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FEBRERO
Sábado 11 de febrero. Sala Argenta. 19:30 h
Danza
Lucía Lacarra & Matthew Golding |’In the still of the night’
A 25,00 € B 25,00 € C 25,00 € D 15,00 € y 10,00 € PMR B 25,00 € PMR D 15,00 €
Jueves 16 de febrero. Escenario Argenta. 19:30 h
Recital
Iván Melon Lewis | ‘Voyager’
A 20,00 € PMR 20,00 €
Viernes 17 y sábado 18 de febrero. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro
‘Los santos inocentes’ de Miguel Delibes | Adaptación Fernando Marías y Javier Hernández-Simón | Dirección Javier Hernández-Simón
A 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Sábado 18 de febrero . Escenario Argenta. 17:00 h
El Palacio con los niños
‘La Reina del Arga’
A 7,00 € PMR 7,00 €
Miércoles 22 de febrero. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
‘Decadencia’ de Steven Berkoff | Adaptación Benjamín Prado | Director Pedro Casablanc
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Viernes 24 de febrero. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Orquesta Sinfónica de Amberes | Pablo Ferrández, violonchelo | Elim Chan, directora
Programa: Glinka | Chaikovski | Rachmaninov
A 30,00 € B 30,00 € C 30,00 € D 25,00 € y 10,00 € PMR B 30,00 € PMR D 25,00 €
Sábado 25 de febrero. Sala Pereda. 19:30 h
Recital
Rocío Marquez & Bronquio | ‘Tercer Cielo’
A 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
MARZO
Jueves 2 de marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Jueves clásicos
Cuarteto Brodsky
Programa: Bach | Debussy | Shostakovich
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Viernes 3 y sábado 4 de marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro
‘¡Ay, Carmela!’ de José Sanchís Sinisterra | Dirección José Carlos Plaza
A 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Viernes 10 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Teatro
‘Electra’ de Benito Pérez Galdós | Dirección Ferrán Madico
A 25,00 € B 25,00 € C 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR B 25,00 € PMR D 15,00 €
Sábado 11 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Humor
Dani Martínez | ‘Ya lo digo yo’
A 27,00 € B 24,00 € C 22,00 € D1 20,00 € D2 18,00 € PMR B 24,00 € y PMR C 22,00 €
Sábado 11 de marzo. Sala Pereda. 17:00 h
El Palacio con los niños
Baal Dansa | ‘MiraMiró’| Dirección Catalina Carrasco
A 7,00 € D 5,00 € PMR 5,00 €
Jueves 16 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Britten Sinfonia | Elizabeth Watts, Soprano | Clio Gould, Directora y violín
Programa: Shostakovich | Britten | Stravinsky | Shostakovich
A 25,00 € B 30,00 € C 27,00 € D 22,00 € y 10,00 € PMR B 30,00 € PMR D 22,00 €
Viernes 17 de marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Recital
CasaPalma
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Sábado 18 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Danza
‘Eterno’ | Idea original, coreografía y dirección artística Carlos Rodríguez | Dirección de escena Alberto Velasco
A 28,00 € B 33,00 € C 31,00 € D 25,00 € y 10,00 € PMR B 33,00 € PMR D 25,00 €
Viernes 24 (19:30 h), sábado 25 (17:00 h y 20:00 h) y domingo 26 (12:30 h) de marzo. Sala Argenta.
Musical
‘Peter Pan, el musical’ | Dirección Tomás Padilla | Directora artística y libreto Silvia Villaú
*VIP 75,00 € A 55,00 € B 55,00 € C 55,00 € D1 45,00 € D2 35,00 € PMR B y C 55,00 €
* Entrada zona VIP incluye: Entrada en un lugar preferente + Cd del espectáculo y un artículo de merchandising + Visita al backstage y encuentro con los actores.
*Una hora antes de la función solicitada, les esperaremos en la puerta principal del Palacio, se les hará entrega de los regalos, y comenzará el tour por backstage y encuentro con los actores.
Miércoles 29 marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
‘Miércoles que parecen jueves’ de Juan José Millás | Director Mario Gas
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Jueves 30 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Jueves clásicos
Orquesta Sinfónica del Cantábrico (OSCAN) | José Imhof, piano | Paula Sumillera, directora
Programa: Bach | Mozart | Glass
A 25,00 € B 25,00 € C 25,00 € D 18,00 € y 10,00 € PMR B 25,00 € PMR D 18,00 €
ABRIL
Miércoles 12 abril. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
Noviembre Teatro | ‘Abre el ojo’ de Rojas Zorrilla | Dirección y versión Eduardo Vasco
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Viernes 14 abril. Sala Pereda. 19:30 h
Musical | Estreno
REconectando, el musical | Dirección Adrián Alonso
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Sábado 15 de abril. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) | Josep Vila i Casañas, Director del coro | Marzena Diakun, Directora
Programa: Brahms | Bruckner
A 30,00 € B 30,00 € C 30,00 € D 25,00 € y 10,00 € PMR B 30,00 € PMR D 25,00 €
Viernes 21 y sábado 22 de abril. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro | Estreno
‘La Celestina’, de Fernando de Rojas | Versión Eduardo Galán | Dirección Antonio Castro Guijosa
A 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Miércoles 26 de abril. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
Teatro del Temple | ‘Don Quijote somos todos’ | Dirección Carlos Martín | Texto José Luis Esteban
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Sábado 29 de abril. Sala Argenta. 19:30 h
Recital
The Infernal Comedy (Confesiones de un asesino en serie) | Drama para un actor, dos sopranos y orquesta
John Malkovich | Susanne Langbein y Chen Reiss sopranos | Orchester Wiener Akademie | Dirección de orquesta Martin Haselböck | Dramaturgia y Dirección de escena Michael Sturminger
A 30,00 € B 30,00 € C 30,00 € D 25,00 € y 10,00 € PMR B 30,00 € PMR D 25,00 €
MAYO
Viernes 12 y sábado 13 de mayo. Sala Argenta. 19:30 h
Zarzuela
Teatro Villamarta de Jérez | ‘Doña Francisquita’ | Música de Amadeo Vives | Libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw
Lucas Macías, dirección musical | Francisco López, dirección de escena
A 35,00 € B 40,00 € C 32,00 € D1 28,00 € D2 25,00 € y 10,00 € PMR B 40,00 € y PMR C 32,00 €
Miércoles 17 de mayo. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro | Estreno
Hilo Producciones | ‘Anónimo’ | Versión y dirección Sandro Cordero
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Viernes 19 de mayo. Sala Argenta. 19:30 h
Danza
Ballet Nacional de Cuba
Programa: Love fear loss | Tres preludios | Concierto Dsch | Séptima Sinfonía
A 30,00 € B 30,00 € C 30,00 € D1 25,00 € D2 20,00 € y 10,00 € PMR B y C 30,00 €
Sábado 20 de mayo. Sala Pereda. 17:00 h
El Palacio con los niños
Ultramarino de Lucas | ‘¿Cuándo viene Samuel?’ | Dramaturgia Ultramarinos de Lucas | Dirección Juan Berzal
A 7,00 € D 5,00 € PMR 5,00 €
Sábado 27 de mayo. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (OSPA) | Alena Baeva violinista | Anna Rakitina directora
Programa: Falla | Prokofiev
A 30,00 € B 30,00 € C 30,00 € D 25,00 € y 10,00 € PMR B 30,00 € PMR D 25,00 €
JUNIO
Viernes 2 y sábado 3 de junio. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro
‘Ladies Football Club’ de Stefano Massini | Dirección y adaptación Sergio Peris-Mencheta
A 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Jueves 8 de junio. Sala Pereda. 19:30 h
Jueves clásicos
Kristina Socanski piano | Hugo Selles piano
Programa: ‘Piano Contrats’ Tour 2023 – Obras de Glass | Chopin | Rachmaninov | Supertramp (arr. Hugo Selles) | Liszt | Bernstein
A 18,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR 15,00 €
Viernes 9 y sábado 10 de junio. Sala Argenta. 19:30 h
Teatro
‘La isla del aire’ de Alejandro Palomas | Dirección Mario Gas
A 25,00 € B 25,00 € C 25,00 € D 15,00 y 10,00 € PMR B 25,00 € PMR D 15,00 €
ABONO GENERAL PROGRAMACIÓN FEB-JUN23
Lucía Lacarra & Matthew Golding (S,11 Feb) | ‘Los santos inocentes’ (V, 17 Feb) | Orquesta Sinfónica de Amberes (V, 24 Feb) | ‘¡Ay, Carmela!’ (V, 3 Mar) | ‘Electra’ (V, 10 Mar) | Britten Sinfonia (J, 16 Mar) | ‘Eterno’ (S, 18 Mar) | Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (S, 15 Abr) | ‘La Celestina’ (V, 21 Abr) | ‘The Infernal comedy’ (S, 29 Abr) | ‘Doña Francisquita’ (V, 12 May) | ‘Ballet Nacional de Cuba’ (V, 19 May) | Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (S, 27 May) | ‘Ladies Football Club‘ (V, 2 Jun) | ‘La isla del aire’ (V, 9 Jun)
Precios Zona: A 289,10 € | B 299,60 € | C 290,50 €
ABONO MUSICA CLÁSICA PROGRAMACIÓN FEB-JUN23
Orquesta Sinfónica de Amberes (V, 24 Feb) | Britten Sinfonia (J, 16 Mar) | Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (S, 15 Abr) | Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (S, 27 May)
Precios Zona: A 97,75 € | B 102,00 € | C 99,45 €
ABONO TEATRO PROGRAMACIÓN FEB-JUN23
‘Los santos inocentes’ (S, 18 Feb) | ‘¡Ay, Carmela!’ (S, 4 Mar) | ‘Electra’ (V, 10 Mar) | ‘La Celestina’ (S, 22 Abr) | ‘Ladies Football Club‘ (S, 3 Jun) | ‘La isla del aire’ (S, 10 Jun)
Precios Zona: A 127,50 € | B 127,50 € | C 127,50 €
ABONO DANZA FEB-JUN23
Lucía Lacarra & Matthew Golding (S,11 Feb) | ‘Eterno’ (S, 18 Mar) | ‘Ballet Nacional de Cuba’ (V, 19 May)
Precios Zona: A 70,55 € | B 74,80 € | C 73,10 €
ABONO MIÉRCOLES ÍNTIMOS FEB-JUN23
‘Decadencia’ (X, 22 Feb) | ‘‘Miércoles que parecen jueves’ (X, 29 mar) | Abre el ojo’ (X, 12 Abr) | ‘Don Quijote somos todos’ (X, 26 Abr) | ‘Anónimo’ (X, 17 May)
Precios Zona: 76,50 €
OPCIONALES ABONO GENERAL Y CICLO (MISMO DESCUENTO)
En función disponibilidad, resto de espectáculos de la programación de la temporada. En los espectáculos con más de una sesión las localidades para los abonos generales serán para el primer pase y las del segundo pase para los abonos de ciclo.
NO DESCUENTOS
Dani Martínez | Espectáculos El Palacio con los niños
CALENDARIO VENTA DE ABONOS Y LOCALIDADES
Abonos generales Martes 17, miércoles 18, jueves 19 y viernes 20 de enero de 2023
Abonos ciclo Sábado 21, martes 24, miércoles 25 y jueves 26 de enero de 2023
Amigos del Palacio & PMR Viernes 27 y sábado 28 de enero de 2023
Público general A partir del martes 31 de enero de 2023
TEATRO
Viernes 17 y sábado 18 de febrero. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro
‘Los santos inocentes’ de Miguel Delibes
Adaptación Fernando Marías y Javier Hernández-Simón | Dirección Javier Hernández-Simón
Con Javier Gutiérrez, Yune Nogueiras, José Fernández, Pepa Pedroche, Marta Gómez, Raquel Varela, Fernando Huesca, Luis Bermejo y Jacobo Dicenta
Escenografía / diseño de cartel: Ricardo S. Cuerda
Diseño de iluminación: Juan Gómez-Cornejo / Ion Anibal
Música y espacio sonoro: Álvaro Renedo
Diseño de vestuario: Elda Noriega
Duración: 110 min. Sin descanso
‘Los santos inocentes’ de Miguel Delibes se nos presenta como un espejo en el que mirarnos. Como sociedad. Como individuos. Y como todos los espejos, nos devuelve el reflejo de nuestro pasado para que podamos explicar nuestro presente. La imagen a la que nos enfrenta es cruda, bella, salvaje… pero sobre todo profundamente humana. ‘Los santos inocentes’ es una de las grandes novelas del siglo XX y su envergadura se agiganta ante el reto de transformarla en teatro.
Delibes crea un universo tan sólido y veraz que a veces parece trascender a su autor. Habitan ahí personajes extraordinarios que surgen de una mirada lúcida e inmisericorde sobre la España de una época, que es también mirada sobre el ser humano, sobre el mundo y, sin duda lo principal, sobre la España de hoy. Delibes no muestra en su novela circunstancias y personajes que fueron y ya no son. Al contrario, advierte que esas circunstancias y esos personajes nunca se acabaron de ir, siguen estando ahí, aunque sea con otras formas, aguardando la oportunidad de retornar con nueva fuerza.
Hemos visto en Azarías rastros de héroe anómalo, un silencioso corazón grande en Régula, una mirada llena de dignidad y de esperanza en Nieves, la maldad impune de Iván, que todo lo daña y todo lo quiere dañar. Paco, con su resignación férrea, es acaso el personaje de ‘Los santos inocentes’ que más nos concierne. Paco, el Bajo es la pregunta y cada uno de nosotros es la respuesta.
Viernes 3 y sábado 4 de marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro
‘¡Ay, Carmela!’ de José Sanchís Sinisterra
Dirección José Carlos Plaza
Con María Adánez y Pepón Nieto
Asistentes de dirección: Steven Lance Ernst, Álvaro Pérez, Bruno López-Linares
Ayudante de dirección: Rocío Vidal
Fotografía: Marcos GPunto
Coreografía y voz: Ana Cristina Mata
Música: Víctor Elías y Javier Vaquero
Diseño vestuario: Gabriela Salaverri
Escenografía e iluminación: Javier Ruiz de Alegría
Imprenta y diseño gráfico: Gráficas Isasa
Transporte: Transportes Castillo
Peluquería: Marta García
Realización vestuario: Paloma de Alba
Tinte y ambientación: Taller María Calderón
Realización decorados: Zvonimir Ostoic
Sastrería: Luis Delgado
Sonido: Juanjo Cañadas
Maquinaria y regiduría: Kike Hernando
Iluminación: Eva Sáez
Dirección técnica: Celso José Hernando
Gerencia: José Casero
Productores: Celestino Aranda y Jesús Cimarro
Una producción de Producciones Faraute y Pentación Espectáculos
Duración: 100 min. Sin descanso
Carmela vuelve una y otra vez. Vuelve su recuerdo contra el olvido. La evocamos para que su espíritu no se pierda en el cómodo mundo de la indiferencia. Vuelve a alertarnos, a gritarnos con su presencia que el huevo de la serpiente, que siempre ha estado ahí, se está rompiendo.
