la talla de Salvador Barberá, oboe solista de la Orquesta de Radio Televisión Española, Javier Barberá, trompeta solista de la Orquesta Sinfónica de Valencia, Pedro Ordieres, coprincipal de violines de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Juan Antonio Martínez Martín, trompeta solista de la Banda Municipal de SC de Tenerife, Sandro Gori, oboe colaborador de la Universidad de Firenze.

Durante estos diez años ha ido incrementando tanto su actividad musical como la calidad de sus programas. Anualmente realiza diversos conciertos, tanto en Cantabria como en el resto de España, colabora con nuestras instituciones como el Parlamento de Cantabria o la Gala del Deporte y, en colaboración con la UIMP, realiza uno de los pocos Cursos de Dirección Internacional que se ofrecen en nuestro país bajo la dirección de directores extranjeros invitados de reconocido prestigio, yendo ya por su tercera edición. Han actuado como directores invitados, Sergio Bernal, titular del área de música de la Universidad de Utah (USA) o Eric Lederhandler, director de Czech Virtuosi.

Pensando en la formación de sus propios músicos, desarrolla anualmente el Encuentro Musical donde se invita a participar a alumnos y profesores de los Conservatorios y Escuelas Superiores de Música.

Desde el año 2016 es la Orquesta residente en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), cuyo Paraninfo del Campus de Las Llamas acoge de manera permanente los ensayos de la agrupación musical así como parte de los conciertos que ofrece en Santander.La Orquesta Sinfónica Juvenil UIMP – Ataúlfo Argenta, única orquesta sinfónica de carácter permanente en Cantabria, está dirigida actualmente por la batuta del maestro Vicent Pelechano como director titular.

 Vicent Pelechano es uno de los jóvenes directores españoles más emergentes de los últimos años, con una marcada personalidad que imprime en sus conciertos.

Está clasificado por la prensa especializada como un Director de orquesta con una increíble capacidad intelectual, inteligencia emocional y psicológica.

Desde la temporada 2014/2015 obtiene por oposición el puesto de Director de la Banda Municipal de Música de Santander, cargo que combina con los numerosos compromisos nacionales e internacionales como director invitado.

En la temporada 2017 se ha convertido en el primer director de orquesta en recibir el reconocimiento así como el nombramiento de Persona Distinguida en el Ministerio de Defensa (delegación en Cantabria).

En la temporada 2016 se ha convertido en uno de los directores más jóvenes en dirigir la Banda Sinfónica Municipal de Música de Madrid.

Bajo su dirección, la Banda Municipal de Música de Santander se está convirtiendo en un referente del panorama nacional con un salto cualitativo que les ha llevado a registrar un total de 6 compactos en 2 temporadas, siendo bajo su batuta la única banda municipal española en realizar un concierto con el Comité Olímpico Español.

En el 2016 ha sido el Director General del II Congreso Nacional de Amproband y III Concierto a Toda Banda.

En el terreno orquestal, Vicent Pelechano ha sido el director titular más joven de la Orquesta Filarmónica de Menorca. Ha sido el primer Director de orquesta español invitado a dirigir la Vienna City Orchestra, así como la Walnut Valley Symphony Orchestra (Los Ángeles, Estados Unidos).

Recientemente han destacado sus actuaciones como director invitado en la F. Mendelssohn Academy de Leipzig, en la Catedral de Graz, en el Concert Hall Liepaja en Letonia o en Los Ángeles Performing Arts Center (US).

Ha dirigido en países como Alemania, Rusia, Austria, Italia, Francia, Lituania, Eslovenia, Estados Unidos, Hungría, España orquestas tan destacadas como la Orquesta de Cuerdas de Moscú, Orquesta Sinfónica de Lituania, Orquesta Sinfónica de Budapest, Orquesta Cuerdas Berliner Symphoniker (Alemania), Orquesta de Cámara de San Petersburgo, Kammerphilarmonie Graz, Viena Orquesta Sinfonietta.

Al mismo tiempo ha sido invitado por algunas de las más prestigiosa academias de dirección como Berlin Philarmonisches Kammerorchester (Alemania), Academia Liszt en Weimar (Alemania), Academia Europea de Dirección de Orquesta (Italia), Slokar Academia (Eslovenía), Felix Mendelssohn-Bartholdy-Academia en Leipzig (Alemania).

Viernes 15 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Orquesta Ciudad de Granada

Orfila Saiz Vega, violonchelo

Diego Martín Etxebarría, director

Programa:

  1. Haydn Sinfonía nº 83 en sol menor, Hob. I/83 («La poule»)

(1732-1809)

  1. Saint-Saëns Concierto para violoncello nº 1 en la menor, op. 33

(1835-1921)

  1. Mendelssohn Sinfonía nº 4 en la mayor, op. 90 («Italiana»)

(1809-1847)

Duración: 80 min. Sin descanso

Orquesta Ciudad de Granada (OCG)

  1. M. La Reina Dª. Sofía, Presidencia de Honor

Andrea Marcon, Director artístico

Josep Pons, director honorífico

Giancarlo Andretta y Joseph Swensen principales directores invitados

Fue creada en 1990 como orquesta sinfónica clásica, siendo su principal director Juan de Udaeta. Desde 1994 hasta 2004 la dirección titular y artística es asumida por Josep Pons, y de 2004/05 a 2008 por Jean–Jacques Kantorow. Desde la temporada 2008/09 a la 2011/12 es Salvador Mas Conde quien asume este cargo. Actualmente ocupa la dirección artística Andrea Marcon.