Nuestro sueño de un mundo de tolerancia, de comprensión, de permisividad hacia lo diferente, de igualdad, de solidaridad, de justicia social se va resquebrajando y el mundo fascista de intransigencia, terquedad, obstinación, testarudez avanza tan incompresible como imparablemente. Carmela es nuestra memoria y nuestra culpa como lo es de “El Paulino”, el “cagón”. ¿A quién nos recordará?
Pero ahí está Carmela con su verdad, su vitalismo, su pasión y su valentía. Carmela, ejemplo de amor hacía la vida y hacia los demás, valores que están dentro del alma de las buenas personas. Carmela, reivindicación de la bondad tan denostada en estos días.
Carmela es divertida, brillante y descarada. Pura raíz, pura sangre. No piensa mucho, convive con los que la rodean, siente y padece. Un ser sin cultura, sin sofisticaciones, sin prejuicios que es carne viva, sensible al dolor de los demás.
Y Carmela se sacrifica porque no puede vivir en un mundo podrido. “Pobre país que necesita héroes”.
Y nosotros cogemos aire con la mayor alegría y profundidad posibles para volver a suspirar ¡Ay, Carmela!
Viernes 10 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Teatro
‘Electra’ de Benito Pérez Galdós
Dirección Ferrán Madico
Con Clara Chacón, Jorge Yumar, Rebeca Sala, Sergio Otegui, Antonio Valero, Ciro Miró, Jon Rod, Bernat Muñoz, Blanca Rodríguez, Adriana Ubani, José Luis de Madariaga, Sofía M. Privitera Sombra y Marta Gómez
Dirección y producción ejecutiva: Dania Dévora
Ayudante de dirección de escena: Bernat Muñoz
Coreografía original: Sol Picó
Repetidora de coreografía: Marta Gómez
Escenografía: Alfonso Barajas
Ayudante escenografía-montaje: Mónica Boromello/Julio Vicente
Diseño de iluminación: Juan Gómez Cornejo
Iluminación: Ion Anibal
Vestuario: María Mía (María González)
Diseño de video: Álvaro Luna
Vídeo escenista: Bruno Praena
Música original y espacio sonoro: Óscar Roig
Duración: 110 min. Sin descanso
La protagonista del drama, Electra, es una joven de dieciocho años de padre desconocido, que tras la muerte de su madre Eleuteria fue acogida por su tía Evarista y su marido, don Urbano. Electra conoce al sobrino de Evarista, Máximo (un científico modelo y perfecto, liberal y viudo con dos niños pequeños), y se enamora de él.
Electra le confía sus sentimientos a don Salvador de Pantoja quien le revela que Máximo y ella son hijos de Eleuteria y, por lo tanto, hermanos. En cambio, omite que también podría ser su hija ya que mantuvo relaciones con su madre y le aconseja que se recluya en un convento. Allí se le aparecerá la madre para decirle que los rumores que la atormentan son falsos y que no hay inconveniente para su amor por Máximo.
Al final, triunfará el amor sobre el fanatismo, la verdad sobre la mentira, la luz sobre el oscurantismo. En definitiva, el pensamiento liberal sobre el conservador.
Viernes 21 y sábado 22 de abril. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro | Estreno
‘La Celestina’ de Fernando de Rojas
Versión Eduardo Galán | Dirección Antonio Castro Guijosa
Con Anabel Alonso, José Saiz, Victor Sainz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos y David Huerta
Escenografía y vestuario: Mónica Teijeiro
Diseño de luces: José Manuel Guerra
Música original y diseño de sonido: Julio Awad
Una producción de Secuencia 3 | Pentación | Focus | Saga Producciones
Duración: 100 min. Sin descanso
‘La Celestina’ constituye, junto a ‘Don Quijote’ y ‘Don Juan’, uno de los tres grandes mitos universales que ha creado la literatura española. Fernando de Rojas la escribió a finales del siglo XV con la intención de que fuera leída por el público universitario y culto de su época, no para ser representada. La representación del texto completo supera los cuatros horas de duración, experiencia escénica que se ha llevado a cabo en alguna ocasión.
‘La Celestina’ pertenece al denominado género de la comedia humanística que, a finales de la Edad Media, se cultivó en el sur de Europa a imitación de la comedia latina que dio lugar al género, con la intención de mostrar una relación de amores ilícitos condenados al fracaso. De esta tradición culta, Fernando de Rojas tomó las extensísimas citas y referencias literarias que contiene el texto, así como los largos parlamentos de los personajes, las enumeraciones constantes, el retoricismo verbal lujosísimo y el estilo latinizante de la sintaxis del texto. Junto a este estilo culto, la famosa tragicomedia de Calixto y Melibea incorpora un lenguaje popular, propio de los orígenes de la comedia y que caracteriza el habla de Celestina, los criados y las putas Elicia y Areúsa. El refrán es el medio propio del habla popular reflejado en la obra de Fernando de Rojas.
Por todo ello, ‘La Celestina’ supone un homenaje a la cuna del castellano, a la explosión literaria de una lengua vernácula medieval que, con esta obra, adquiría mayoría de edad.
Comedia y tragedia. Personajes populares y personajes cultos. Señores y criados. El fin de la Edad Media y el florecer del Renacimiento. La llegada del mundo urbano, en donde los trabajos deben pagarse. El amor y el dinero como motores del mundo, ideas de Aristóteles, reflejadas ya por El Arcipreste de Hita en su ‘Libro de Buen Amor’, que se convierten en protagonistas de ‘La Celestina’.
Eduardo Galán
Viernes 2 y sábado 3 de junio. Sala Pereda. 19:30 h
Teatro
‘Ladies Football Club’ de Stefano Massini
Dirección y adaptación Sergio Peris-Mencheta
Con Alicia González, Ana Rayo, Andrea Guasch, Belén González, Carla Hidalgo, Diana Palazón, Irene Maquieira, María Pascual, Noemí Arribas y Nur Levi | COVER Xenia Reguant
Traducción: Ignacio Rengel
Dirección musical: Joan Miquel Perez
Dirección vocal y arreglos vocales: Ferrán González
Diseño de escenografía: Alessio Meloni (AAPEE) Diseño de iluminación: David Picazo
Diseño de vestuario: Elda Noriega (AAPEE) Atrezzista Eva Ramón
Coreografía: Amaya Galeote
Ayudante de dirección: Óscar Martínez-Gil
Producción ejecutiva: Barco Pirata
Dirección de producción: Nuria – Cruz Moreno
Adjunto dirección de producción: Fabián Ojeda Villafuerte
Ayudante de producción y regiduría: Blanca Serrano
Administración: Henar Hernández
Dirección técnica: Braulio Blanca
Maestro clown: Nestor Muzo
Experto en dinámicas familiares: Joan Garriga
Trabajo con balón: Almudena Cid
Fotografía: Sergio Parra
Diseño gráfico: Eva Ramón
Jefa de prensa: María Díaz
Distribución: Fran Ávila Producción y Distribución
Agradecimientos:
Compañía Nacional de Teatro Clásico, Teatro Español
Una producción de Barco Pirata
Duración: 135 min. Sin descanso
Abril de 1917. Las trabajadoras de Doyle & Walker Ammunition de Sheffield están comiendo sándwiches en el patio de la fábrica. Sus maridos, hermanos, padres están en el frente y por esa razón son las mujeres las que ahora trabajan en la fábrica que provee al ejército de armamento. Pero ese día, al encontrar una pelota abandonada en el patio, Rosalyn, Violet, Olivia y las demás comienzan a jugar.
Con el tiempo afinan la técnica y alguien les propone jugar una “liga de verdad”. A falta de campeonatos masculinos, el fútbol femenino de esos años tendrá su primera temporada dorada y se ganará el cariño del público. Será, sin embargo, menos bienvenido por las instituciones del fútbol masculino que, una vez que termine la guerra, harán todo lo posible para que las mujeres “vuelvan a ocupar su lugar”. La obra está inspirada en la historia real de los primeros equipos de fútbol femenino en el Reino Unido.
Viernes 9 y sábado 10 de junio. Sala Argenta. 19:30 h
Teatro
‘La isla del aire’ de Alejandro Palomas
Dirección Mario Gas
Con Núria Espert, Vicky Peña, resto del reparto en curso
Márqueting y comunicación: Focus
Diseño gráfico: Santi&Kco
Distribución: Focus
Una producción de Teatre Romea
Duración: 100 min. Sin descanso
En Menorca, una familia de cinco mujeres, guiadas por la vieja Mencía (la matriarca de la familia), se adentran en un viaje en barca a la Isla del Aire. La muerte de Helena, la nieta mayor de Mencía, está muy presente en la mente de la familia y, durante esta excursión, Mencía obligará a sus hijas y nietas a enfrentarse a la verdad y a los secretos que ocultan.
MÚSICA CLÁSICA
Viernes 24 de febrero. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Orquesta Sinfónica de Amberes
Pablo Ferrández violonchelo
Elim Chan directora
Programa:
Parte I
- Glinka Ruslán y Ludmila, obertura
(1804 – 1857)
- I. Chaikovski Variaciones rococó para violonchelo op.33
(1840 – 1893) Moderato assai quasi Andante – Thema: Moderato semplice
Var. I: Tempo della Thema
Var. II: Tempor della Thema
Var. III: Andante sostenuto
Var. IV: Andante grazioso
Var. V: Allegro moderato
Var. VI Andante
Var. VII en Coda: Allegro vivo
Parte II
- Rachmaninov Sinfonía núm. 2, op. 27
(1873 – 1943) Largo – Allegro moderato | Allegro molto | Adagio | Allegro vivace
Duración: Parte I (25 min). Descanso. Parte II (60 min)
La Orquesta Sinfónica de Amberes es la orquesta sinfónica de Flandes y tiene su sede en la Sala Reina Elisabeth de Amberes. Bajo el liderazgo de su directora titular, Elim Chan, y su director honorífico, Philippe Herreweghe, la orquesta avanza e inspira un gran público muy diverso con la experimentación de conciertos de primerísimo nivel.
Gracias a su propio ciclo de conciertos en grandes salas, la Orquesta Sinfónica de Amberes ocupa una posición única en Flandes. Esta orquesta ha sido invitada a tocar en algunas de las principales salas de conciertos del mundo, entre las que cabe destacar el Musikverein y el Konzerthaus de Viena, el Festspielhaus de Salzburgo, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Suntory Hall y el Bunka Kaikan Hall de Tokio, las Filarmónicas de Colonia y Múnich, el Palacio de Arte de Budapest y el Gran Teatro Nacional de Pekín. Las giras internacionales de conciertos por Europa y Asia son una constante en su calendario anual.
Además de sus conciertos permanentes, la orquesta concede un gran valor al perfeccionamiento y desarrollo de proyectos educativos y sociales, ofreciendo a los niños, a los jóvenes y a las personas de diferentes orígenes sociales la oportunidad de conocer lo que es una orquesta sinfónica desde cerca.
La Orquesta Sinfónica de Amberes colabora con los principales sellos discográficos de música clásica y varios de sus CDs han sido aclamados por la prensa especializada. La orquesta también tiene su propio sello, centrado en la grabación del principal repertorio orquestal, los compositores belgas y la música contemporánea.
Pablo Ferrández, violonchelo.
Premiado en el XV Concurso Internacional Chaikovski y Premio Princesa de Girona 2018, Pablo Ferrández es artista exclusivo de SONY Classical y su primer álbum en solitario ‘Reflections’, fue aclamado por la crítica y galardonado con el prestigioso Opus Klassik Award 2021.
En otoño de 2022 publica su segundo álbum, que incluye el Doble Concierto de Brahms, con Anne-Sophie Mutter y la Filarmónica Checa/Manfred Honeck, y el trío para piano de Clara Schumann, con Anne-Sophie Mutter y Lambert Orkis.
Recientemente ha actuado con Los Angeles Philharmonic, la Filarmónica Checa, la Orquesta de Santa Cecilia de Roma, la Filarmónica de Seúl, la Royal Philharmonic, la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, London Philharmonic, Academy of St Martin in the Fields, Israel Philharmonic, Filarmónica de Rotterdam, Sinfónica de Barcelona y ha sido artista residente en la Filarmónica Arturo Toscanini, la Sinfónica de Tenerife y la Orquesta de Valencia.
En la temporada 22/23 regresa al Hollywood Bowl con Los Angeles Philharmonic, debuta en el Festival de Salzburgo con la Sinfónica de la Radio de Viena (ORF), dará una gira europea con Anne-Sophie Mutter y London Philharmonic, una gira española con la Sinfónica de Amberes/Elim Chan, regresa con la Orquesta de Santa Cecilia de Roma/Gatti, Konzerthaus Orchester/Poga, Baltimore Symphony/Ryan y debuta con la Filarmonica della Scala/Chailly, la Filarmónica de Oslo y V. Petrenko, la Tonkuenstler Orchestra/Trevino, la Indianapolis Symphony/Gonzalez-Granados y la NDR Elbphilharmonie /Yashima. Actuará en recital en el Carnegie Hall, Wigmore Hall, Koln Philharmonie, Berlin Philharmonie, Palau de la Música Catalana, Sociedad Filarmónica de Bilbao, en los festivales de Schloss-Elmau y Sion y será artista residente de la BBC Scottish Symphony Orchestra.
Como recitalista y músico de cámara colabora frecuentemente con artistas de la talla de Anne-Sophie Mutter, Janine Jansen, Vadim Repin, Martha Argerich, Denis Kozhukhin, Gidon Kremer, Yuja Wang, Nikolai Lugansky, Beatrice Rana, Maxim Rysanov, Alice Sara Ott, Elena Bashkirova, Luis del Valle y Sara Ferrández.
Nacido en Madrid en 1991, en el seno de una familia de músicos, a los 13 años ingresó en la Escuela Superior de Música Reina Sofía para estudiar con Natalia Shakhovskaya. Tras ello completa sus estudios en la Academia Kronberg con Frans Helmerson gracias a la Fundación Casals y Juventudes Musicales de Madrid y se convierte en becario de la Fundación Anne-Sophie Mutter.
Toca el Stradivarius ‘Lord Aylesford’ (1696) gracias a la Nippon Music Foundation y el Stradivarius ‘Archinto’ 1689, gracias a la generosa cesión de por vida de un miembro de la Stretton Society.
Elim Chan, directora.
Es una directora de las más solicitadas de su generación y ampliamente admirada por su combinación única de “dramatismo y ternura, poder y delicadeza” (Hereford Times). Elim Chan se convirtió en la primera mujer ganadora del concurso de dirección Donatella Flick y ha sido nombrada directora titular de la Orquesta Sinfónica de Amberes desde la temporada 2019/20. Además, ocupa el cargo de principal directora invitada de la Royal Scottish National Orchestra desde la temporada 2018/2019.
Su temporada 2021/2022 comenzó con una aparición en el Festival Internacional de Edimburgo, a la que siguieron los debuts con las orquestas sinfónicas de Basilea, Boston y St. Louis, la Joven Orquesta de la Unión Europea, la Mahler Chamber Orchestra, la ORF Radio-Symphonieorchester Wien, la Orchestre National de Lyon y la Junge Deutsche Philharmonie. Además, volverá a las orquestas con las que está estrechamente vinculada, entre ellas, la Philharmonia Orchestra, la Los Ángeles Philharmonic y la Gürzenichorchester de Colonia.
Entre sus compromisos más recientes se encuentran la Orquesta Nacional de Lille, la Orquesta Sinfónica de Barcelona, la Sinfónica de Castilla y León, la Konzerthausorchester Berlin, la Sinfónica de Gotemburgo y la Filarmónica de los Países Bajos, la Real Filarmónica de Estocolmo y la City of Birmingham Symphony Orchestra.
Elim Chan se convirtió en directora asistente de London Symphony en 2015/16 y fue nombrada para el programa Dudamel Fellowship con Los Angeles Philharmonic en la temporada siguiente. Anteriormente dirigió l’Orchestre de la Francophonie en el NAC Musical Institute de Verano 2012, donde colaboró con Pinchas Zukerman y participó en el Festival Musical Olympus de San Petersburgo, así como en talleres con las orquestas del Festival de Cabrillo y la Baltimore Symphony (con Marin Alsop, Gerard Schwarz y Gustav Meier). También participó en clases magistrales con Bernard Haitink en Lucerna en la primavera de 2015.
Elim Chan es licenciada por el Smith College y la Universidad de Michigan. Durante su estancia fue directora titular de la University of Michigan Campus Symphony Orchestra y de la Michigan Pops Orchestra. También recibió la beca de dirección Bruno Walter en 2013.
Jueves 16 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Britten Sinfonia
Elizabeth Watts soprano
Clio Gould directora y violín
Programa:
Parte I
- Shostakovich Dos piezas para octeto de cuerda, Op. 11
(1906-1975) Preludio en re menor
Adagio
Scherzo en sol menor
Allegro molto | Moderato | Allegro
- Britten Les Illuminations (Las iluminaciones), Op. 18
(1913-1976) Para soprano y orquesta de cuerda
Elizabeth Watts Soprano
- Fanfare
- Villes
3a and 3b. Phrase and Antique
- Royauté
- Marine
- Interlude
- Being beauteous
- Parade
- Départ
Parte II
- Stravinsky Concierto en Re
(1882-1971) Vivace | Arioso: Andantino | Rondo: Allegro
- Shostakovich Sinfonía de Cámara Op.110a
(1906-1975) Largo | Allegro Molto | Allegretto | Largo | Largo
Duración: Parte I (35 min). Descanso. Parte II (35 min)
Britten Sinfonia surgió en 1992 como una audaz reinvención de la imagen convencional de una orquesta de cámara. Un conjunto flexible compuesto por los principales solistas del Reino Unido se unió con una visión: colapsar los límites entre la música antigua y la nueva, colaborar con compositores, directores y artistas invitados en todas las artes, centrándose en los músicos en lugar de seguir la visión de un director principal, y crear eventos musicales inteligentes y envolventes que el público y los artistas experimenten con una intensidad inusual. Nombrada en honor a Benjamin Britten, Britten Sinfonia tiene su sede en el este de Inglaterra, donde las raíces de Britten eran fuertes.
Hoy, Britten Sinfonia es presentada como una de las agrupaciones líderes en el mundo y su filosofía de aventura y reinvención ha inspirado un nuevo movimiento en grupos de cámara. Orquesta residente en Saffron Hall, orquesta asociada en Barbican, con residencias en Norwich y Cambridge, Britten Sinfonia también tiene una serie en el Wigmore Hall de Londres y aparece en festivales del Reino Unido, como BBC Proms, Aldeburgh y Norfolk & Norwich Festival. La orquesta viaja regularmente por todo el mundo y ha realizado una transmisión en vivo para un millón de personas en todo el mundo desde la Capilla Sixtina, ha realizado giras por los Estados Unidos, Asia y toda Europa.
Elizabeth Watts, soprano.
Con una voz descrita por International Record Review como “una de las más bellas que ha tenido Gran Bretaña en una generación”, Elizabeth Watts estudió arqueología en la Universidad de Sheffield y canto en el Royal College of Music. Los aspectos más destacados de esta temporada incluyen Garsington Garsington Opera, Wigmore Hall, BBC Scottish Symphony Orchestra, Orchestre de la Suisse Romande, Royal Philharmonic Orchestra and Vasily Petrenko, Residentie Orkest and Jun Märkl and Orchestre de Chambre de Lausanne and Christian Zacharias.
Anteriormente ha colaborado en Mahler con Robin Ticciati y Rossini con Gustavo Gimeno y la Orquesta Filarmónica de Londres, Mozart con la Orquesta Filarmónica Barroca y Richard Egarr y Britten Spring Symphony y Ravel L’enfant et les sortilèges con la Orquesta Sinfónica de Londres y Sir Simon Rattle.
Entre los papeles de ópera cabe destacar su interpretación de la condesa Le nozze di Figaro, Doña Elvira Don Giovanni, Fiordiligi Così fan tutte, Almirena Handel Rinaldo y Marzelline Fidelio con la Welsh National Opera, Glyndebourne, Ópera Nacional Inglesa y Royal Opera House, Covent Garden.
Entre sus grabaciones cabe destacar Schubert y Strauss Lieder, Mozart con la Orquesta de Cámara Escocesa, Scarlatti con The English Concert y Handel con la Academy of Ancient Music.
Elizabeth Watts ganó el premio Rosenblatt Recital Song de 2007 en el concurso BBC Cardiff Singer of the World y el premio Kathleen Ferrier de 2006. Ha sido artista de nueva generación de BBC Radio 3 y recibió un premio Borletti-Buitoni Trust en 2011.
Clio Gould, directora y concertino.
Disfruta un carrera ecléctica como violinista actúando como solista, músico de cámara, directora y concertino a nivel internacional y en el Reino Unido. Ha ocupado puestos importantes y de larga duración como concertino de la Royal Philharmonic Orchestra, violín principal de la London Sinfonietta y directora artística del Scottish Ensemble, dirigiendo desde el violín.
Clio Gould ha actuado como concertista solista con la mayoría de las principales orquestas del Reino Unido, cubriendo un amplio repertorio. Conocida como una de las principales intérpretes británicas de música contemporánea para violín, ha tenido la oportunidad de trabajar con muchos de los principales compositores de la actualidad.
Entre sus apariciones más destacadas, incluyen actuaciones en el Royal Festival Hall de la obra épica de Pierre Boulez para violín solo y electrónica en vivo ‘Anthèmes 2’ para las celebraciones del 85 cumpleaños del compositor. También ha trabajado en estrecha colaboración con Oliver Knussen, ofreciendo muchos conciertos en Suecia, Japón, Finlandia y Hungría en los que interpreta el concierto para violín de Knussen, dirigido por el mismo compositor. En el Reino Unido estrena esta obra en el Festival de Aldeburgh con la Orquesta Sinfónica de la BBC.
Clio Gould tiene el honor de tocar el Rutson Stradivarius de 1694 que le ha sido generosamente prestado por la Royal Academy of Music. Ella enseña allí y dirige a los solistas de la Real Academia de Sainsbury, en la que ha sido galardonada como miembro de honor.
Sábado 15 de abril. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM)
Josep Vila i Casañas director del coro
Marzena Diakun directora
Programa:
Parte I
- Brahms Canción del Destino op. 54
(1833-1897) Adagio: Ihr wandelt droben im Licht | Allegro: Doch uns ist gegeben | Adagio: Postludio orquestal
- Brahms Canto de las Parcas op.89
(1833-1897)
Parte II
- Bruckner Sinfonía núm. 4
(1824-1896) Bewegt, nicht zu schnell | Andante, quasi allegretto | Scherzo. Bewegt – Trio: Nicht zu schnell | Finale: Bewegt, doch nicht zu schnell
Duración: Parte I ( 30 min). Descanso. Parte II (65 min)
Surgida en 1987 gracias al apoyo de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) desarrolla su actividad a través de distintas iniciativas, proyectos y ciclos artísticos en diferentes sedes e instituciones.
Destaca durante la temporada regular su ciclo sinfónico-coral en el Auditorio Nacional de Música, siendo también habitual su presencia en la Fundación Canal, los Teatros del Canal y el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, además de en festivales nacionales y distintos eventos en la Comunidad de Madrid. Asimismo, la ORCAM es orquesta titular desde hace más de 20 años en el Teatro de la Zarzuela, haciendo de este género su sello identitario, entre otro repertorio. Además, es miembro de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS).
Fuera de nuestras fronteras también ha actuado en algunos de los teatros más relevantes del mundo de la música clásica, como el Carnegie Hall de Nueva York, el teatro La Fenice de Venecia, el Lingotto de Turín, el Arsenal de Metz y la Konzerthaus de Berlín, así como en festivales latinoamericanos y asiáticos.
Desde septiembre de 2021 la maestra polaca Marzena Diakun es su directora artística y titular, tras el paso de Miguel Groba (1987-2000) –actual director emérito–, José Ramón Encinar (2000-2013) –presente director honorario– y Víctor Pablo Pérez (2013-2021).
Entre el nutrido número de directores invitados con los que ha colaborado la ORCAM destacan nombres como los de Michel Corboz, Lorin Maazel, Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Leopold Hager, Krzysztof Penderecki, Alberto Zedda, Jesús López Cobos o Cristóbal Halffter. Además, hay que añadir los de solistas como Aldo Ciccolini, Shlomo Mintz, Jennifer Larmore, Hansjörg Schellenberger, Michael Volle, Nikolái Lugansky, Benjamin Schmidt o Dietrich Henschel. Igualmente, la ORCAM ha realizado grabaciones para algunos de los sellos discográficos más destacados, como EMI, Deutsche Grammophon, Stradivarius o Decca.
Reconocido como uno de los mejores y más dinámicos coros españoles, el Coro de la Comunidad de Madrid se ha distinguido desde su creación en 1984, por iniciativa de la entonces Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid, por la versatilidad de sus actividades, que abarcan tanto conciertos a capela y con orquesta, como una participación constante en la escena lírica y en los estudios de grabación. El prestigio creciente de la formación ha impulsado su presencia en los más importantes escenarios españoles y en muchos otros extranjeros donde la crítica ha destacado siempre la “cuidada calidad de sus voces y el calibrado empaste del conjunto”. Alemania, Bélgica, Francia, Polonia, China, Japón, Marruecos, México y Yugoslavia han sido algunos de los países testigos de sus actuaciones.
La impronta del Coro de la Comunidad de Madrid fue establecida desde sus comienzos por su primer director, Miguel Groba, que consolidó el conjunto y estableció ya la solidez de su prestigio. Desde el año 2000 hasta 2011 Jordi Casas Bayer continuó esta labor y amplió el repertorio, que hoy se extiende desde la polifonía y el Renacimiento hasta nuestros días. En su haber destaca el estreno absoluto de numerosas obras de compositores como Román Alís, Alfredo Aracil, Antón García Abril, Cristóbal Halffter, Carmelo Bernaola, Tomás Marco, Ángel Oliver, Claudio Prieto, José Luis Turina o Luis de Pablo. Desde septiembre de 2022 Josep Vila i Casañas es su nuevo director artístico.
En el ámbito del repertorio sinfónico coral ha colaborado, además de con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, con orquestas como la Sinfónica de Madrid, la de Radio Televisión Española, la Nacional de España, la Sinfónica de Galicia, la Ciudad de Granada, la de Córdoba, la de Brasil, la Joven de la República Federal de Alemania, la Orquesta Nacional Rusa, la Bach Akademie, así como la Mahler Chamber Orchestra y el Coro Arnold Schoenberg.
En el apartado escénico destacan sus colaboraciones en el Teatro Real, donde ha participado en coproducciones como ‘Fidelio’, bajo la dirección de Claudio Abbado. Es de destacar su presencia en los Teatros del Canal (Viva Madrid) y en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial (‘Carmen’, ‘Tosca’, ‘El barbero de Sevilla’, ‘La flauta mágica’).
Josep Vila i Casañas (Sabadell, 1966) es uno de los directores de coro más reconocidos del panorama musical español. Desde septiembre de 2022 ocupa el cargo de director titular del Coro de la Comunidad de Madrid, formación en la que ejerció con anterioridad el puesto de director asociado.
Su especialidad es el repertorio a capela, así como la literatura sinfónico-coral de todas las épocas. Desde 2005 es profesor de dirección de coro en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) e imparte clases magistrales en diversos países.
En paralelo colabora como director invitado con formaciones como el Coro de la Radio del Centro de Alemania (MDR), el Coro de la Radio Sueca, el Coro de Radio France, el Coro Filarmónico de Eslovenia y el Coro Estatal de Turquía. En dos ocasiones ha dirigido el Coro Mundial de Jóvenes (2010 y 2019).
Ha sido director titular del Orfeó Català (1998-2016), del Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana (2011-2016), del Cor Lieder Càmera (1990-2006 y 2017-2022) y del Coro de Radiotelevisión Española (2007- 2010). Ha realizado grabaciones discográficas para los sellos Columna Música, La Mà de Guido, Ars Harmonica, Solfa Recordings, Anacrusi, TVC Disc y RTVE.