La OCG ha ido alternando las actividades orquestales en el ámbito granadino, a través de su temporada regular, en el marco de la provincia y de la comunidad andaluza, con importantes apariciones dentro y fuera de España, habiendo actuado en la totalidad de las principales salas y festivales del territorio nacional: Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Grec de Barcelona, Festival Internacional de Música de Segovia, Festival Internacional de Música Castell de Peralada, Festival Internacional de Música de Santander, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Palau de la Música y L’Auditori de Barcelona, Festival de Otoño de Madrid, etc. Su presencia internacional la ha llevado a Suiza (Festival Gstaad), Italia (Teatro alla Scala de Milán), Portugal (Festival Internacional de Música de Coimbra), Austria (Musikverein de Viena), así como giras por Francia, Alemania y Gran Bretaña, donde ha cosechado importantes éxitos de crítica y público, resaltando su imponente personalidad artística: Berlín, Frankfurt, Colonia, Viena, Hannover, Manchester, Birmingham…

Plácido Domingo, Narciso Yepes, Enrique Morente, George Benjamin, Victoria de los Ángeles, Motserrat Caballé, Christophe Coin, Carlos Álvarez, Yehudi Menuhin, Christian Zacharias, Krzysztof Penderecki, Christopher Hogwood, Miguel Á. Gómez Martínez, David Atherton, Fabio Biondi, Rinaldo Alessandrini, Elisabeth Leonskaja, Joaquín Achúcarro, Frans Brüggen, Orfeón Donostiarra, Orfeó Català, Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, British Choral Academy, The King’s Consort, Coro de la Generalitat Valenciana, son algunos de los solistas, directores y agrupaciones corales que han actuado con la Orquesta desde su creación.

Entre sus grabaciones destacan las realizadas para el sello Harmonia Mundi junto a Josep Pons de las obras de Manuel de Falla La vida breve, El sombrero de tres picos, Noches en los jardines de España, o de autores como Bizet, La arlesiana y Sinfonía en Do, Stravinsky, El pájaro de fuego y Juego de cartas, Joaquín Rodrigo, Concierto de Aranjuez, Tomás Marco, Kurt Weill, Alberto Ginastera, Nino Rota, Éduard Lalo, entre otros.

La Orquesta Ciudad de Granada tiene en su haber numerosas distinciones como la Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Granada, el Premio Andalucía de Cultura “Manuel de Falla” (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía), el Premio Andalucía de la Música (Asociación de Empresas Discográficas de Andalucía), la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, y distinción especial Bandera de Andalucía (XXXV Aniversario Día de Andalucía).

Orfila Saiz Vega es miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de Granada.

Comenzó sus primeros estudios de violonchelo en Santander con el profesor rumano Mihai Besedovschi, y en 1996 obtuvo los titulos superiores de violonchelo y música de cámara en Bilbao, ambos con Premio Extraordinario. Entre 1996 y 2000 becada por la Fundación Botín de Santander, realizó un postgraduado en interpretación musical, en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con el profesor Oleg Kogan.

En el 2003 obtuvo el Diploma de Solista en el conservatorio de Lausanne, Suiza, con el maestro Patrick Demenga.

Ha tenido la suerte colaborar con diferentes artistas como Pepe Romero, Pierre Amoyal, Dethlef Hann, Michel Corboz, Iñaki Alberdi, García Román, García Abril, Angel Sanzo, etc.

Actualmente es profesora en el conservatorio de Música de Granada y es miembro del Trio Vega, con quien toca regularmente y recientemente han grabado para Naxos e IBS, las integrales de los tríos de Martucci y Mozart, ambos con excelentes críticas.

Ha asistido a Masterclases con maestros como Radu Aldulescu, Frans Helmerson, Anner Bylsma, Gubaidulina. En su formación para la música de cámara han partipado maestros como Nicolae Duca, Marta Gulyas, cuarteto Amadeus, Takacs, Vellinger, Melos, Trio de Milano y Sir Colin Davis.

Como solista ha tocado conciertos con la Orquesta de Cámara de Lausanne, Orchestre du festival du Jura, Orquesta “Vivaldi” de Paris, Orquesta Nacional de Transilvania y de Bucarest conciertos de Haydn, Saint-Saëns, Tchaikovski y Schumann. Como miembro de diferentes agrupaciones camerísticas ha tocado en  el Wigmore Hall de Londres, Festival de Manchester, Musicades de Lyon, Schubertiades Suizas, BBC Messiaen Festival, Festival de Val Gardena, CDMC de Madrid, Fundación Botín de Santander, Sala del conservatorio de Ginebra, Fundación Juan March de Madrid, auditorio de Granada, “Viva Cello Festival”…

En 1999 recibió el premio Birdie Warshaw para violonchelo, el primer premio en el concurso para cuartetos de cuerda Dorothy Adams, adjudicado por el cuarteto Takacs y el premio Piramid Award de Londres adjudicado por la Deutsche Bank. Anteriormente fue distinguida con la medalla de plata de Juventudes Musicales.

Ha grabado para TVE2, para RNE2, BBC2 Radio de Londres, y para Espace2 de la Radio Suisse Romande un recital en directo, dos CD dedicados a música de Piazzolla y otro dedicado a música contemporánea de  varios compositores cántabros.

Entre 1998 y 2000 fue profesora de música de camara en el departamento de la Junior Guildhall School de Londres, ha enseñado en el conservatorio de Sion en 2005 y 2006. Ha impartido clases de perfeccionamiento para el departamento de música de cámara el conservatorio de Ginebra y ofrecido diferentes cursos de perfeccionamiento en Córdoba, Jaen y Lerma.

Orfilia Saiz Vega toca un violonchelo del luthier y violinista Marc Paquin del año 2012.

Recién nombrado Principal Director Residente del Teatro de la Ópera de Chemnitz, Diego Martin-Etxebarria es Principal Director Residente y Vicedirector Musical General de los Teatros de Krefeld y Mönchengladbach desde el año 2016. Atrajo la atención internacional tras ser galardonado con el Primer Premio, el Premio Hideo Saito y el Premio Asahi en el Concurso de Dirección de Orquesta de Tokyo en 2015.

Entre sus compromisos para la 2019/20 destacan el concierto inaugural de la temporada del Teatro de Chemnitz así como la ópera El rapto en el serrallo de Mozart y el ballet El lago de los cisnes de Tchaikovsky; en Krefeld y Mönchengladbach, Rusalka de Dvorak, La flauta mágica de Mozart y Orfeo en los infiernos de Offenbach. Asimismo, debutará con la Orquesta Nacional de España y la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, y en el Teatro de la Zarzuela de Madrid dirigirá la ópera Tres Sombreros de Copa de Ricardo Llorca (basada en la obra de Miguel Mihura).