Su faceta de director preparador le ha permitido trabajar al lado de algunas de las mejores batutas del mundo entre las que destacan Daniel Barenboim, Daniele Gatti, Simon Rattle, Gustavo Dudamel, Marc Minkowski, Jean-Christophe Spinosi, René Jacobs, Lorin Maazel, Helmuth Rilling, Franz Brüggen, Victor Pablo Pérez, Jesús López Cobos y Salvador Mas.
Como compositor se dedica principalmente a la música vocal-instrumental y es autor de un amplio catálogo de obras para coros infantiles y juveniles, coro mixto a capela y para coro y orquesta. Entre sus obras más interpretadas en todo el mundo destacan ‘Sanctus-Benedictus’ (1992) y ‘Salve Regina’ (2001). Otras obras más recientes son ‘Te Deum’ (2010), ‘Missa Sanctus Benedictus’ (2015), ‘Lau Haizetara’ (‘A los cuatro vientos’ 2018) y la ‘Missa Sagrada Familia’ (2019).
Marzena Diakun (Polonia, 1981) es desde septiembre de 2021 directora artística y titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. En 2005 finaliza con distinciones sus estudios de dirección bajo las órdenes de Mieczysław Gawronski en la Academia de Música Karol Lipiński de Wrocław, que completa con un posgrado en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena con Uroš Lajovic en 2006 y un doctorado en Artes Musicales por la Academia de Música de Cracovia en 2010. Entre sus mentores destacan nombres como Howard Griffiths, Colin Metters, Kurt Masur, Andrey Boreyko y Pierre Boulez.
En 2015 recibe la beca de dirección orquestal otorgada por la Orquesta Sinfónica de Boston y la beca Taki Concordia de Marin Alsop, alcanzando la fama internacional en París tras varios conciertos ofrecidos con la Orchestre Philharmonique de Radio France, agrupación con la que continúa colaborando regularmente.
Diakun es, además, una comprometida promotora de la música contemporánea. En 2016 estuvo a cargo del estreno de la ópera ‘Carretera perdida’ de Olga Neuwirth y también ha grabado ‘Heroínas polacas’, dedicada a compositoras polacas, con el sello PWM y la 10ª Sinfonía de Pierre Henry, registrada con la discográfica ALPHA.
Entre sus galardones se incluyen el segundo premio en el prestigioso 59º Certamen Primaveral de Directores de Praga, la Batuta de Plata en el 9º Certamen Internacional Fitelberg para Directores de Polonia (2012), el ‘Pasaporte Polityka’, Premio a la Mejor Artista de Música Clásica (2016) y la nominación al Premio a la Mejor Innovación Clásica (2019).
Sus compromisos la llevarán a colaborar durante temporada 22/23 con la Orchestra de la Suisse Romande de Ginebra, la BBC National Orchestra and Chorus of Wales, las orquestas nacionales de Metz y Bordeaux, la Orchestre Pasdeloup de Francia, la Nordwestdeutsche Philharmonie de Herford y las filarmónicas de Bremen y Stuttgart en Alemania.
Actualmente es también profesora titular en la Academia de Música Karol Lipiński de Wrocław, donde imparte clase de dirección desde 2013.
Sábado 27 de mayo. Sala Argenta. 19:30 h
Música clásica
Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (OSPA)
Alena Baeva violinista
Anna Rakitina directora
Programa:
Parte I
- de Falla Cancion de fuego fatuo” de El amor brujo
(1876-1946)
- Prokofiev Concierto violín núm. 1
(1891-1953) Andantino | Scherzo: Vivacissimo | Moderato
Parte II
- Prokofiev Sinfonía núm. 5
(1891-1953) Andante | Allegro marcato | Adagio | Allegro giocoso
Duración: Parte I (28 min). Descanso. Parte II (46 min)
La OSPA nace en 1991 bajo el auspicio del Gobierno del Principado de Asturias y con el objetivo prioritario de enriquecer musical y culturalmente la región. Su Majestad el Rey Felipe VI es su Presidente de Honor. Es un Organismo Autónomo de la Consejería de Cultura, Política Llingüística y Turismo, y pertenece a la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS).
Heredera de la antigua Orquesta Sinfónica Provincial, cuyos orígenes se remontan a 1939, y de la posterior Orquesta Sinfónica de Asturias, la OSPA es un referente dentro y fuera de Asturias por su versatilidad, su capacidad interpretativa y su calidad indiscutible.
La OSPA está compuesta por sesenta y nueve profesores de varios países de la Unión Europea, Rusia, Estados Unidos y Latinoamérica. Su actividad principal se articula en torno a las temporadas de conciertos que ofrece cada año en Oviedo y Gijón. Por ellas han pasado algunos de los solistas y directores más relevantes del panorama internacional, además de sus directores titulares, Jesse Levine, Maximiano Valdés y Rossen Milanov, quien asume en 2012 su titularidad, hasta 2019. En junio de 2022, Nuno Coelho fue nombrado Director titular y artístico de la OSPA.
Además de los conciertos de temporada, la OSPA es ya parte obligada y esperada en el concierto previo a la entrega de los Premios Princesa de Asturias o en el tradicional Concierto de Navidad, estos últimos en estrecha colaboración con el Coro de la Fundación Princesa de Asturias, sin olvidar también su importante participación en la temporada de Ópera de Oviedo.
La Orquesta desarrolla además en Asturias una intensa labor pedagógica y social que va ampliando horizontes año a año y que está re
cibiendo una gran acogida en todos los lugares en los que se presenta. Entre sus actividades más destacadas cabe señalar su colaboración con el Carnegie Hall en el programa Link Up!, que convierte a la Orquesta en la primera institución europea y de habla hispana en implementar dicho programa educativo en Europa.
Fuera del Principado, la Orquesta ha actuado en los auditorios y salas más importantes de la geografía española, ha colaborado con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y en convocatorias de verano tan relevantes como los festivales de Santander, de Música y Danza de Granada o de Música Contemporánea de Alicante, así como en la Semana de Música Religiosa de Cuenca o el Festival Musika-Música de Bilbao, al que es invitada asiduamente.
De sus giras internacionales hay que destacar la realizada en el año 1996 por México y Chile, donde volvería dos años más tarde. En 1998 participó también en el Festival Intercéltico de Lorient, en Francia. La OSPA regresó a México en 2007 con gran éxito de crítica y a finales de ese año viajó a China, dentro de las actividades del Año de España en este país. En noviembre de 2011 ofreció un concierto ante Su Santidad Benedicto XVI en la Sala Nervi del Vaticano, bajo el mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. Con este concierto extraordinario, la OSPA se convirtió en la primera sinfónica española de titularidad pública que ha actuado hasta el momento en dicha sala.
En junio de 2014 realizó una exitosa gira por Bulgaria donde obtuvo excelentes críticas, tanto en Sofia como en Varna.
La trayectoria discográfica de la OSPA se inició con obras de temática y de autores asturianos como Benito Lauret, Julián, Orbón o Ramón Prada.
Ha grabado también para sellos como Artek o Naxos; con este último ha cosechado excelentes críticas por sus grabaciones de música de Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo. En la temporada 2012-13 grabó, para Classic Concert Records, Petrouchka de Stravinsky y El sombrero de tres picos de Falla (primer CD de la serie Diaghilev y Los Ballets Rusos). En julio de 2015 salió a la luz la grabación realizada con el violinista Ning Feng de la obra Apasionado de Pablo Sarasate bajo el sello discográfico Channel Classics.
Con esta misma discográfica, y también con Ning Feng, en septiembre de 2019 se publica Virtuosismo.
La OSPA ha llevado a cabo la recuperación de títulos de nuestro patrimonio musical como Los amantes de Teruel o Covadonga, de Tomás Bretón; la zarzuela barroca de Sebastián Durón, Imposible mayor en amor, le vence amor, y ha reestrenado obras del sinfonismo español del siglo XIX de autores como Pedro Miguel Marqués, entre otros.
La carrera de Alena Baeva ha crecido a un ritmo extraordinario en las últimas temporadas. En la 2022/2023 y 2023/2024 debutará con la Alte Oper Frankfurt, Ensemble Resonanz, Göteborgs Symfoniker, Hong Kong Philharmonic Orchestra, Orchestre National de Lyon y Orchestre National du Capitole de Toulouse, y tocará de nuevo con la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Gävle Symfoniorkester, Orchestre National de Lille, Orquesta RTVE, Royal Philharmonic Orchestra y Tonkünstler-Orchester. Baeva tiene una relación artística muy estrecha con el Director Paavo Järvi, con quien tocará con la Orquesta del Festival de Estonia, la Orquesta Sinfónica NHK de Tokio y la Tonhalle-Orquesta de Zúrich. Lo mismo con el Director Vladimir Jurowski, con quien Baeva ha grabado y actuado en numerosas ocasiones, con la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Sinfónica Estatal Rusa de Moscú ‘Evgeny Svetlanov’. Baeva también toca con directores de renombre mundial, como Teodor Currentzis, Charles Dutoit, Marek Janowski y Tomás Netopil. La música de cámara siempre ha ocupado un lugar especial en su carrera.
Colabora con artistas como Martha Argerich, Yuri Bashmet, Steven Isserlis, Daishin Kashimoto, Misha Maisky, Lawrence Power, Julian Steckel y Yeol-Eum Son. Su compañero habitual de sonatas es el célebre pianista ucraniano Vadym Kholodenko (ganador de Van Cliburn 2013).
Baeva tiene un gran repertorio que incluye más de 40 conciertos para violín, interpretando también conciertos menos populares, de autores como Bacewicz, Karaev y Karłowicz. Disfruta de una relación frecuente con la Orquesta del Siglo XVIII, tocando y grabando una variedad de repertorio de época. Su grabación de 2022 (Wieniawski Concierto No.2) fue premiada como ‘Grabación del mes’ por BBC Music Magazine. Su discografía es extensa y refleja la impresionante amplitud de su repertorio, con grabaciones que van desde Szymanowski (para DUX), a Debussy, Poulenc y Prokofiev (para SIMC). Su interpretación en París del Concierto No.2 de Shostakovich forma parte de la colección de DVD Mariinsky Theatre/Valery Gergiev, editado por Arthaus Musik en 2015. En 2018, grabó el Concierto de Karłowicz con la Royal Philharmonic Orchestra (para NIFC), y el Concierto de Tchaikovsky con la London Philharmonic Orchestra/Vladimir Jurowski, para el sello LPO Live. En 2020 grabó el Concierto de Schumann y la versión original (1844) del Concierto en mi menor de Mendelssohn.
Nacida en Rusia en una familia musical, Baeva tomó sus primeras lecciones de violín a la edad de 5 años bajo la reconocida pedagoga Olga Danilova, antes de estudiar en Moscú con el profesor Eduard Grach en la Escuela Central de Música y en el Conservatorio Estatal Tchaikovsky. Amplió su educación musical en Francia con Mstislav Rostropovich, en Suiza con Seiji Ozawa, en Israel con Shlomo Mintz y en París con Boris Garlitsky. Con 16 años, Baeva ganó el Gran Premio en el Concurso Internacional Henryk Wieniawski (2001). Después ganó el Gran Premio en el Concurso Internacional Niccolò Paganini de Moscú (2004), incluyendo un Premio Especial que le permitió tocar con el Stradivarius Wieniawski de 1723 durante un año.
Fue galardonada con la Medalla de Oro y el Premio del Público en el Concurso Internacional de Sensai (2007). Alena Baeva toca con el «ex William Kroll» Guarnerius del Gesù de 1738, en generoso préstamo de un mecenas anónimo, con la ayuda de J&A Beares.
Anna Rakitina, directora.
“Anna ha sido nuestra Directora Asistente en la Orquesta Sinfónica de Boston desde 2019 y trabajó en estrecha colaboración conmigo y la Orquesta del Festival de Bayreuth en Bayreuth y de gira. Es una de las directoras jóvenes más talentosas y prometedoras que he conocido y su potencial es realmente extraordinario. Es un placer verla dirigir: sus expresiones son poderosas pero refinadas y provienen de una maestría musical muy profunda. Una de sus cualidades, entre otras, es su lado humano; su sensibilidad y profunda comprensión psicológica de nuestro trabajo.” –Andris Nelsons
Después de una serie de actuaciones muy aclamadas con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Filarmónica de Nueva York y la Orquesta Sinfónica de Boston en la temporada 2021/22, Anna Rakitina se ha establecido firmemente como una de las directoras más emocionantes y buscadas de la nueva generación. Sigue siendo directora asistente de la Orquesta Sinfónica de Boston (BSO) bajo la dirección musical de Andris Nelsons hasta el verano de 2023. Es solo la segunda mujer en la historia de la orquesta en ocupar este cargo y desde entonces se ha convertido en un miembro muy querido de la familia BSO.
En la temporada 2022/23 regresará al Festival de Música de Tanglewood, así como al Symphony Hall de Boston como parte de la temporada de abono de la Orquesta Sinfónica de Boston. Otros aspectos destacados de la temporada incluyen sus debuts con la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca, la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, la Orquesta de Tonkünstler en el Musikverein, la Orquesta Sinfónica de Yomiuri Nippon en el Suntory Hall, la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, la Orquesta Sinfónica de Baltimore, la Orquesta Sinfónica de Indianápolis, Musikkollegium. Winterthur, Nürnberger Symphoniker, NDR Radiophilharmonie (Hannover), Orchestre Philharmonique du Luxembourg y Orquestra Sinfónica do Casa da Musica Porto.
Después de haber trabajado recientemente con la Orquesta Sinfónica de Chicago y la Filarmónica de Nueva York, Anna Ratina dirigió anteriormente la Sinfónica de Vancouver, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, la Orquesta Nacional de Lille, la Orquesta Sinfónica de Malmö, la Sinfónica de Helsingborg. Orquesta, Västerås Sinfonie`a, Staatsorchester Darmstadt, Sinfonieorchester Biel Solothurn, Jenaer Philharmonie, Orquesta Sinfónica de Navarra, Orquesta Sinfónica de Tenerife y Orquesta Sinfónica Académica Estatal “Evgeny Svetlanov”.
Ganadora del segundo premio del Concurso Malko en 2018 y galardonada por ‘Deutscher Dirigentenpreis’ 2017 y TCO International Conducting Competition Taipei 2015. Fue Dudamel Fellow en 2019/20 de la Filarmónica de Los Ángeles y dirigió los conciertos juveniles de la orquesta en el Walt Disney Concert Hall, así como en los programas educativos y comunitarios de LA Phil como la Orquesta Juvenil de Los Ángeles (YOLA).