Director musical de la Euskadiko Ikasleen Orkestra del País Vasco en 2007 y 2008 y de la Akademisches Orchester Freiburg entre 2010 y 2012, ha sido invitado por la Osaka Philharmonic, Yomiuri Nippon Symphony, Nagoya Philharmonic, Kansai Philharmonic, Osaka Symphony, Central Aichi Symphony o la St. Petersburg State Capella Symphony Orchestra, entre otras. En España ha dirigido a las Orquestas de RTVE, Bilbao, Euskadi, Galicia, Granada, Barcelona, Oviedo Filarmonía, Málaga y Tenerife. En ópera ha dirigido Die Verwandlung y Die Blinden de Paul-Heinz Dittrich en la Berliner Staatsoper, La Bohème de Puccini en el Theater Augsburg, Rita en el Volksbühne de Berlín, El gato con botas de Montsalvatge en el Teatro Real, Die Zauberflöte de Mozart en la Kleines Haus de Dresden y el Theater Krefeld, Carmen de Bizet en el Festival de Santa Florentina, Powder her face en el Teatro Arriaga,  Hänsel und Gretel de Humperdinck, The Consul de Menotti, Nabucco de Verdi, Gianni Schicchi de Puccini, Cavalleria rusticana de Mascagni y Die Faschingsfee de Kálmán en Krefeld y Mönchengladbach.

Ha grabado el CD «Intimitats» con música premiada de Marc Timón, la comedia lírica «La Viola d’Or» de Enric Morera (Premio Enderrock de la Crítica al Mejor Disco de Clásica 2016), el DVD «Sinfokids 2» con la Orquesta Sinfónica de Euskadi. Este año grabará con la Orquesta Sinfónica de Barcelona i Nacional de Cataluña obras de Albert Guinovart.

Martin-Etxebarria comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de Vitoria y se graduó en dirección de orquesta en la Escola Superior de Música de Catalunya (Barcelona). Becado por la Fundación Humboldt, La Caixa-DAAD y la AIE ha cursado estudios de postgrado en dirección de ópera en las Hochschulen de Weimar y Dresden así como en la Accademia Chigiana de Siena (Italia) con G. Gelmetti. Otros maestros en su formación han sido Riccardo Frizza, Donato Renzetti, Dima Slobodeniouk, Christopher Seaman, Jesús López Cobos, Titus Engel o Lutz Köhler.

Jueves 28 de enero. Sala Argenta. 20:30 h

Música Clásica

Dresdner Philharmonie

Arabella Steinbacher, violín

Pablo González, director

Programa:

  1. W. Korngold Concierto en Re mayor, op. 35

(1897-1957)

  1. Strauss Una vida de Héroe, op. 40

(1864-1949)

Duración: 90 min. Sin descanso

La Dresdner Philharmonie cuenta con 150 años de historia como orquesta de la capital de Sajonia, Dresde. Cuando se inauguró el llamado “Gewerbehaussaal” el 29 de noviembre de 1870, los ciudadanos de la ciudad tuvieron la oportunidad de organizar importantes conciertos de orquesta. Los conciertos de la Filarmónica se llevaron a cabo regularmente a partir de 1885; la orquesta adoptó su nombre actual en 1923. En sus primeras décadas, compositores como Brahms, Tchaikovsky, Dvořák y Strauss dirigieron la Dresdner Philharmonie sus propias obras. Los primeros atriles estuvieron presididos por destacados concertistas como Stefan Frenkel, Simon Goldberg y los violonchelistas Stefan Auber y Enrico Mainardi. A partir de 1934, Carl Schuricht y Paul van Kempen dirigieron la orquesta; van Kempen, en particular, guió a la Filarmónica de Dresde hacia los máximos logros. Todas las sinfonías de Bruckner se interpretaron por primera vez en sus versiones originales, lo que le valió a la orquesta la reputación de una «orquesta de Bruckner» y reunió a directores invitados de renombre como Hermann Abendroth, Eduard van Beinum, Fritz Busch, Eugen Jochum, Joseph Keilbert, Erich Kleiber, Hans Knappertsbusch y Franz Konwitschny a la tribuna.

Después de 1945 y en la década de 1990, Heinz Bongartz, Horst Förster, Kurt Masur (desde 1994 también director honorario), Günther Herbig, Herbert Kegel, Jörg-Peter Weigle y Michel Plasson fueron los directores principales. En los últimos años, directores como Marek Janowski, Rafael Frühbeck de Burgos o Michael Sanderling han dado forma a la orquesta. A partir de la temporada 2019-20, Marek Janowski se reincorporará a la Filarmónica de Dresde como director principal y director artístico.

Su sede es la moderna sala de conciertos inaugurada en abril de 2017 en el edificio Kulturpalast en el corazón del casco histórico. En el repertorio romántico, la orquesta ha conservado su propio “sonido de Dresde”. Además, se caracteriza por una flexibilidad de sonido y estilo para la música del Barroco y la Primera Escuela de Viena, así como para obras modernas.

Los estrenos mundiales continúan hasta el presente desempeñando un papel importante en los programas de la orquesta. Las presentaciones de invitados en las principales salas de conciertos de todo el mundo demuestran la alta estima que disfruta la Filarmónica de Dresde en el mundo de la música clásica. Formatos educativos y familiares de alto calibre completan la oferta para los jóvenes; los asistentes más jóvenes se ponen en contacto con la música clásica asistiendo a ensayos y conciertos escolares. La orquesta apoya a los jóvenes talentos musicales en la Academia Kurt Masur.

La discografía de la Filarmónica, que ha ido creciendo desde 1937, también da testimonio de su amplio espectro. Se alcanzó un nuevo clímax con el ciclo de CD dirigido por Michael Sanderling dedicado a las sinfonías completas de Dmitri Shostakovich y Ludwig van Beethoven (Sony Classical).

«Lirismo equilibrado y fuego […]. Entre sus habiliades se encuentran una técnica finamente pulida y una paleta de timbres maravillosamente variada»

(Allan Kozinn/ New York Times)

Conocida en todo el mundo como una de las violinistas más importantes de la actualidad, Arabella Steinbacher ha sido elogiada como la «reina de la noche» por su «brillante interpretación», «sonido extraordinario» y «tono suavemente floreciente».

Lo más destacado de la temporada 19-20, incluyen conciertos con Camerata Salzburg y una gira con la Orquesta Filarmónica de la BBC. Arabella Steinbacher también regresará a Washington DC con la Orquesta Sinfónica Nacional y actuará con la Filarmónica de Dresde en el Festival Bad Kissingen, ambos con el director Marek Janowski.