Nacida en Moscú de padre ucraniano y madre rusa, Rakitina creció en una familia de músicos y comenzó su educación como violinista antes de estudiar dirección en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú en la clase de Stanislav Diachenko. De 2016 a 2018 estudió dirección en Hamburgo, Alemania con el Prof. Ulrich Windfuhr. Fue finalista de ‘Das kritische Orchester’ en Berlín en 2018, participó en el programa de becas de conducción de la Lucerne Festival Academy dirigida por Alan Gilbert y Bernard Haitink, y asistió a clases magistrales con Gennadiy Rozhdestvensky, Vladimir Jurowski y Johannes Schlaefli. En 2022 participó en la clase magistral de conducción Ammodo del Concertgebouworkest dirigida por Fabio Luisi.
DANZA
Sábado 11 de febrero. Sala Argenta. 19:30 h
Danza
Lucía Lacarra & Matthew Golding | ‘In the still of the night’
Estreno 16 de octubre 2021 – Dortmund (Alemania)
Coreógrafo: Matthew Golding
Música de The Five Satins, Philip Glass, Ben E. King & The Drifters, Edith Piaf, Max Richter, The Righteous Brothers y The Ronettes
Video: Valeria Rebeck, The Black Cactus & Otto
Goldenlac Productions
Lucía Lacarra Premio MAX 2022 Mejor intérprete de danza por ‘In the still of the night’
Duración: 65 min. Sin descanso
Un viaje nocturno junto a las estrellas mundiales del ballet Lucía Lacarra y Matthew Golding, convertido en una sorprendente historia de amor y de suspense, en la que pasado y presente se dan la mano para iluminar los escondites emocionales de ambos protagonistas.
La danza más virtuosa y la visión cinematográfica se unen en ‘In the still of the night’ para trasladar al público a la década de los 60, gracias a una banda sonora con los grandes éxitos de la época y a un vestuario inspirado en la estética de aquella década. Una atmósfera que evoca clásicos del cine como ‘Grease’, ‘Dirty Dancing’ o ‘Ghost’.
Una historia de amor eterno que emocionará al espectador sentado en su butaca.
Lucía Lacarra, bailarina.
Nacida en la localidad guipuzcoana de Zumaia, Lucía Lacarra debutó como profesional en el Ballet de Víctor Ullate a la edad de quince años. Bailarina principal de los ballets de Marsella, San Francisco, la Ópera de Múnich y Dortmund, Lacarra ha cosechado los principales premios del mundo de la danza como el Nijinsky, el Benois de la Danse o el Premio Nacional de Danza y reconocimientos como ‘Bailarina de la década’ en el Palacio del Kremlin.
En 2007 se convirtió en la primera bailarina española invitada a participar en el Concierto de Año Nuevo de Viena.
Junto a Matthew Golding ha creado y producido los espectáculos ‘Fordlandia’ (2020) e ‘In the still of the night’ (2021), por cuya interpretación recibió el Premio Max.
Matthew Golding, bailarín.
Natural de Saskatchewan (Canadá), Matthew Golding ganó el Youth America Grand Prix y una beca del Prix de Lausanne para estudiar en The Royal Ballet School, donde se graduó. Bailarín principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam y de The Royal Ballet de Londres, Golding ha sido estrella invitada del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, del Ballet Nacional de Canadá, del English National Ballet y del Hong Kong Ballet, entre otros. En su palmarés, destaca el premio holandés Zwaan, además de una nominación al Benois de la Danse.
Junto a Lucía Lacarra ha creado y producido los espectáculos ‘Fordlandia’ (2020) e ‘In the still of the night’ (2021).
Sábado 18 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Danza
‘Eterno’
Idea original, coreografía y dirección artística Carlos Rodríguez
Dirección de escena Alberto Velasco | Dirección coreográfica Carmelo Segura | Asesor artístico Daniel Grande
Elenco de bailarines: Mayte Bajo, La Lupi, Sara Calero, Cynthia Cano, Laura Fúnez, Ana del Rey, Hugo Aguilar, Miguel Ángel Berna, Pablo Egea, Joan Fenollar, Joaquín De Luz, José Maldonado y Carlos Rodríguez
Elenco de músicos: Daniel Jurado, Pedro Medina, Curro de María, Ricardo Vázquez, Roberto Jabonero, Julio Alcocer, José Luis Hernández y Manuel de la Nina
Diseño iluminación: Luis Perdiguero
Diseño sonido y proyecciones: Víctor Tomé
Escenografía: Juan Sebastián Domínguez (sobre idea de Alessio Meloni)
Coreógrafos invitados: Pedro Córdoba e Iker Karrera + elenco
Diseño de vestuario: Rosa García Andújar
Composición musical: Lucas Vidal (Eterno) y Manuel Urbina (suite Picasso)
Arreglos musicales: elenco de músicos
Diseño gráfico: María la Cartelera
Agradecimientos: Ballet Nacional de España y Compañía Nacional de Danza.
Edad recomendada: a partir de 16 años
Duración: Primer acto (50 min). Descanso. Segundo acto (50 min)
Con casi tres décadas difundiendo el baile flamenco dentro y fuera de España con su compañía Rojas y Rodríguez, Carlos Rodríguez se sumerge en el mundo pictórico de Pablo Picasso en su nuevo espectáculo, ‘Eterno’, una obra en dos actos con música original interpretada en directo.
‘Eterno’ rompe las normas de un espectáculo de danza al uso, desde una voluntad rupturista y renovadora, deconstruyendo el proceso creativo de Piccaso, acercándose a su figura desde múltiples perspectivas, asumiendo las tesis del artista, el arte es una gran mentira que utilizamos para contar la verdad y destruimos para poder crear. Para ello el espectáculo se divide en dos piezas: un primer acto de raíz flamenca y espíritu contemporáneo y un segundo acto experimental y ecléctico que rescata la estilización de la danza española, aportándole frescura escénica e innovación.
La suite es un recorrido emocional de la figura de Piccaso a través de diferentes palos flamencos con composiciones musicales originales compuestas por Manuel Urbina. La obra se acerca a la infancia del artista, su relación con el arte y con las mujeres, se introduce en su estudio y desarrolla algunos de los personajes que le acompañaron a lo largo de su vida, utilizando para ello el impulso del bailarín y la pureza de su movimiento, además de referencias estéticas del flamenco como el mantón, el abanico, la bata de cola y las castañuelas.
Tras el descanso se produce una catarsis y llega ‘Eterno’, en el que Carlos Rodríguez, utilizando la obra sinfónica en cinco actos compuesta por Lucas Vidal, condensa todo su conocimiento del arte flamenco y lo deconstruye, investigando en la forma, acercándose al absoluto del pintor mediante conceptos universales como la muerte o el destino y otros más propios del arte pictórico como el color y el pincel. La obra no renuncia a representar en escena los grandes iconos del artista como el caballo y el toro, de una forma íntegra y valiente. ‘Eterno’ es más sexual que moral, más erótica que bélica, una obra obsesiva, íntima y personal.
Carlos Rodríguez ha conseguido reunir a un elenco de grandes figuras de la danza española y contemporánea para componer un lienzo único e irrepetible.
Viernes 19 de mayo. Sala Argenta. 19:30 h
Danza
Ballet Nacional de Cuba
Viengsay Valdés directora
Programa:
Parte I
– Love fear loss
Coreografía de Ricardo Amarantes estrenada por el Royal Ballet de Flandes en 2012.
– Tres preludios
Coreografía de Ben Stevenson O.B.E Estrenada en 1969 por la Harknees Youth Comnpan
– Concierto Dsch
Coreografía de Alexei Ratmansky estrenada por el New York City Ballet en 2008.
Parte II
– Septima Sinfonia
Coreografía de Uwe Scholz estrenada en 1991 por el Stuttgart Estate Ballet. Alemania.
Duración: Parte I (50 min). Descanso. Parte II (40 min)
Ballet Nacional de Cuba (BNC) es una de las más prestigiosas compañías danzarias del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea.
El rigor artístico-técnico de sus bailarines y la amplitud y diversidad en la concepción estética de los coreógrafos otorgan a esta agrupación un lugar relevante entre las grandes instituciones de su género en la escena internacional.
La compañía surge en 1948, con Alicia Alonso como principal fundadora y primerísima figura. En 1950 se crea la Escuela Nacional de Ballet Alicia Alonso, anexa a la compañía profesional. Desde los inicios, la línea artística del Ballet Nacional de Cuba partió del respeto a la tradición romántica y clásica, estimulando al mismo tiempo el trabajo creativo de coreógrafos que seguían una línea de búsquedas en lo nacional y contemporáneo.
Ya en esta temprana etapa el montaje de las versiones completas de clásicos como ‘Giselle’, ‘El lago de los cisnes’ o ‘Coppélia’ estuvo acompañado de obras procedentes del movimiento renovador de los ballets rusos de Diáguilev, como ‘Petruschka’ o ‘La siesta de un fauno’, y de ballets creados por coreógrafos nacionales.
El advenimiento de la revolución en 1959 marcó el inicio de una nueva etapa para el ballet cubano. Ese año, como parte de un nuevo programa cultural, se reorganiza la compañía con el nombre de Ballet Nacional de Cuba. Desde entonces ha tenido un auge vertiginoso, enriqueciendo su repertorio y promoviendo el desarrollo de nuevos bailarines, coreógrafos, profesores y de otros creadores en otros géneros relacionados con la danza, como las artes plásticas y la música. Junto al perfeccionamiento del repertorio tradicional se ha incentivado un pujante movimiento coreográfico con obras que se ubican dentro de los más significativos logros de la coreografía contemporánea.
Además de su intensa actividad en Cuba, donde ha logrado proyectar socialmente su arte a nivel popular, el Ballet Nacional de Cuba desarrolla anualmente un programa de giras internacionales que lo lleva a escenarios de diversos países de Europa, Asia y América. Importantes galardones, como el Grand Prix de la Ville de París y la Orden Félix Varela de la República de Cuba, se suman a la aclamación de los más destacados representantes de la crítica especializada y a las distinciones recibidas por sus figuras de manera individual, en concursos y festivales internacionales.
En 2018 el Ministerio de Cultura de la República de Cuba declara al Ballet Nacional de Cuba Patrimonio Cultural de la Nación, distinción que reconoce al Ballet Nacional de Cuba, como “la máxima expresión de la escuela cubana de ballet, que ha logrado una fisonomía propia donde se funde la tradición de la danza teatral con los rasgos esenciales de la Cultura Nacional”. Desde su creación el 28 de octubre de 1948, se ha convertido en una de las más prestigiosas compañías danzarías del mundo.
Actualmente el Ballet Nacional de Cuba está dirigido por la primera bailarina Viengsay Valdés.
Viengsay Valdés, primera bailarina y directora general del Ballet Nacional de Cuba.
Nació en La Habana e inició sus estudios en la Escuela Elemental de Ballet ‘Alejo Carpentier’. Obtuvo la medalla de Oro en Vignale Danza (Italia 1993) y el Gran Prix de Ballet en el concurso juvenil de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), entre otros. Se graduó con título de oro en 1994 y pasó a formar parte del elenco del Ballet Nacional de Cuba. Fue promovida a bailarina principal en 1996 y al rango de primera bailarina en 2001.
Ha obtenido tres altas distinciones que otorga el Ministerio de Cultura de Cuba. En varias ocasiones su nombre ha sido incluido en el Libro de Honor del Gran Teatro de La Habana ‘Alicia Alonso’ por sus destacadas actuaciones.
Fue reconocida como patrona de honor de la Fundación Cultural Don Pelayo de Oviedo, España. Recibió la investidura Honoris Causa que otorga la Universidad de Guadalajara de México. Es miembro del Consejo Internacional Danza de la UNESCO.
Ha actuado en numerosos países junto al BNC y ha participado en galas de estrellas y festivales en Europa, Asia, América y África. Su vasto repertorio incluye roles de la gran tradición romántico-clásica de ballet, así como de obras contemporáneas de coreógrafos cubanos y extranjeros. Es una fiel exponente de la escuela cubana de ballet y heredera del legado de Alicia y Fernando Alonso.
Ha sido invitada a las mejores compañías del mundo como el Ballet Mariinsky de San Petersburgo, Royal Ballet de Dinamarca, The Washington Ballet, la Academia Nacional de Donetsk (Ucrania) y de Ankara (Turquía), el Centro de Danza de Oporto (Portugal), The Joburg Ballet de Sudáfrica, el Ballet Concerto de San Juan de Puerto Rico y Ballet de Tokyo (Japón). Ha sido acreedora de excelentes críticas de la prensa especializada nacional y extranjera.
En la temporada 2010-2011 la revista Dance Europa la ubicó en el sexto lugar del listado donde figuran los cien mejores bailarines del mundo.
Fue nominada al Premio Nacional de Danza de Cuba en 2017. Le fue otorgado el Premio Excelencias de Cuba en el 2018 por el compromiso de su carrera artística con el BNC. Ha impartido clases magistrales en academias de ballet de varios países.
En 2019 obtuvo la licenciatura en Ballet en la Facultad de Arte Danzario en la Universidad de las Artes de Cuba y se hizo acreedora de importantes distinciones como el Premio de la Revista Excelencia, Premio Lorna Bursall de la Asociación de Artistas Escénicos de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba y nombrada subdirectora técnico-artística de la compañía. En 2020 obtuvo el Premio Anual del Gran Teatro de La Habana, diploma de reconocimiento de la Universidad de La Habana y nombrada directora general del Ballet Nacional de Cuba.
En septiembre de 2020 obtiene en Italia el Premio Positano de la Danza ‘Leonide Massine’ en la categoría de mejor bailarina en la escena internacional.
ZARZUELA
Viernes 12 y sábado 13 de mayo. Sala Argenta. 19:30 h
Zarzuela
‘Doña Francisquita’
Comedia lírica en tres actos
Música de Amadeo Vives
Libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández Shaw
Estrenada en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923
Producción del Teatro Villamarta de Jérez
Dirección musical: Lucas Macías
Dirección de escena e iluminación: Francisco López
Vestuario y escenografía: Jesús Ruiz
Coreografía: Javier Latorre
Reparto: Doña Francisquita, Rocío Pérez | Fernando Soler, José Luis Sola | Cardona, Manuel de Diego | Aurora, Clara Mouriz | Doña Francisca, Palmira Ferrer | Don Matías, Enric Martínez Castignani | Lorenzo, César San Martín | Irene ‘La de Pinto’, Beatriz Lanza | Figuración, alumnos EAE
Orquesta Oviedo Filarmonía
Coro Lírico de Cantabria (CLC) y Coro Joven de Santander (CJS)
Directora CLC, Elena Ramos y director CJS, César Marañón
Duración: 160 min. Con descanso
Acto I. La acción transcurre en el carnaval de Madrid a mediados del siglo XIX.
La joven Francisquita se ha enamorado del estudiante Fernando, aunque este no se ha percatado al estar tan encaprichado de la cómica Aurora ‘La Beltrana’, quien se burla de sus incesantes piropos y no desaprovecha ocasión para desatar sus celos.
Don Matías, el anciano padre de Fernando, pide a Doña Francisca la mano de su hija Francisquita.
La astuta muchacha finge aceptar el compromiso con tal de despertar el interés de Fernando, pero lo único que consigue es que este utilice el amor que ella le profesa para dar celos a Aurora, quien vuelve a mostrar al estudiante su aparente indiferencia. No obstante, tanto embrollo ha servido a Francisquita para tener algún breve encuentro con Fernando, por lo que alberga la esperanza de conquistar su corazón.
Acto II. En el merendero del Canal se reúne el gentío en un ambiente festivo amenizado por ‘La Beltrana’. Don Matías se ha citado allí con su hijo para presentarle a la que será su esposa -Francisquita- y despedirse de él, pues le había ordenado que abandonará Madrid, persuadido por Francisquita como parte de su estratagema.
Francisquita llega sola y se produce un apasionado encuentro entre ella y Fernando, quien sin darse cuenta se ha ido enamorando paulatinamente de la muchacha. Francisquita finge rechazarlo escudándose en que pronto va a convertirse en su madrastra. Una vez más, Aurora, utilizando a su amigo Lorenzo, pretende poner celoso a Fernando. Él, que ya no siente lo mismo por la cómica, responde con otra provocación al simular que flirtea con su amigo Cardona, disfrazado de mujer, desencadenando la ira de ella.
La llegada de Don Matías y Doña Francisca antes de que Fernando parta da pie a una declaración de amor del joven a Francisquita, quien finge desmayarse, cayendo en sus brazos. Al iniciarse el baile ambos enamorados se abrazan al son de la mazurca, para rabia de ‘La Beltrana’, que ha acabado bailando con Don Matías.
Acto III. Delante de la casa de Don Matías pasean las parejas de enamorados que se dirigen al baile de Cuchilleros. Francisca y su hija avisan a Don Matías de que no acudirán a la fiesta con la intención de que el anciano se quede en su casa. Entre tanto, Francisquita hace creer a su madre que Fernando en realidad está enamorado de ella, lo que anima a su progenitora a asistir al baile.
La situación se va enredando cada vez más hasta que aparece finalmente Don Matías, atónito al advertir que su hijo va detrás de Doña Francisca, quien podría ser su madre. Entonces, el viejo comprende que él ha caído en un error similar con respecto a Francisquita y aprueba la relación de los dos jóvenes.
RECITALES
Jueves 16 de febrero. Escenario Argenta. 19:30 h
Recital
Iván ‘Melon’ Lewis | ‘Voyager’
Georvis Pico, batería | Pedro Pablo Rodríguez Mireles, congas | Román Filiú, saxo | Yarel Hernández, bajo
Duración: 90 min. Sin descanso
Iván ‘Melon’ Lewis (Cuba, 1974) es un pianista, arreglista y productor musical afincado en España desde hace más de 20 años. Está considerado como uno de los pianistas más influyentes de su generación.
Ha colaborado con grandes artistas españoles y europeos, como Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, José Luis Perales, Sole Giménez, Charles Aznavour, Mariza, Buika o Ara Malikian, y ha actuado en los más prestigiosos festivales de jazz de todo el mundo como Montreux Jazz Festival, North Sea Jazz Festival, Jazz in Marciac o SFJazz en San Francisco, entre muchos otros.
Por cuarta vez a lo largo de su carrera Iván ‘Melon’Lewis ha estado nominado a los premios Latin Grammys, esta vez en la categoría ‘Mejor Álbum de Jazz Latino/Jazz’ por su último trabajo, el álbum de 11 temas ‘Voyager’.
De este álbum nos habla el propio artista:
“Mis fuentes de inspiración suelen ser muchas y muy diversas. Me resulta muy sugerente una línea de bajo de un tema de rock, una melodía cantada a capela o un fragmento de un preludio para piano de Rachmaninov. Para este disco he intentado construir melodías que fuesen identificables, pero desde una perspectiva más jazzística. No comparto en absoluto ese mito de que el jazz es una música para músicos y/o entendidos del género, de ahí que ‘Voyager’ pretenda ser una propuesta capaz de llegar a todos los gustos posibles.
Compositores latinoamericanos como Alberto Ginastera o Marlos Nobre son creadores cuya obra es tan generosa y está tan bien estructurada que admite fusiones con el jazz, el bolero o los ricos ritmos africanos. La idea detrás de la música de ‘Voyager’ es destacar y disfrutar del lirismo y las posibilidades interpretativas detrás de cada pieza”.
Sábado 25 de febrero. Sala Pereda. 19:30 h
Recital
Rocío Marquez & Bronquio | ‘Tercer cielo’
Rocío Márquez (voces, cuerpos) & Bronquio (programación, sintetizador)
Movimiento escénico y coreográfico: Antonio Ruz
Vestuario y espacio escénico: Roberto Martínez
Diseño de iluminación: Benito Jiménez
Espacio sonoro: Javi Mora
Concepto y dirección artística: Emilio Rodríguez Cascajosa y Juan Diego Martín Cabeza
‘Tercer cielo’ es una producción de Delirioyromero Producciones SL
Duración: 70 min. Sin descanso
Encumbrada por la prensa como “la voz de la nueva generación del cante jondo”, Rocío Márquez (Huelva, 1985) lleva más de una década labrando una sólida carrera artística que hoy desborda el panorama flamenco, en el que ya es un claro referente y figura consolidada.
Su personalidad inquieta y su enorme curiosidad quedan patentes en su discografía que de manera transversal nos muestra tan gran amor por la tradición flamenca como imperiosa necesidad de ensanchar los límites de esa misma tradición, explorando y experimentando con melodías, instrumentación, arreglos y letras.
Una de las claves para entender el proyecto artístico de Rocío Márquez es su gran curiosidad creativa que apoya en una enorme versatilidad interpretativa.
El creador jerezano Santiago Gonzalo AKA Bronquio es un joven músico de tradición punk y una de las sensaciones de la escena electrónica española. Bronquio cuenta con tres epés distribuidos por Altafonte Spain, el último de ellos (Vol. 3) con la colaboración de Nita (Fuel Fandango) y Cris Lizarraga (Belako).
Tras fichar como colaborador en ‘Hoy empieza todo’ de Radio 3 (RNE), afronta en 2021 la banda sonora de la nueva película del sevillano Santi Amodeo, ‘Las gentiles’.
Como productor ha llevado a buen puerto el elepé más reciente de Kiko Veneno, ‘Sombrero roto’, aclamado por la crítica. También ha producido singles a artistas mainstream como Natalia Lacunza y Anaju.
En 2020 fue elegido para Artistas En Ruta (AIE) así como para el Catálogo AECID de artes escénicas y música comisionado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación a través de Excenario.
Viernes 17 de marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Recital
Casapalma
Duración: 60 min. Sin descanso
La cantante cántabra Irene Atienza y el productor y músico madrileño Yoel Molina estrenan el espectáculo que acompaña a su primer trabajo basado en el cancionero popular de Cantabria.
Jotas a lo ligero, a lo pesao, pericote, pasodobles, tonadas… interpretados desde una perspectiva contemporánea, electrónica, utilizando sintetizadores y samplers junto a instrumentos propios del folclore cántabro como la pandereta o el rabel.
Estos dos artistas de trayectoria internacional (a los que la pandemia los llevó a instalarse en el ámbito rural, Irene en Cabuérniga y Yoel en Valderredible) comparten inquietud por la música de raíz y desde la cocina de Casapalma – entre blancos de solera, cantadores, cachivaches analógicos y digitales – han dado forma a esta colección de canciones montañesas con la intención de continuar el camino de la tradición, acercar el folclore a otros públicos y al mismo tiempo rendir un homenaje a las generaciones que han contribuido a que este legado llegue hasta nuestros días.
Un espectáculo que contará con la participación de músicos reconocidos del folclore de Cantabria; panderetas, rabeles y gaitas se darán cita en el escenario, entre otras sorpresas. Las proyecciones audiovisuales corren a cargo de Juan Carlos Fernández (Ruido Interno) y el designer Gonzalo Checa, creadas especialmente para este estreno que acompañará el lanzamiento de su primer trabajo discográfico y el inicio de su gira de presentación.
“Casapalma, la reinvención de la tradición sonora de Cantabria.
Irene Atienza y Yoel Molina pasan melodías y canciones populares por el filtro de la modernidad con un resultado sorprendente”
(Pilar G. Ruiz – El Diario Montañes)
Sábado 29 de abril. Sala Argenta. 19:30 h
Recital
‘The infernal comedy’ (Confesiones de un asesino en serie)
Drama para un actor, dos sopranos y orquesta
John Malkovich
Susanne Langbein y Chen Reiss sopranos
Orchester Wiener Akademie
Dirección de orquesta Martin Haselböck
Dramaturgia y dirección de escena Michael Sturminger
El espectáculo se interpreta en inglés y las partes musicales en sus idiomas originales con sobretítulos.
Duración: 105 min. Sin descanso
Malkovich da vida al asesino en serie Jack Unterweger, un personaje controvertido y contradictorio que se presenta al público con crudeza.
‘The infernal comedy’ (Confesiones de un asesino en serie) es un drama para actor, dos sopranos y orquesta barroca con una puesta en escena muy particular, en la que se interpretan arias de ópera de grandes compositores como Mozart, Gluck, Haydn, Vivaldi, Boccherini, Weber y Beethoven.
Unterweger, asesino convicto, reconocido poeta, periodista y notorio mujeriego, fue encarcelado por sus delitos e indultado, convirtiéndose en un ejemplo de reinserción. Con el paso del tiempo se fue sospechando su implicación en el asesinato de un número creciente de prostitutas en Viena, Graz, Praga y Los Ángeles. Huye desde Viena hacia los Estados Unidos, es arrestado en Miami, trasladado a Austria, acusado, y finalmente se suicida, tras ser declarado culpable de homicidio en once casos.
El espectáculo cuenta con la participación de la Orchester Wiener Aademie y las sopranos Susanne Langbein y Chen Reiss, bajo la dirección de Martin Haselböck y con dramaturgia y dirección de escena de Michael Sturminger.
MUSICAL
Viernes 24 (19:30 h), sábado 25 (17:00 h y 20:00 h) y domingo 26 (12:30 h) de marzo. Sala Argenta.
Musical
‘Peter Pan, el musical’
Dirección Tomás Padilla | Directora artística y libreto Silvia Villaú
Elenco:
Peter Silvia Villaú
Capitán Garfio Carlos J. Benito
Wendy Nuria Sánchez
Narradora Ángels Jiménez
Tootles: Laura Muriel
Smee/Ensamble/Cover Peter: Daniel Busquier
Starkey/Ensamble: Jesús Lara
John/Ensamble: Sergio Shimose
Michael: Aaron Ullate
Jefe Indio/Ensamble: Pedro Estrada
Tigrilla: Carlota De L´Hotellerie
Liza/Ensamble: Lucía Riccioli
Ensamble/Michael: Carlota Sajara
Ensamble: Rey Rojas
Ensamble: Melissa Fucci
Ensamble: Ester Carbonero
Ensamble: Francisco Hilario
Ensamble: Naiara Cabanillas
Ensamble: Clara Herrera
Director vocal: Carlos J. Benito
Coreografía: José Félix Romero / Silvia Villaú
Música y letras: Pablo Pinilla, Lara Pinilla, Pablo Cruz, César Belda
Diseño escenografía, iluminación y sonido: Tomás Padilla
Diseño vestuario: Juan Sebastián / Silvia Villaú
Construcción escenografía: Grupo Eventix
Una producción de Theatre Properties, Atresmedia y Eventix
Para todos los públicos
Duración:130 min. Con descanso
Regresa a España la obra más aclamada de todos los tiempos: ‘Peter Pan, el musical’.
Una súper producción de Theatre Properties, Atresmedia y Grupo Eventix con más de 20 artistas en escena con la última tecnología teatral en luces, sonido, escenografía y vuelos para recrear la magia de esta historia legendaria.
Desde la recreación de una casa londinense de ensueño donde Wendy, John y Michael conocen por primera vez a Peter hasta el prestigioso ‘Jolly Roger’, el barco pirata del temido Capitán Garfio con toda su tripulación a bordo.
Una nueva puesta en escena con la última tecnología teatral para recrear la magia de esta historia legendaria con los mejores acróbatas y unos bailarines espectaculares.
Información adicional:
– Todos los espectadores han de acceder al teatro con su entrada y todas las entradas tienen el mismo precio independientemente de la edad del asistente.
– Entrada zona VIP incluye: Entrada en un lugar preferente + Cd del espectáculo y un artículo de merchandising + Visita al backstage y encuentro con los actores.
*Una hora antes de la función solicitada, les esperaremos en la puerta principal del Palacio, se les hará entrega de los regalos, y comenzará el tour por backstage y encuentro con los actores.
Viernes 14 de abril. Sala Pereda. 19:30 h
Musical | Estreno
Adrián Alonso Producciones
‘Reconectando, el musical’
Dirección Adrián Alonso
Con Loli Andreu, Rebeca Alonso, Nuria Gedack, Adrián Alonso y Ana Conde Mazorra
Coreografía: Rebeca Alonso
Escenografía: Nuria Gedack
Guión y composición: Ana Conde Mazorra
Duración: 65 min. Sin descanso
‘Reconectando’ es la historia de Marcos, Julia, Cata y Miriam.
Hace 20 años vivieron una de las mejores experiencias de sus vidas y hoy se vuelven a reunir en su antigua clase de música. Lo que ellos no saben es que este encuentro volverá a cambiarles la vida.
Una historia de amistad, amor y magia contada y cantada a través de los musicales más emblemáticos.
‘Reconectando’ es un musical en el que la participación e interacción del público se convierte en imprescindible, en un elemento más de la obra.
De una forma activa el público ayudará a sus protagonistas hasta el final de la obra.
¿Quién no ha soñado alguna vez que participaba en un musical?