Además, recorrerá su proyecto Vivaldi / Piazzolla en Europa y jugará en la Gala del SIDA en Múnich. En París va a realizar un programa de Bach y Párt con la Orquesta Filarmónica de Radio France.

Steinbacher aparece con frecuencia con orquestas de clase mundial en todo el mundo, incluyendo la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica, la Orquesta Sinfónica de Chicago y la Orquesta Sinfónica de Cleveland. Ha realizado aclamadas actuaciones con la Orquesta Sinfónica de la NDR, la Orquesta Gewandhaus De Leipzig, la Sinfónica de Sao Paulo, la Orquesta Nacional de Francia, la Sinfónica de Viena, la Orquesta Filarmónica de Seúl, la Orquesta Sinfónica de la NHK y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Ha colaborado con directores como Lorin Maazel, Christoph von Dohnányi, Riccardo Chailly, Herbert Blomstedt, Zubin Mehta, Christoph Eschenbach, Charles Dutoit, Marek Janowski, Yannick Nézet-Séguin y Thomas Hengelbrock.

Reconocido como uno de los directores más versátiles y apasionados de su generación, Pablo González es un músico que transmite gran inspiración tanto a orquestas como a públicos de todo el mundo, “atento a cada uno de los silencios e inicios de la orquesta sinfónica al completo, tejiendo y poniendo orden en esta revolución tonal” (OperaWorld).

Ha sido Director Titular de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Director Principal Invitado de la Orquesta Ciudad de Granada y Director Asistente de la London Symphony Orchestra. En la actualidad es Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Radio y Televisión Española y Asesor Artístico de la Orquesta y el Coro RTVE.

Entre sus recientes y próximos compromisos destacan actuaciones con la Royal Philharmonic Orchestra, Sinfónica de Birmingham, The Hallé, Filarmónica de Helsinki, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Konzerthausorchester Berlin, Orquesta de la Radio de Frankfurt, Filarmónica de Dresde, Gürzenich-Orchester Köln, Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern, Filarmónica de Estrasburgo, Orchestre National d’Ille de France, Sinfónica de Stavanger, Residentie Orkest, Filarmónica de Lieja, Orchestra della Svizzera Italiana, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Filarmónica de Buenos Aires etc.

En España mantiene una estrecha relación con las orquestas sinfónicas españolas, actuando habitualmente junto a ellas en diferentes festivales internacionales.

Como director de ópera, destaca la dirección de Don Giovanni y L’elisir d’amore en dos exitosos lyndebourne Tours, Carmen (Quincena Musical de San Sebastián), Una voce in off, La voix humaine, Die Zauberflöte, Daphne y Rienzi en el Gran Teatre del Liceu (Barcelona), Tosca y Madama Butterfly (Ópera de Oviedo).

Ha colaborado con solistas como Maxim Vengerov, Nikolai Lugansky, Javier Perianes, Khatia Buniatishvili, Beatrice Rana,  Renaud Capuçon, Gautier Capuçon, Sol Gabetta, Anne-Sophie Mutter, Isabelle Faust, Frank Peter Zimmermann, Arcadi Volodos, Viktoria Mullova, Johannes Moser, Truls Mork y Viviane Hagner.

Entre sus grabaciones discográficas, destaca el monográfico de Enrique Granados en tres volúmenes así como un CD con las suites de Carmen y L’Arlesienne, de Bizet, con la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya para el sello Naxos. Pablo González goza de una colaboración continua con la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern (DRP) con quienes grabará próximamente un CD con música de Emanuel Moor; su grabación de Schumann con Lena Neudauer ha sido galardonada con el prestigioso “International Classical Music Award”.

Nacido en Oviedo, Pablo González estudió en Guildhall School of Music & Drama

(Londres). Actualmente reside en la ciudad de Oviedo.

RECITALES

Viernes 18 de septiembre. Sala Argenta. 20.30 h

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Rozalén

Duración: 90 min. Sin descanso

Rozalén, una de las voces más especiales del panorama nacional.

 Con tres trabajos editados, Rozalén ha cautivado a público y crítica a partes iguales. La hará disfrutar al público de su especial carisma e inigualable voz, haciendo sonar muchos de sus grandes éxitos, además de los primeros avances –‘Este tren’ y ‘Aves enjauladas’– del que será su cuarto álbum de estudio y que verá la luz después de verano.

 Además de cantautora, Rozalén es una importante activista social, defendiendo con su música los derechos de las minorías y comunidades más desfavorecidas.

 Sobre el escenario, siempre está acompañada por Beatriz Romero, intérprete de lengua de signos. De esta manera, defiende un espectáculo inclusivo y dirigido a todo el mundo.

Viernes 16 de octubre. Sala Argenta. 20:30 h

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Zahara “Acustiquisimo”

Duración: 80 min. Sin descanso

Pionera del movimiento musical indie en España y considerada uno de sus referentes, ya que aglutina el valor de la creación y la vanguardia, Zahara nos muestra su talento y su forma de entender lo que sucede encima un escenario. Con más de 20 años de carrera musical y cinco discos propios, es una artista multidisciplinar ya que además de cantante es compositora, actriz, escritora, y este año se ha estrenado como profesora de Cultura Musical en la Academia de Operación Triunfo.

 Zahara representa el triunfo de la constancia, la tenacidad y el buen hacer con sonidos nuevos que encajan y enamoran, jugando con la creatividad y un arte sin fronteras.

Sábado 24 de octubre. Sala Argenta. 20.30 h

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IX Festival Santander de Boleros

+ Amigos

 Duración: 80 min. Sin descanso

Agrupación Musical Jueves de Boleros

Música de ayer, sonidos de hoy y boleros de siempre

 Las reuniones que un grupo de amigos tenía los jueves en un restaurante, para cenar y disfrutar con sus instrumentos musicales al son de ritmos y melodías de orígenes diversos, entre los que predominaba el bolero, fue el germen de la agrupación.

Unas animadas veladas, que aún hoy mantienen y sirvieron  para dar nombre al grupo, forman la esencia y el espíritu que quieren compartir con todo el público.

Con el tiempo se han incorporado nuevas voces, y las guitarras y bandurrias se han visto arropadas por instrumentos como el acordeón,  bajo, ukelele, timple y la sección de percusión y batería, incluso, ocasionalmente, con otros instrumentos de viento.