HUMOR
Sábado 11 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Humor
Dani Martínez | ‘Ya lo digo yo’
Edad recomendada a partir 14 años
Duración: 100 min. Sin descanso
‘Ya lo digo yo’ es un espectáculo moderno e innovador, donde la improvisación ocupa el cincuenta por ciento del show.
Hay temas que pasan inadvertidos para la mayoría de la gente. Incluso hay temas de los que todos hablamos por encima, sin entrar en detalles.
Todos esos temas serán tratados por el showman y humorista ayudado de una gran pantalla, música, efectos visuales, imitaciones. Y no te preocupes por nada, solo tendrás que disfrutar. Para lo demás Dani Martínez gritará desde el escenario ‘Ya lo digo yo’.
YA A LA VENTA
EL PALACIO CON LOS NIÑOS
Sábado de 18 de febrero. Esceanario Argenta. 17:00 h
El Palacio con los niños
Proyecto Remigia Echarren
‘La reina del Arga’
Idea original, creación artística y dirección Estefanía de Paz Asín
Con Estefanía de Paz Asín
Artista plástica: Estefanía de Paz Asín
Fotografía: Kiko Ortega y Handel Uzueta
Música y espacio sonoro: Gorka Pastor
Escenografía: Zenzerro, Fernando Varela y Mila García
Vestuario, caracterización y maquillaje: Elías Angulo Martínez y Estefanía de Paz Asín
Iluminación: Óscar García Valoria
Vídeo: Jesús Iriarte
Ayudante de producción: Garbiñe Navarro Rodríguez
Diseño gráfico: Minimizán
Colaboran el Ayuntamiento de Pamplona y el Centro de Arte Contemporáneo Huarte
Agradecimientos: asociación Auzoenea, Colegio Escolapios Pamplona, Catedral de Pamplona, Archivo General de Navarra, Archivo Municipal de Pamplona, ENT-NAE (Escuela Navarra de Teatro), Fundación IPES, Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López (El Patio Teatro), El Punto Gunea y Teatro Gayarre.
Premio a la Mejor Interpretación FETÉN 2022
Edad recomendada a partir de 6 años
Duración: 50 min. Sin descanso
Un espectáculo divertido, histórico, cercano y entrañable que combina distintas artes, técnicas y lenguajes artísticos, como la narración, la interpretación, el teatro de objetos, el ilusionismo, las artes plásticas, el circo de pulgas, el clown y el circo.
Un delicado espectáculo que nos habla de la historia de las artes circenses y las técnicas como el funambulismo y que da a conocer a Remigia Echarren, ‘la reina del Arga’.
Nacida en Pamplona en 1853, Remigia Echarren, también conocida como ‘la reina del Arga’ o ‘la reina de las alturas’ fue una mujer adelantada a su tiempo. Funambulista, artista, valiente y arriesgada se trata de una figura femenina más citada que conocida que visitó diversas ciudades europeas caminando sobre una maroma. ¿Pero quién fue realmente la mujer detrás del sobrenombre? ¿Cómo pasó de llamarse Remigia Echarren en Pamplona a ser Madame Agostini en París?
‘La reina del Arga’ de Estefanía de Paz es un espectáculo que combina distintas artes, técnicas y lenguajes artísticos como son la narración, la interpretación, el teatro de objetos, el ilusionismo, las artes plásticas, el circo de pulgas, el clown y el circo. Divertido, histórico, cercano. Este es un delicado espectáculo que cuenta con el premio a la Mejor Interpretación en FETEN 2022 y que habla de la historia de las artes circenses y las técnicas como el funambulismo y que, sobre todo, da a conocer a la persona detrás del sobrenombre Remigia Echarren, ‘la reina del Arga’.
Sábado 11 de marzo. Sala Pereda. 17:00 h
El Palacio con los niños
Baal Dansa
‘MiraMiró’
Dirección Catalina Carrasco
Intérpretes: Maya Triay, Gaspar Morey y Astrid Schwegler
Dirección técnica: Gaspar Morey
Diseño de luces: Manu Martínez
Asistencia dramaturgia: Pau Bachero
Banda sonora original: Kiko Barrenengoa
Vestuario: MulberrySpiral
Animación de vídeo: Adri Bonsai
Diseño y asistencia marioneta: Leo Alburquerque
Asistencia voz: Aina Compte
Una coproducción del Teatre Principal de Palma y Baal, con la colaboración de Successió Miró.
Edad recomendada a partir de 2 años
Duración: 45 min. Sin descanso
Un espectáculo de danza y animación de video para los más pequeños, que nace del universo de Joan Miró. La obra se enmarca en una selección de su obra gráfica. Sus vivos colores, las formas geométricas y la aparente “totipotencia” de las “figuras y personajes” estimulan la fantasía, dejando entrever que todo es posible. De forma mágica las pinturas adquieren vida y nos transportan a un universo imaginario. La aventura de un viaje al cosmos llena de descubrimientos y sorpresas.
La compañía de danza Baal llega por primera vez al Palacio de Festivales de Cantabria con su gran espectáculo MiraMiró. Un acercamiento de la danza a los más pequeños de la familia para que sean ellos los que descubran con la música, el movimiento lo que hay detrás de este arte.
Baal es una de las compañías con mayor prestigio en crítica y público de las Islas Baleares gracias a propuestas como MiraMiró. Un espectáculo donde las figuras, dibujos y trazos del pintor catalán Joan Miró cobran vida a través de la danza. Un espectáculo para toda la familia.
Sábado 20 de mayo. Sala Pereda. 17:00 h
El Palacio con los niños
Ultramarino de Lucas
‘¿Cuándo viene Samuel?’
Dramaturgia Ultramarinos de Lucas | Dirección Juan Berzal
Con Juan Berzal, Juam Monedero y Jorge Padín
Composición música original: Nacho Ugarte
Diseño de vestuario: Martín Nalda
Diseño de espacio escénico: Ultramarinos de Lucas
Diseño de iluminación: Juan Berzal
Ayudante de dirección: Marta Hurtado
Una producción de Ultramarinos de Lucas en coproducción con la Junta de Castilla-La Mancha y Teatro Español. Colabora el Ayuntamiento de Guadalajara
Premio al Mejor Espectáculo FETEN 2022
Espectáculo recomendado a partir de 5 años
Duración: 60 min. Sin descanso
Dos hombres esperan jugando junto a un columpio la llegada de Samuel para celebrar una fiesta. Pasa por allí el señor profesor, que les da la lección y se marcha.
El tiempo pasa, no deja de pasar, no termina nunca de pasar, nunca.
Y ellos esperan otro día más. ¿Y si hoy ya fuera mañana?
Subidos al columpio, tal vez puedan escapar. Nos preguntamos desde el juego dramático más radical y disparatado por ese misterio que supone el paso del tiempo en la infancia.
La niña y el niño viven con infinito asombro un presente que se les escapa mientras juegan a la vida. Ese asombro les impulsa a descubrir por medio del juego, que los acompaña en sus primeros años de vida. Juegan para conocer, para aprender, para relacionarse, para crecer.
Así sucede en ‘¿Cuándo viene Samuel?’. El juego es el verdadero protagonista de esta obra, concebida como una fiesta permanente en espera de la celebración de otra fiesta.
Proponemos que el teatro ofrezca a niños y niñas la oportunidad de contemplar en escena la historia de dos hombres que esperan con entusiasmo.
Permitamos al espectador esperar junto a ellos la llegada de Samuel, una luz al final del camino, una posibilidad, una esperanza.
SUMANDO
Miércoles 22 de febrero. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
‘Decadencia’ de Steven Berkoff
Adaptación Benjamín Prado | Director Pedro Casablanc
Con Maru Valdivielso y Pedro Casablanc
Diseño de vestuario: Antonio Belart
Espacio sonoro y música: Orestes Gas
Diseño de escenografía: Sebastiá Brossa
Distribución: Traspasos Kultur
Una producción de Producciones Off y Vania Produccions
Duración: 90 min. Sin descanso
Cuatro personajes. Tres aristócratas y un vividor que quiere aprovecharse de sus debilidades. Desalmados, clasistas, racistas, hipócritas, frívolos, depredadores, decadentes sin principios ni límites. Pedro Casablanc regresa al Palacio de Festivales de Cantabria con esta historia provocadora que fluye al ritmo de swing y que se apoya en la interpretación de un texto hilarante que pinza y punza, que hiela la risa y ríe lo serio.
Miércoles 29 marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
‘Miércoles que parecen jueves’ de Juan José Millás
Director Mario Gas
Con Clara Sanchis
Ayudante de dirección: Eva Redondo
Video y fotografías: Isabel De Ocampo
Espacio sonoro: Ángel González
Diseño gráfico: Andrea Krull / Cris Lozoya
Direccion de Producción: Entrecajas
Una producción de C.S. y Entrecajas Producciones Teatrales
Agradecimientos: Teatre La Gleva, Albert de la Torre, Rita Costa, Cotu Afonso, David Lorente, Antonio Sansano y Teatro Urgente
Duración: 75 min. Sin descanso
Los componentes de una asociación de padres de alumnos de un instituto de enseñanza media aguardan en la sala de actos del instituto la llegada de Juan José Millás, que dará una conferencia sobre la importancia de la lectura en la adolescencia.
En vez del escritor se presenta una mujer que asegura ser Juan José Millás.
Parece que ha logrado abrirse paso frente a la barrera de profesores y del servicio de seguridad del instituto con un revólver que maneja con un descuido preocupante.
Mientras intenta dar la conferencia tanto la policía como el auténtico (¿auténtico?) Juan José Millás tratan de convencerla desde el exterior de la sala de que desista de su actitud y se entregue antes de que haya heridos.
Los asuntos del doble, de la identidad o de la autoría, diluidos a lo largo la obra de Millás, cristalizan en una experiencia dramática de la que se deduce que la otra cara del terror es la risa.
Miércoles 12 abril. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
Noviembre Teatro
‘Abre el ojo’ de Rojas Zorrilla
Dirección y versión Eduardo Vasco
Con Rafael Ortiz, Elena Rayos, Alberto Gómez Taboada, Manuel Pico, Jesús Calvo, Celia Pérez, Mar Calvo, Anna Nácher y Daniel Santos
Asesor de movimiento: José Luis Massó
Música y canciones: Eduardo Vasco
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Vestuario: Lorenzo Caprile
Escenografía y atrezo: Carolina González
Duración: 85 min. Sin descanso
Don Clemente vive en medio de un triángulo amoroso sin decidirse entre una viuda llamada Hipólita, una despechada doña Beatriz y doña Clara. Aunque hay que decir que esta última se encuentra en una situación parecida con otros tres caballeros: el citado galán guapetón don Clemente, un hablador insoportable al que llaman Don Julián de la Mata y don Juan Martínez Caniego, regidor de Almagro y como se suele decir “más bruto que un arado”.
Cartilla y Marichispa, los criados, tratarán con un éxito relativo que sus respectivos amos consigan su propósito, pero entretanto se genera una especie de vodevil de luchas escénicas, amantes escondidos, engaños insólitos y mudanzas ante la insistente persecución de la justicia.
Finalmente hay que advertir al espectador que debe abrir el ojo para estar atento ante cualquier engaño, porque, aunque todo pasa sobre la escena nunca se sabe cuando la burla le puede afectar a uno mismo.
Miércoles 26 de abril. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro
Teatro del Temple
‘Don Quijote somos todos’
Dirección Carlos Martín | Texto José Luis Esteban
Con Carlos Martín, Chavi Bruna, Francisco Fraguas, Félix Martín, Gonzalo Alonso, Minerva Arbués / Alba Gallego e Irene Alquezar
Producción: María López Insausti
Coordinación técnica: Alfonso Plou
Música: Gonzalo Alonso
Escenografía: Tomás Ruata
Iluminación: Tatoño Perales
Vestuario: Ana Sanagustín
Fotografía: Marcos Cebrián
Equipo de producción: Pilar Mayor y Alba Moliner
Duración: 90 min. Sin descanso
Una comedia basada en la novela de Cervantes.
‘Don Quijote somos todos’ narra los esfuerzos de un pueblo manchego, de cuyo nombre nadie se acuerda, por no desaparecer para siempre. Abandonado en medio de la España vacía, con malas comunicaciones y escasos servicios, su único patrimonio está en su pasado: ser la cuna del más famoso caballero andante, el ingenioso don Quijote de la Mancha.
La aparente intención del gobierno de edificar un Parador Nacional de Turismo abre una ventana de esperanza para el pueblo, que se lanza a luchar por ser el lugar elegido para su construcción. De natural escéptico, con fuerte tendencia a la ironía y a cierto grado de locura, el pueblo entero decide armarse caballero andante y, haciendo honor a la memoria de su ilustre antepasado, pelear contra los gigantes que lo amenazan y alcanzar la gloria con todos los merecimientos posibles.
Una propuesta fresca, divertida, ágil y conmovedora a partir del inmortal clásico de Cervantes. La originalidad de la propuesta radica, en primer lugar, en su punto de vista.
Con un tono de comedia crítica heredera de Cervantes, pero también de algunos de sus discípulos aventajados como Berlanga, Rafael Azcona o José Luis Cuerda, convertimos a don Quijote en un sujeto colectivo, encarnado en todo un pueblo que en medio de su lucha por la supervivencia experimenta alguna de las más famosas aventuras del hidalgo caballero. Episodios como los molinos de viento, los galeotes o la cueva de Montesinos adquieren en esta propuesta una nueva perspectiva, alumbrando una reflexión mordaz y desprejuiciada sobre el quijotismo patrio.
Miércoles 17 de mayo. Sala Pereda. 19:30 h
Miércoles íntimos | Teatro | Estreno
Hilo Producciones
‘Anónimo’
Versión y dirección Sandro Cordero
Con Laura Orduña, Enrique Dueñas, Sandro Cordero y Bea Canteli
Diseño de vestuario: Azucena Rico
Diseño de escenografía: La maldita espiral
Diseño de iluminación: Pancho Villar
Espacio sonoro: Mr. Wonder
Producción: Begoña García
Duración: 70 min. Sin descanso
Pocas novelas retratan la situación social y política que las rodea de manera tan lúcida, mordaz e inteligente como lo hace el Lazarillo de Tormes. Lázaro emprende un viaje, tanto físico como iniciático, por una España gloriosa, espléndida, magnífica, doliente, temerosa y envilecida. Y su mirada de niño nos muestra una realidad (¿lejana?) en la que los delincuentes triunfan y fracasan los honrados, en la que puede más no quien más sabe sino quien más grita, en la que el decente es motivo de burla y el sinvergüenza de aplauso y admiración.
Es el retrato de una época (¿lejana?) que construye con afán una brillante apariencia tras la que se oculta el cada vez más profundo vacío moral, ideológico y humano.
Todo lo anterior se construye en la novela sobre los cimientos del humor.
Sí, el Lazarillo es una comedia ágil, fresca y desternillante. Entonces, una comedia gamberra y sin respiro que cuando posa ¿da paso a la reflexión y al pensamiento crítico? estaba pidiendo a gritos que Hilo Producciones la llevará a escena.
‘Anónimo’ es una cuidadísima versión del texto (sin perder ni un ápice de la brillantez original, pero sin olvidar que público y artistas compartimos un mismo “aquí y ahora”). Cuenta con un amplio elenco actoral que se desdobla y multiplica en personajes y habilidades escénicas, escenografía, vestuario, iluminación, música. Todos los elementos puestos como nunca antes al servicio de uno de los grandes clásicos para ofrecérselo al público de hoy.
Jueves 2 de marzo. Sala Pereda. 19:30 h
Jueves clásicos
Cuarteto Brodsky
Krysia Osostowicz, violin | Ian Belton, violin | Paul Cassidy, viola | Jacqueline Thomas, violonchelo
Programa:
Part I
- S. Bach Sonata nº 2 para solo violín en La menor, BWV 1003 (arr. P Cassidy)
(1685-1750) Grave | Fuga | Andante | Finale. Allegro
- Debussy Cuarteto de cuerdas en sol menor, Op. 10
(1862-1918) Animé et très décidé | Assez vif et bien rythmé | Andantino, doucement expressif | Très modéré – En animant peu à peu – Très mouvementé et avec passion
Part II
- Shostakovich Cuarteto de cuerda nº 3 en Fa mayor, Op. 73
(1906-1975) Allegretto | Moderato con moto | Allegro non troppo | Adagio (attacca) | Moderato
Duración: Parte I (45 min). Descanso. Parte II (35 min)
Desde su creación en 1972, el Cuarteto Brodsky ha realizado más de 3.000 conciertos en los principales escenarios del mundo y ha publicado más de 60 grabaciones. Una curiosidad natural y un deseo insaciable de explorar han impulsado al grupo en muy diversas direcciones artísticas, lo que les ha proporcionado no solo una posición relevante en el mundo de la música cámara, sino también una muy rica y variada existencia musical. Su energía y destreza les ha reportado numerosos premios y reconocimientos en todo el mundo, mientras que su pasión por la labor educativa les ha llevado a transmitir toda su experiencia a las nuevas generaciones.
A lo largo de sus 50 años de carrera Cuarteto Brodsky ha disfrutado de una apretada agenda de presentaciones internacionales y ha recorrido extensivamente los principales festivales y escenarios de Australia, América del Norte y del Sur, Asia, Sudáfrica y Europa, así como en el Reino Unido, donde se basa el cuarteto. También graba regularmente para televisión y radio y sus actuaciones son retransmitidas en todo el mundo .
A lo largo de los años el Cuarteto Brodsky ha manifestado un especial interés por la realización de ciclos completos de cuartetos de Schubert, Beethoven, Tchaikovsky, Britten, Schoenberg, Zemlinsky, Webern y Bartok. Sin embargo, es el ciclo completo de Shostakovich el que ahora se ha convertido en sinónimo de su nombre. Su presentación en Londres en 2012 les valió recibir el prestigioso título de ‘Artistic Associate’ en London’s Kings Place. En octubre de 2016 lanzaron su segunda grabación del ciclo, esta vez en vivo desde Muziekgebouw (Amsterdam).
El Cuarteto Brodsky ha realizado también una importante carrera discográfica y actualmente disfruta de una exclusiva y fructífera relación con Chandos Records. Los lanzamientos con el sello incluyen ‘Petits Fours’, un álbum -celebración con piezas de ‘Propinas’ arregladas exclusivamente por el cuarteto para su 40 aniversario, una compilación de Debussy, ‘New World Quartets’ que comprende obras de Dvorak, Copland, Gershwin y Brubeck, los cuartetos de Zemlinsky, incluida la grabación de estreno mundial de su inédito cuarteto temprano, dos discos de Brahms, con los icónicos quintetos para piano y clarinete, los cuartetos completos de Shostakovich y el cuarteto de cuerdas de Elgar y su quinteto de piano con Martin Roscoe. Su más reciente lanzamiento son los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven.
Además de asociarse con muchos de los mejores artistas clásicos para sus actuaciones y grabaciones, el cuarteto ha hecho historia con colaboraciones innovadoras con algunos de los principales artistas del mundo en diversos géneros y ha estrenado y apoyado a muchos de los compositores más respetados del mundo.
Los premios recibidos por sus grabaciones pasan por ‘Diapason d’Or’ y ‘Choc du Monde de la Musique’. Además, el Cuarteto Brodsky ha recibido el Royal Philharmonic Society Award “por su destacada contribución a la innovación en la programación”.
Cuarteto Brodsky ha impartido clases magistrales en numerosos cursos internacionales de música de cámara y ostentado el título de cuarteto en residencia en diversas instituciones de música, siendo el primero el de la Universidad de Cambridge y más tarde en el Conservatorio Real de Escocia donde actualmente son International Fellows of Chamber Music. Son doctores honorarios de la Universidad de Kent y de la Universidad Teesside, donde se fundaron.
El Cuarteto Brodsky toma su nombre del gran violinista ruso Adolf Brodsky, violinista apasionado de la música de cámara y a quién Tchaikovsky dedicó su concierto para violín y orquesta.
Krysia Osostowicz toca un violín Francesco Gofriller (1720). El violín de Ian Belton es un Giovanni Paolo Maggini, c.1615. Paul Cassidy toca una viola ‘La Delfina’ (c. 1720) cedida por cortesía de Delfina Entrecanales. Y Jacqueline Thomas toca un violonchelo Thomas Perry de 1785.
Jueves 30 de marzo. Sala Argenta. 19:30 h
Jueves clásicos
Orquesta Sinfónica del Cantabrico (OSCAN)
José Imhof piano
Paula Sumillera directora
Programa:
Parte I
- S. Bach Concierto de Brandembrugo No.3 en Sol Mayor, BVW 1048
(1685-1750) Allegro | Adagio | Allegro
- A Mozart Divertimento en Re Mayor, K136
(1756 – 1791) Allegro | Andante | Presto
Divertimento en Re Mayor, K136
Allegro | Andante | Presto
Parte II
- Glass Concierto para piano y orquesta de cuerdas nº 3 (Estreno en España)
(1937) Moviemiento I | Movimiento II | Movimiento III (Por Arvo Pärt)
Duración: Parte I (35 min). Descanso. Parte II (30 min)
La Orquesta Sinfónica del Cantábrico (OSCAN) surge en 2019 por iniciativa de un grupo de músicos profesionales. Nace como la primera formación sinfónica profesional de Cantabria y lo hace con unos objetivos claros y ambiciosos: convertirse en un sólido proyecto cultural capaz de encontrar y retener el talento musical, ser un punto de encuentro para músicos y aficionados, fomentar la educación musical, contribuir a la creación de nuevos públicos y generar riqueza y empleo entre las empresas culturales a través de sinergias.
Bajo la batuta de Paula Sumillera, una treintena de músicos formados en diversos conservatorios superiores abordan el proyecto con una ilusión común: convertir a la OSCAN en un referente cultural vivo.
La labor de la orquesta es múltiple: artística, cultural, social, lúdica y también pedagógica. Es un proyecto musical de calidad con una composición joven e igualitaria, con vocación de convertirse en referente del espíritu musical de Cantabria y traspasar las fronteras tanto nacionales como internacionales.
La OSCAN debutó en agosto de 2019 interpretando en directo la banda sonora de ‘The Kid’, la famosa cinta de Chaplin, ante más de 800 personas en el anfiteatro exterior del Centro Botín de Santander. Desde entonces la orquesta ha actuado en el Palacio de Festivales de Cantabria, en el Teatro Municipal Concha Espina, en el Teatro Casyc y en la Catedral de Santander, entre otros escenarios de Cantabria. La plantilla goza de gran versatilidad y adapta siempre sus producciones a las peculiaridades de cada lugar.
La OSCAN ha impulsado incluso sus propios proyectos musicales, como ‘María de Buenos Aires’, ópera-tango con libreto de Horacio Ferrer y música de Astor Piazzolla, ‘Poema del Cante Jondo’, concierto homenaje a Lorca con música de Falla, Granados y Turina, o ‘Esto me suena’, iniciativa didáctica que incluye el concierto ‘El carnaval de los animales’ de Camille Saint-Saëns.
José Imhof, piano.
Pianista español de origen alemán, comenzó a tocar el piano a la edad de seis años. Su carrera no se ha ceñido al camino habitual dentro del conservatorio y ha desarrollado su carrera musical principalmente de manera privada, debutando en Santander a los dieciocho años donde la crítica destacó su “bello sonido y sorprendente talento”. Posteriormente ha adquirido una gran experiencia en el escenario destacando recientemente sus actuaciones en el Auditorio Nacional de Madrid, en el Kursaal de San Sebastián o el Centro Botín de Santander, entre otros espacios. En palabras de Ricardo Hontañón, tras su recital de 2019 en el Palacio de Festivales de Cantabria, “José Imhof unió pasmosa técnica y musicalidad siempre dúctil. Su aterciopelado sonido logró gran riqueza de color y frescura en todas y cada una de las piezas. Fue todo un despliegue de colores y matices de muchos quilates que encandiló a todos los presentes en la sala”.
Buscando profundizar su dominio del instrumento ha establecido lazos con maestros como Vitali Margulis, Gyorgy Sandor, Mariana Gurkova, Dimitri Bashkirov o Isidro Barrio, uno de los más destacados pianistas de nuestro país y figura clave en la interpretación del repertorio español del siglo XVIII. Fruto de esta influencia nació su primer trabajo discográfico, un álbum titulado ‘Alte Spanische Klaviersonaten’ grabado para el sello alemán ANTES Edition e integrado por sonatas barrocas de compositores españoles como Antonio Soler, Manuel Blasco de Nebra o Félix Máximo López que la revista Mundo Clásico reseñaba así: “el estilo de Imhof llama la atención por su serenidad. Donde otros se hunden en la prisa y la superficialidad, Imhof destaca por su equilibrio, su control y un sonido íntimo y recoleto”. Este álbum le ha procurado reconocimiento internacional siendo editado por la mayoría de países europeos, Rusia, Japón y Estados Unidos, donde la revista Records International lo seleccionaba como una de las mejores grabaciones de 2010.
En abril de este mismo año Imhof ha publicado su segundo trabajo discográfico, producido por él mismo y dedicado íntegramente a la obra para piano del compositor americano Philip Glass. Entre sus proyectos a lo largo de este año destaca la promoción de este álbum, así como la publicación de su siguiente disco con obras de François Couperin, uno de sus compositores de referencia junto Glass y Jean-Philippe Rameau.
Desde hace varios años compagina su agenda de conciertos con una intensa actividad pedagógica en Madrid y recientemente también en Cantabria, donde aspira a convertir su casa familiar en un lugar de encuentro para estudiantes y conocidas figuras del panorama musical español e internacional que ya está dando sus primeros pasos.
Paula Sumillera, directora.
Directora de orquesta y coro cántabra. Realiza su formación musical en Santander, Madrid, Valencia e Italia.
Se ha formado con maestros como Donato Renzetti, Antoni Ros-Marbà, Enrique García Asensio, George Pehlivanian y Gianluigi Gelmetti, entre otros. Su carácter emprendedor le ha llevado a la creación de la OSCAN con la vocación de llevar el nombre de Cantabria por todo el territorio nacional y también fuera de España.
Entre sus diferentes actividades profesionales cabe destacar sus colaboraciones como directora invitada con diferentes agrupaciones como la Orquesta Sinfónica de Burgos, la Banda Municipal de Santander, la Orquesta Juvenil Ataulfo Argenta y la Joven Orquesta de Cámara Gregorio Solabarrieta, entre otras.
También ha colaborado con el Sistema de Orquestas de Guatemala. Además de ser la directora de la OSCAN, en la actualidad también dirige el Coro Kinder de Cantabria, el Coro del Colegio de Economistas de Cantabria y la Capilla Antiqua de Reinosa.
Jueves 8 de junio. Sala Pereda. 19:30 h
Jueves clásicos
Kristina Socanski piano
Hugo Selles piano
Programa: ‘Piano Contrats’ Tour 2023
Obras de Glass | Chopin | Rachmaninov | Supertramp (arr. Hugo Selles) | Liszt | Bernstein
Duración: 80 min. Sin descanso
‘Piano contrasts’ nace de la necesidad de innovar sobre la manera en que la música clásica es presentada
a nuevos públicos. Acostumbrados a disfrutar de las puestas en vivo y giras a dúo de las estrellas del rock, ¿por qué no van a poder dos jóvenes pianistas ofrecer algo similar?
Kristina Socanski es una pianista serbio-noruega. Es una artista muy diversa que explora tanto el repertorio clásico como moderno y que, de forma regular, actúa como solista o como miembro de ensembles de música de cámara. A lo largo de sus estudios, ha recibido el consejo de profesores de la talla de Håkon Austbø, Einar Smebye, Niklas Sivelöv y Friedrich Gürtler. En su trabajo, la crítica ha recogido su individualidad y expresividad y sus cualidades poéticas. Kristina Socanski ha actuado en salas de conciertos y festivales en Serbia, Noruega, Dinamarca, Italia, Alemania, Austria, Finlandia, Suecia, Polonia y Estados Unidos.
Hugo Selles es un pianista, compositor y productor español. La diversidad de sus intereses artísticos se ve
claramente reflejado en la gran variedad de sus propuestas musicales. Miembro de diferentes ensembles y proyectos, incluyendo música para piano solo, música de cámara y otras formaciones, abarcando varios estilos y géneros musicales. Ha tenido el privilegio de estudiar con maestros como Niklas Sivelöv, Sergei Osokin, Kathryn Stott, Ricardo Descalzo, Jeffrey Swann, Marta Zabaleta, Boris Berman y Claudio Martínez-Mehner. Hugo Selles ha actuado hasta la fecha en España, Francia, Italia, Alemania, Dinamarca, Suecia, Serbia, Singapur y Australia.
La entrada Conoce aquí la nueva programación del @PFCantabria en la que vuelve DOÑA FRANCISQUITA se publicó primero en Viajes, opinión y curiosidades.
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