Los arreglos propios dan personalidad a su repertorio, canciones que van desde el más clásico bolero hasta adaptaciones de temas de jazz y de música pop.

Este es el carácter de un grupo que con esfuerzo, consigue acercar a públicos de todas las edades canciones que para algunos ya eran historia. El reconocimiento a su trayectoria se ha traducido en multitud de actuaciones, en Cantabria y en toda la geografía nacional.

Son los responsables de la puesta en marcha del FESTIVAL SANTANDER DE BOLEROS, un evento que está teniendo amplia repercusión tanto a nivel nacional como internacional dentro del mundo musical del bolero, llegando en 2020 a la IX Edición del Festival, con llenos consecutivos en todas las ediciones.

El 14 de marzo de 2008 se creó la Asociación Musical Jueves de Boleros  y dieron el gran paso de querer  mostrar ante el público su  manera de entender la música  y así, poco a poco,  y casi sin darse cuenta,  se han convertido  en grupo de referencia con 12 años de actuaciones en vivo.

Actualmente tienen 2 CDs en el mercado: “Jueves de Boleros” y”Será lo que soñamos.”

Miércoles 25 de noviembre. Escenario Argenta. 20:30 h

Recital

Malandro Club

 Javier Mayor, Contrabajo | Gorka Hermosa, Acordeón | Alberto Vaquero, Trompeta y Fliscorno

Juan Luis Castaño, batería

Duración: 80 min. Sin descanso

 Según Jorge Pardo, flautista de Paco de Lucía y Mejor Músico de Jazz Europeo 2013 «El gran nivel musical de Malandro Club, su fantasía y su sonido te llevan a un mundo diferente.»

El grupo Malandro Club, formado por el trompetista Alberto Vaquero, el acordeonista Gorka Hermosa y el contrabajista Javier Mayor de la Iglesia, acaba de publicar su primer CD. Un disco con composiciones propias en el que fusionan jazz, elementos de folklore de la península ibérica, tango y música clásica contemporánea, para el que han contado con la colaboración de músicos de auténtico lujo: Jorge Pardo (flauta), Iñaki Salvador (uno de los pianistas de jazz más importantes del panorama de jazz nacional, dos veces nominado a la mejor banda sonora en los premios Max), Alba Carmona (cantante de Las Migas y primera licenciada en cante flamenco de España) y Borja Barrueta (batería, entre otros muchos, de Jorge Drexler).

El disco ha sido presentado en Francia, Lituania y España (Madrid, Bilbao, Santander, Gipuzkoa, Salamanca, Teruel, Segovia, Asturias…).

Según Iñaki Salvador: “La música de Malandro es viaje, experimentación y observación sin límites que les brota de la entraña, de su ser más íntimo y ancestral. Los de Malandro atesoran algo de científico loco, y su laboratorio está siempre en calma pero a punto de estallar… y huele, huele mucho… y huele muy bien. Hay muchísimos aromas en los once cofres que Malandro nos ofrece; hay sorpresas, sensualidad y seducción. Recomiendo fervientemente salir de viaje con estos tres profesores locos (y sus invitados) teniendo como destino algún mirador desde el que otear el mundo y la música. Malandro es terapéutico y cualquiera de sus efectos secundarios es gloria bendita, háganme caso.”

Viernes 18 de diciembre. Sala Argenta. 20:30 h

Recital

Sidecars | Ruido de fondo Tour

 Duración: 90 min. Sin descanso

Juancho (voz, guitarra solista), Gerbas (bajo) y Ruly (batería) son Sidecars, una banda que debutó discográficamente en septiembre de 2008 con el lanzamiento de su primer disco, bautizado con el nombre de la banda, Sidecars.

 En un par de años habían conseguido ocupar un discreto pero fundamental puesto en el imaginario mapa musical madrileño. Eso propició la grabación de aquella primera referencia y la posibilidad de la segunda, Cremalleras, un disco que confirmaba su evolución como banda, con unas canciones contagiosas, endulzadas con unos estribillos pegadizos… eso y sus ganas imparables de llegar a más gente con su tremenda solidez, su desparpajo y su facilidad para elaborar un pop rock poderoso y de excelente factura.

La banda del barrio madrileño de Alameda de Osuna recibió en aquellos primeros pasos dos importantes galardones, el Premio de La Noche en Vivo al Mejor Grupo Revelación 2008, reconocimiento otorgado por la Asociación de 45 Salas de Música en Directo de Madrid, y el Premio de la Música al Mejor Álbum de Rock Alternativo con su disco de debut.

El proceso iniciático culminará con un tercer disco titulado Fuego Cruzado, que cuenta con el británico productor Nigel Walker a los mandos de la grabación. Este trabajo supone un punto de inflexión en la banda.

En marzo del 2016 sale a la venta Contra las Cuerdas, un nuevo disco grabado en Madrid unos meses antes, en dos días de emocionantes y sentidas sesiones. Este disco, que se edita en formato CD/DVD supone el paso adelante de unos nuevos Sidecars que se ponen en su sitio como músicos e intérpretes y que adaptan, en formato acústico, lo más aplaudido de su carrera. Además, invitan a colegas de profesión, músicos y artistas de los que se han hecho amigos a lo largo y ancho de años de escenarios y bambalinas, por allí está Iván Ferreiro, Leiva (que es hermano de Juancho, por si no lo hemos aclarado), M-Clan y Dani Martín. El disco, acompañado de un precioso DVD, muestra el carisma que gastan sobre las tablas los tres compontes, que se apoyan en unos músicos adicionales para perfilar estas composiciones.

Con el trabajo ya publicado, Sidecars iniciaron una pequeña gira por teatros que desembocó en una gira por escenarios más rockeros y menos acústicos. Las críticas (y los fans) han recibido con los brazos abiertos este nuevo disco que presentaron durante todo el 2016 y este 2017. A comienzos del verano de 2017, Sidecars se meten de nuevo en el estudio para grabar Cuestión de Gravedad, disco se publica el 13 de octubre de 2017. A ‘Cuestión de gravedad le acompaña una gira de presentación en la que los carteles de ‘Entradas agotadas’ empiezan a ser habituales y terminan su presentación en 2019 con una gira de teatros (Teatro Tour) que recorre todo el país, con prácticamente todas las entradas agotadas y cinco fechas en Madrid. A finales de 2019 y principios de 2020 vuelven al estudio de grabación para preparar su nuevo disco: ‘Ruido de fondo’, que verá la luz el próximo 4 de septiembre.

GOSPEL

Sábado 20 de diciembre. Sala Argenta. 19:00 h

Gospel

Stars of Gospel Choir

Bridget Bazile, solista | Vincent Balse, Director Musical y pianista

Duración: 90 min. Sin descanso

Stars of Gospel Choir es algo más que un espetáculo musical.

 Se trata de una experiencia que no deja a nadie indiferente.

 Enraizado en la secular tradición afroamericana, el gospel no se deja encasillar exclusivamente como una corriente musical entre otras. Por enciama de yodo es un mensaje de esperanza, una promesa de días mejores y una cultura de participación comunitaria.

  Las extraordinarias voces de las stars of gospel, con su mezcla de armonías cautivadoras y ritmos impetuosos, son capazces de unir audiencias de todo el mundo en una celebración sincera y festiva con una música que combina energía, delicadeza y entusiasmo.

 Natural de Metairie, Luisiana, Bridget Bazile se graduó en la universidad de Tulane de Nueva Orleans. Premiada con el prestigioso Leontyne Price Competititon, Ms. Bazile fue también distinguida con el segundo premio del Metropolitan Ópera National Council y el primer premio del Meistersinger Vocal Competition en Graz, Austria, en 2001.

Ha representado papeles líricos en óperas de Purcell, Puccini, Mozart, Handel, Verdi y Gershwim. También ha sido la solista principal del New World Ensemble, Moses Hogan Choraley los Moses Hogan Singers.

Ms. Bazile ha sido aclamada en grandes teatros de todo el mundo y es reconocida como una de las voces más eminentes de su generación, tanto en el campo de la clásica como en el Negro Spiritual. Sus representciones como solista incluyen el Carnegie Hall de NYC, el Orchestra Hall de Chicago y el Lyon Sacred Music Festival de Lyon, Francia, el John F. Kennedy Center for the Performing Arts y el World Symposium de Sidney, Australia. Después de la publicación de su disco Sometimes I Feel… en diciembre 2020 celebrará su décima gira europea dedicada a la promoción del legado musical afroamericano.

Vincent Balse, natural de Burdeos, se graduó en el conservatorio de Burdeos y en la famosa academia “La Chigiana” de Siena. Ha actuado en los mejores teatros franceses, Théatre desChamps Eluseés, la Salle Pleyel y en el esplándido Grand Thétre de burdeos.

En el 2003, después de estudiar con Nicholas Angelich y Alain Meunier, se gradúa en piano y música de cámaraen el Consrvatorio de Paris. En el 2004 se traslada a NYC para estudiar en la Juillard School of Music.

El cambio se siglo marca el inicio de su larga relación con la ciudad de Nueva Orleans, donde a partir del 2000 está presente en la vida cultural de la ciudad. Ha actuado en numerosas ocasiones con la Lousiana Philharmonic Orchestra en el Prpfeum Theater y ha recibdo las mayores distinciones de la ciudad.

Se ha presentado en salas de todo el mundo con actuaciones en solitario o con los vilonistas Maxim Vangerov y Max Zorin, el fine Arts Quartet, el Mastro Rostropovich y Wynton Marsalis.

HUMOR

 Viernes 20 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Humor

Goyo Jiménez                                                   

Aiguantulivinamerica2

 Espectáculo no recomendado para menores de 16 años.

No permitida la entrada a menores de 12 años.

Duración: 120 min. Sin descanso

Amigas y amigos, quince años después del estreno del espectáculo Aiguantulivinamérica, llega la segunda entrega de la saga de monólogos más celebrada, llega… ¡Aiguantulivinamérica 2!

 Sí, damas y caballeros: Vuelven las comparaciones entre el fabuloso modo de vida estadounidense y el, digámoslo así, menos glamuroso ir tirando de los españoles. Vuelven Mike, Joe, Susan, el pequeño Timmy y un montón de nuevos personajes, metidos de lleno en situaciones absurdas que a todos nos suenan y fascinan. Vuelven el surrealismo, el disparate, la complicidad y el ingenio mezclados a partes iguales. Pero, sobre todo, vuelve el único e inimitable experto en asuntos americanos, Goyo Jiménez. A su lugar favorito, al hogar de los valientes, a la tierra de la libertad. ¿Te lo vas a perder?

 CIRCO

Viernes 27 de noviembre. Sala Argenta. 20:30 h

Circo

Cia. Manolo Alcántara

“Dejá Vú”

Idea, creación y dirección: Manolo Alcántara

 Con Laia Rius, Manolo Alcántara y Andreu Sans/Silvia Compte

Composición musical y arrendamientos: Laia Rius

Soporte intérpretes: Joan Trilla

Diseño iluminación y sonido, y técnico: Ivan Tomasevic

Diseño y construcción títere: Toni Zafra

Vestuario: Rosa Solé

Atrezo y acabados pictóricos: Xavi Erra

Diseño escenografía: Manolo Alcántara

Construcción escenografía: Eduardo Fernández y Cia. Manolo Alcántara

Producción musical: Pep Pascual y Laia Rius

Ingeniero de sonido, mezclas y máster: Pep Pascual

Gestión y Producción: Clàudia Saez

Distribución: Portal71

Producción: Cia. Manolo Alcántara

Suporte a la producción: Alfred Fort y Clàudia Saez para La Destil·leria

Co-Producción: Grec Festival de Barcelona

Suporte: ICEC-Generalitat de Catalunya y el INAEM.

Con la colaboración: Teatre Principal de Olot, Teatres en Xarxa, Teatre Núria

Espert de Sant Andreu de la Barca, Teatre Clavé de Tordera, Teatre Bartrina de Reus, Social Antzokia de Basauri y Teatro-Circo de Murcia.

Agradecimientos: Guga Arruda, Raquel Garcia, Amèlia Bautista, Marie Pierre Durand, Toti Toronell, y todas aquellas personas y organismos que nos han ayudado y colaborado a dar vida a Déjà-vu.

Recomendado a partir de 7 años.

En colaboración con la Consejería de Unversidades, Igualdad, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria.

 Duración: 60 min. Sin descanso

DÉJÀ VU nos habla de la distancia entre una persona y sus sueños, de lo que es y lo que le gustaría ser. Sueños muy ambiciosos que despiertan sus aires de grandeza, pero a la vez imposibles, llevándolo al desánimo. Especialmente sugerente, arriesgado y fascinante… Destilando por momentos un humor fino.

 Un espectáculo visual, sin texto, donde se difuminan las fronteras entre la realidad y la fantasía a partir de una historia con un punto de melancolía. Como si Bartleby el escribiente, se encontrara de repente inmerso en el mundo fabuloso de Alicia en el país de las maravillas… Una realidad confusa en un espacio y momento indeterminado, con un espacio escénico que juega con la desproporción extrema de las medidas.

 El universo sonoro a través de la voz y el violín enfatizan la dualidad del personaje, transportando a un universo onírico. Un espectáculo visual, sugerente, arriesgado, sin texto. Con música en directo.

EL PALACIO CON LOS NIÑOS

Sábado 3 de octubre. Sala Pereda. 17:00 h

 El Palacio con los niños

Pata Teatro

“Debajo del tejado”, de Macarena Pérez Bravo y Josemi Rodríguez

Dirección, Josemi Rodríguez

Con Macarena Pérez Bravo y Carlos Cuadros

Escenografía: Vicente Palacios

Vestuario: Elisa Postigo

Música: Jesús Durán

Iluminación: Josemi Rodríguez

Sonido: Jesús García

Premio Feten 2020 a la Mejor Autoría Teatral

Premio Ateneo de Teatro 2018 al Mejor Espectáculo Infantil y tres nominaciones a los Premios Lorca de Teatro Andaluz 2019 (Mejor Espectáculo para la Infancia, Mejor Diseño de Iluminación y Mejor Escenografía)

Recomendado a partir de 6 años

Duración: 60 min. Sin descanso

Debajo del tejado hay un bloque. En el bloque hay varias casas. Cada casa tiene una puerta y detrás de cada puerta hay una historia.

 Las personas que habitan esas historias son nuestros protagonistas. Un contable que vuelve de la oficina a casa trayendo consigo el frenético ritmo de los números, una anciana que teje una bufanda interminable para su nieto, un músico que pone banda sonora a las vidas de sus vecinos… Nos colaremos por la rendija de la ventana de sus vidas, observando la magia de todas las pequeñas cosas que les ocurren y viendo como cada uno, sin saberlo, tiene suficiente energía como para alumbrar la noche de su ciudad.

 Todos tienen su propia historia, sin ser conscientes de que les une un hilo común: el mismo tejado.

 A través de la ternura y la comicidad se despliega un vínculo entre cada uno de los personajes, más fuerte que los cimientos de ese edificio.

 Una obra en la que los dos actores nos muestran, a través de distintos lenguajes escénicos, cómo sucede la vida entre vecinos.

 Una apasionante comedia que vuelve para recodarnos que lo cotidiano, lo que nos sucede día a día, puede ser realmente extraordinario.

Sábado 7 de noviembre. Sala Pereda. 17:00 h

 El Palacio con los niños

Ruido Interno

“Amarillo caído del cielo. La Aventura del Pájaro Amarillo”    

Creación y dirección: Juan Carlos Fernández Izquierdo

 Intérprete y coreografías: Pablo Venero

Música y voz en off: Robert Navarro

Videoprogramación y concepto audiovisual: Juan Carlos Fernández Izquierdo

Animación 3D: Javier Cañal y Joan Nieto

Espacio escénico y maquetas: Ruido Interno

Vestuario: Pablo Venero y Mamen Campo

Diseño de luces: Carlos González Cirre

Técnico en gira: Santiago Revuelta

Producción y gestión: Mamen Campo

Diseño cartel: Nikolina Radulovic

Estudio de grabación: Sonoarc

Foto fija: Álvaro Ramiro

Grabación vídeo y drone: Ilumina Film

Recomendado a partir de 4 años

Duración: 40 min. Sin descanso

14 de junio de 1929 en la playa de Oyambre, con la caída de la tarde, una avioneta tomaba tierra de forma precipitada en la franja de arena que la marea baja había dejado. Se trataba de un aeroplano francés que había despegado de la costa este de Estados Unidos, y que en un intento de llegar a París en un vuelo sin escalas, se vio obligado a realizar un aterrizaje antes de lo previsto. El color de su fuselaje sirvió para que esta fascinante aventura se conociera como la travesía de El pájaro amarillo.

Esta increíble historia, acontecida tan cerca de nosotros, sigue siendo una auténtica desconocida para la mayoría de la gente. A pesar de que fue el primer vuelo europeo que cruzó el Atlántico Norte sin escala y con toda la tripulación europea, además del primero que conectó América del Norte con el norte de España, y el que contó con la presencia del primer polizón aéreo, siendo uno de los acontecimientos más particulares relacionados con la aviación Española.

Una epopeya que nos habla del espíritu aventurero de sus cuatro protagonistas en su afán por la consecución de un sueño, de la lucha por la vida y del espíritu de superación que acompaña al ser humano.

Amarillo caído del cielo es un espectáculo multimedia con vídeo en directo, objetos, maquetas, figuras en miniatura, un actor y un manipulador haciendo que todo esto adquiera vida, para contar una de las historias mas bellas acontecidas en Cantabria que ocurrió por casualidad y que este año coincide con el noventa aniversario.

Contada en directo, en off y en primera persona por su principal protagonista, Armand Lotti, mientras dos personas actúan como manipuladores y técnicos controlando los efectos audiovisuales y la iluminación en directo.

Sábado 5 de diciembre. Sala Argenta. 17:00 h

El Palacio con los niños

Billy Boom Band

 Duración: 60 min. Sin descanso

Billy Boom Band es un proyecto de música rock para niños apto para mayores, un grupo de rock  para todas  las edades que formamos Marcos Cao (líder, cantante y guitarrista del grupo La sonrisa de Julia) y Raúl Delgado (batería de La sonrisa de Julia).

 Estamos convencidos de que la banda sonora de la infancia puede ampliarse con propuestas musicalmente ricas, inteligentes, atractivas y divertidas.

 Creemos en el gran valor de la música en directo y estamos seguros de que hay una parcela de la música y el ocio cultural que niños y mayores pueden compartir y disfrutar juntos y a partes iguales.

 Nos gusta hacer letras con mensajes en los que creemos, por eso nuestros valores a la hora de escribir para niños son el poder de la imaginación, la amistad, la ecología y el respeto por nuestro planeta.

En Billy Boom Band generamos música y contenido cultural para todas las edades. Hemos editado tres discos:

Pasarlo bien (Sony Music, 2015)

Sueña Despierto (Sony Music, 2017)

Lorca pop (Minúscule Records, 2018), un disco–libro basado en poemas de Federio García Lorca.

También hemos editado un libro para pintar, colorear y crear: El mundo de Billy Boom Band (Minúscule Ediciones, 2015) y hemos puesto en marcha un Festival de música y arte para público infantil, Minúscule Festival.

Billy Boom Band también incluye un componente educativo con las charlas y talleres de composición: ¿Cómo se compone una canción de rock? que tienen como objetivo mejorar la apreciación y el disfrute de la música rock como forma de expresión artística y cultural, y también como componente lúdico para aprender, desarrollar capacidades, habilidades, destrezas e inteligencias también dentro del ámbito educativo.

Sábado 9 de enero. Sala Pereda. 17:00 h

El Palacio con los niños

La Maquiné

“Acróbata y Arlequín”

Dirección, Joaquín Casanova | Dramaturgia, La Maquiné

Músico pianista: Daniel Tarrida / José López-Montes

Canto lírico, narración y actor, Noé Lifona

Actores multidisciplinares: Alejandro Conesa, Elisa Ramos y Natalia Calles

Música: Erik Satie y Francis Poulenc

Adaptación musical y arreglos, José López-Montes

Diseño escenografía, iluminación y proyecciones, Joaquín Casanova

Diseño títeres, máscaras y objetos: Elisa Ramos y Joaquín Casanova

Diseño vestuario y pintura de tejidos, Elisa Ramos

Coreografía de títeres, Elisa Ramos

Realización de vestuario: Javier Fernández y Vanessa Cañaveral

Ayudante de taller: Carlos Monzón

Realización de máscaras osos: Fx Barbatos

Producción: La Maquiné y Agencia Andaluza de Instituciones Culturales. Junta de Andalucía | Colabora: La Laboral, Ciudad De Cultura, Gijón

Premio FETEN 2020 a la mejor caracterización, ambientación y vestuario.

Premio Feria de Castilla y León al Mejor Espectáculo Intantil y Familiar 2019.

Recomendado a partir de 4 años

Duración: 60 min. Sin descanso

Pablo es un joven vagabundo que vive en la calle pasando hambre y frío. Un día, un circo llega a la ciudad y el joven queda fascinado por este mundo de encantamiento, magia y emoción. Pablo entra como ayudante en el circo, con la esperanza de ver su sueño hecho realidad, salir de la calle y ser parte de la familia de saltimbanquis. Pero Pablo tendrá que aprender a respetar y cuidar de los animales del circo.

 A través de esta tierna historia, descubriremos las peripecias de Pablo para ser parte de una familia en donde todos, seres humanos y animales viven en completa armonía y libertad. Pablo descubrirá valiosas lecciones sobre la convivencia y el respeto a los animales, la honestidad y la solidaridad como normas fundamentales para convivir juntos.

 “En 1887 Picasso, aún adolescente, sucumbió al encanto de Rosita del Oro, amazonas del Circo Tívoli de Barcelona, quien le abrió las puertas al mundo mágico del circo, no sólo del espectáculo, sino de su trastienda, de la vida cotidiana de payasos y saltimbanquis, con sus incesantes entrenamientos, sus dificultades y alegrías”.

Acróbata y Arlequín es una obra escénico-musical inspirada en el universo del circo de Pablo Picasso durante el perioso rosa (1904 -1907) y la música de las primeras vanguardias a través de los compositores Erik Satie y Francis Poulenc. El espectáculo conjuga teatro de actores, títeres, sombras, objetos y proyecciones. Un actor narrador guia la escena para el entendimiento de la obra para un público familiar, recomendado a partir de 4 años.

El proyecto nace de la investigación de La Maquiné con diferentes géneros en un intento de romper los estereotipos en torno a la ópera, la música y el teatro. La intención es despertar en los más pequeños el gusto por la música e iniciar el camino hacía el mundo de la lírica desde una perspectiva no convencional.

La plástica, la música, el teatro de títeres realizados en diferentes escalas, coreografiados con técnicas variadas de manipulación, una cuidada escenografía e iluminación, junto con las proyecciones audiovisuales, son los recursos estéticos que emplearemos para conseguir nuestros objetivos. La voluntad es describir la riqueza y pluralidad de varios lenguajes dando como resultado una obra de carácter sencillo y sugerente.

La música estará estructurada a través de una cuidada selección de obras de Erik Satie y Francis Poulenc interpretadas por piano en directo y canto lírico.

Sábado 6 de febrero. Sala Pereda. 17:00 h

El palacio con los niños | Estreno

Escena Miriñaque

“Del otro lado”, de Blanca del Barrio

 Recomendado a partir de 3 años

Una mañana, los habitantes del otro lado encontraron, en lo que ellos llamaban su territorio, un balón.

No era como los suyos, no estaba hecho igual, ni la materia ni en el color.

No tenia marca.

Lo observaron un largo momento y se preguntaron ¿Por qué estaba ahí? y ¿Cómo había podido atravesar el muro?

¿Qué había que hacer?

¿De dónde venia?

 Una pieza única de calidad, original y sensitiva que establecerá un vínculo artístico-afectivo único con el infante y su familia.

Escena Miriñaque es una compañía de reconocida reputación por la creación de espectáculos para niñ@s en la profesión nacional e internacional, con sello propio bajo la dirección y creación de Blanca del Barrio y con artistas de calidad en el panorama nacional.

Desde el 2006, fecha en la que la compañía concibió su primer espectáculo infantil con la directora actual, el recorrido y reconocimiento en este campo artístico ha sido muy satisfactorio, contando con una amplia gira nacional e internacional, así como festivales que han avalado nuestro trabajo.

Blanca del Barrio es la directora artística de la compañía desde hace 10 años. Escena Miriñaque ha producido más de 20 espectáculos de esta artista, cuyas creaciones son propias y genuinas con sello que le da identidad a la compañía.